[…]Nicola Cipani’s exploration of brokendown New York pianos, The Ill-Tempered Piano, results in a fascinating collection of improvisations when necessity is truly the mother of invention. The impression, from a track such as “Scemophonia”, is that each piano is capable of little else and the disc’, success is a credit to Cipani’s creativity. Transgeographical gestalts are sometimes invoked purely as a symptom of a piano’s condition, as on the microtonally mesmerizing “Outsourced Music”. No matter how ‘out’ the tunings, many rhythmic constructions are fairly simple, evoking swing or funk.[…][…]Nicola Cipani’s exploration of brokendown New York pianos, The Ill-Tempered Piano, results in a fascinating collection of improvisations when necessity is truly the mother of invention. The impression, from a track such as “Scemophonia”, is that each piano is capable of little else and the disc’, success is a credit to Cipani’s creativity. Transgeographical gestalts are sometimes invoked purely as a symptom of a piano’s condition, as on the microtonally mesmerizing “Outsourced Music”. No matter how ‘out’ the tunings, many rhythmic constructions are fairly simple, evoking swing or funk.[…]

Now this is a strange album, but one with a special charm. Swiss-born, Italian-raised, German-educated and US-based classical philologist Nicola Cipani looked for untuned, damaged, broken and almost unrecognizable pianos in the New York area for two years. After getting acquainted with each instrument’s specific ailments and shortcomings, he still tried to play some music on it, without altering the instrument of course. In some cases percussion is the only result, but more often than not the results are interesting, if not great fun or totally captivating. The sounds are weird, bizarre, but very musical. It is not avant-garde, maybe in its approach, but certainly not in the delivery, because Cipani tries, with the limited means the instruments offer, to still create something like a tune, a rhythm, structure, emotional expression. Sometimes Tom Waits comes to mind, but then without the vocals. Cipani’s universe is harsh, tough, but full of humanity and surely, with a great heart for those abandoned instruments. If they were animate (and they surely still sound alive, although some not too much), these instruments must have rejoiced by the totally unexpected attention they got, and the vision of this musician to still make them shine, probably just one more time, one last time, …Now this is a strange album, but one with a special charm. Swiss-born, Italian-raised, German-educated and US-based classical philologist Nicola Cipani looked for untuned, damaged, broken and almost unrecognizable pianos in the New York area for two years. After getting acquainted with each instrument’s specific ailments and shortcomings, he still tried to play some music on it, without altering the instrument of course. In some cases percussion is the only result, but more often than not the results are interesting, if not great fun or totally captivating. The sounds are weird, bizarre, but very musical. It is not avant-garde, maybe in its approach, but certainly not in the delivery, because Cipani tries, with the limited means the instruments offer, to still create something like a tune, a rhythm, structure, emotional expression. Sometimes Tom Waits comes to mind, but then without the vocals. Cipani’s universe is harsh, tough, but full of humanity and surely, with a great heart for those abandoned instruments. If they were animate (and they surely still sound alive, although some not too much), these instruments must have rejoiced by the totally unexpected attention they got, and the vision of this musician to still make them shine, probably just one more time, one last time, …

Unless you heard Rod Poole, Nels Cline and Jim McAuley’s Acoustic Guitar Trio CD, released on Incus in 2002, you will probably never have heard guitar music sounding like this one. The three musicians are the same, but this performance was recorded live on Vignes Street in Los Angeles in 2003. All three musicians venture into the microtonal universe that British guitarist Rod Poole explored obsessively, playing on an open-tuned instrument played with a bow. All three musicians are also very pre-occupied with sound, like a painter can relish the physical qualities of paint, or a sculpture of stone. All three musicians do not really belong to a musical tradition, having set aside such notions about genre. Yes, Cline is best know from his rock music, but that would be very limitative to describe his work. McAuley has a more folk sound, but again, that is not doing credit to his skills. And Poole apparently was in a category all his own. “Vignes 1”, the long first improvisation, starts calmly, in a rather conventional way, but moving forward, a repetitive, rhythmic one-chord basis sets the tone for the two other guitars to fill in the empty space, creating a weird hypnotic piece, dark and light, or heavy and light if you wish, with varying levels of intensity, but inherently paradoxical, ending in almost silence, where structure and rhythm are completely abandoned for pure sound exploration, recognizable, though not always, as coming from a guitar. “Vignes 2” rebuilds improvisational density, atonal, but rhythmic, with all strings creating again a strange surreal universe, like curtains waving in the breeze, attached to nothing but the imagination. “Vignes 3” brings the trio’s sense of adventure a step further, with Poole starting to use the bow on his strings. It doesn’t sound like Jimmy Page, or even Raoul Björkenheim, but it has a screeching quality which some will call painful, some nerve-racking, some beautiful, or possibly all three of them. It will certainly not leave you indifferent. The performance was recorded by Poole, who was unfortunately killed in 2007. Apparently there is more material left by him and by this trio. Although this music is surely not to everyone’s taste, the trio’s musical explorations and the new dimension given to acoustic guitar playing clearly deserves even more releases.Unless you heard Rod Poole, Nels Cline and Jim McAuley’s Acoustic Guitar Trio CD, released on Incus in 2002, you will probably never have heard guitar music sounding like this one. The three musicians are the same, but this performance was recorded live on Vignes Street in Los Angeles in 2003. All three musicians venture into the microtonal universe that British guitarist Rod Poole explored obsessively, playing on an open-tuned instrument played with a bow. All three musicians are also very pre-occupied with sound, like a painter can relish the physical qualities of paint, or a sculpture of stone. All three musicians do not really belong to a musical tradition, having set aside such notions about genre. Yes, Cline is best know from his rock music, but that would be very limitative to describe his work. McAuley has a more folk sound, but again, that is not doing credit to his skills. And Poole apparently was in a category all his own. “Vignes 1”, the long first improvisation, starts calmly, in a rather conventional way, but moving forward, a repetitive, rhythmic one-chord basis sets the tone for the two other guitars to fill in the empty space, creating a weird hypnotic piece, dark and light, or heavy and light if you wish, with varying levels of intensity, but inherently paradoxical, ending in almost silence, where structure and rhythm are completely abandoned for pure sound exploration, recognizable, though not always, as coming from a guitar. “Vignes 2” rebuilds improvisational density, atonal, but rhythmic, with all strings creating again a strange surreal universe, like curtains waving in the breeze, attached to nothing but the imagination. “Vignes 3” brings the trio’s sense of adventure a step further, with Poole starting to use the bow on his strings. It doesn’t sound like Jimmy Page, or even Raoul Björkenheim, but it has a screeching quality which some will call painful, some nerve-racking, some beautiful, or possibly all three of them. It will certainly not leave you indifferent. The performance was recorded by Poole, who was unfortunately killed in 2007. Apparently there is more material left by him and by this trio. Although this music is surely not to everyone’s taste, the trio’s musical explorations and the new dimension given to acoustic guitar playing clearly deserves even more releases.

Rings of Fire dimostra ammirevolmente come la concezione ritmica del duo Nexus si espanda e diventi luogo stimolante per avventure improvvisative. Due suite lo riempiono, ricche e organiche. I sei movimenti fortemente caratterizzati di Faces(Cavalianti) dichiarano l’ispirazione nei titoli: Shadows, Cassavetes, Bertolucci, Jarmush, Wenders e Eastwood. La seconda suite appare più complessa e fratturata ma attraverso gli otto movimenti dai titoli non altrettanto inequivocabili, raggruppati in tre Phases, Tononi fa scorrere un fluido ritmico unificante, cui lascia la possibilità di inabissarsi carsicamente. I violini conferiscono alle due suite un colore e un profilo dinamico determinanti: merito di una scrittura che ne fa sorgere le voci dal tessuto sottostante come una necessità.Rings of Fire dimostra ammirevolmente come la concezione ritmica del duo Nexus si espanda e diventi luogo stimolante per avventure improvvisative. Due suite lo riempiono, ricche e organiche. I sei movimenti fortemente caratterizzati di Faces(Cavalianti) dichiarano l’ispirazione nei titoli: Shadows, Cassavetes, Bertolucci, Jarmush, Wenders e Eastwood. La seconda suite appare più complessa e fratturata ma attraverso gli otto movimenti dai titoli non altrettanto inequivocabili, raggruppati in tre Phases, Tononi fa scorrere un fluido ritmico unificante, cui lascia la possibilità di inabissarsi carsicamente. I violini conferiscono alle due suite un colore e un profilo dinamico determinanti: merito di una scrittura che ne fa sorgere le voci dal tessuto sottostante come una necessità.

Il progetto di Xabier Iriondo e del batterista di Starfuckers/Sinistri Roberto Bertacchini, nato quasi per caso un paio d’anni fa per contribuire con un 3″ alla Mail Series della Wallace, è ormai divenuto oggi una realtà consolidata con un personale repertorio a metà fra improvvisazione e composizione. Fra questi due poli oscilla infatti il contenuto del loro album d’esordio, costituito da brani che recuperano il blues, il rock e la memoria di vecchi 78 giri da grammofono per formulare un linguaggio assolutamente personale. Shipwreck Bag Show suona infatti come una perfetta sintesi delle loro passate esperienze con A Short Apnea, Sinistri e Uncode Duello. Un’opera di raccordo nel percorso creativo di due musicisti che alla sperimentazione coniugano un’energia viscerale derivante da un’inestinguibile anima rock. Si respira un’aria di notevole libertà espressiva. che li porta a spaziare da un irreale noise fatto di stratificazioni chitarristiche (Tuamare, Tra le Nostre Mam) a passaggi in cui la materia sonora collassa in mille pezzi (Caminito Sudo, The F. Wheeler Shipwreck ), da canzoni lacere ed ulcerate (Scoppia, Two Castaway Tramps) a momenti di tragicomico nonsense (Kalejira). Musica che lascia il segno, vivida, irrequieta e carica di tormentata umanità.Il progetto di Xabier Iriondo e del batterista di Starfuckers/Sinistri Roberto Bertacchini, nato quasi per caso un paio d’anni fa per contribuire con un 3″ alla Mail Series della Wallace, è ormai divenuto oggi una realtà consolidata con un personale repertorio a metà fra improvvisazione e composizione. Fra questi due poli oscilla infatti il contenuto del loro album d’esordio, costituito da brani che recuperano il blues, il rock e la memoria di vecchi 78 giri da grammofono per formulare un linguaggio assolutamente personale. Shipwreck Bag Show suona infatti come una perfetta sintesi delle loro passate esperienze con A Short Apnea, Sinistri e Uncode Duello. Un’opera di raccordo nel percorso creativo di due musicisti che alla sperimentazione coniugano un’energia viscerale derivante da un’inestinguibile anima rock. Si respira un’aria di notevole libertà espressiva. che li porta a spaziare da un irreale noise fatto di stratificazioni chitarristiche (Tuamare, Tra le Nostre Mam) a passaggi in cui la materia sonora collassa in mille pezzi (Caminito Sudo, The F. Wheeler Shipwreck ), da canzoni lacere ed ulcerate (Scoppia, Two Castaway Tramps) a momenti di tragicomico nonsense (Kalejira). Musica che lascia il segno, vivida, irrequieta e carica di tormentata umanità.

Quella di Xabier Iriondo e Roberto Bertacchini è un’accoppiata vincente nella ricerca di sonorità originali in grado di caratterizzare il loro progetto. Questa nuova uscita è la diretta continuazione del mini cd che chiudeva la WallaceMailSeries ed è un album che spiazza al primo ascolto, incuriosisce nel pro- seguo e affascina quando lo si ha introiettato. Un album strano, fatto di canzoni bizzarre, blues notturni, disturbati e intrisi di alcol e incubi. Strumenti a corda e percussioni si rincorrono o seguono strade proprie, assaporano. il frutto maturo dell’avvicinamento per poi scappare dietro ritmi sincopati e stranianti. Non è facile definire questo tipo di musica, sia chiaro. La ricerca sonora la potremmo avvicinare, per facilitarci la comprensione, a certe intuizioni di Tom Waits, le canzoni predono un po’ dal folk, anche se primitivizzato in chiave moderna (“Two Castaway Tramps”), dal blues chiaramente, reso minimale nella sua espressività popolare (“Scoppia”), e del jazz d’avanguardia nella ritmica e nel non dare mai niente per scontato. Non c’è auto-compiacimento in questo lavoro, non c’è l’alternativo a tutti i costi, parlerei piuttosto di un processo di stile che si concretizza in una forma personale e fuori dagli schemi della forma canzone più classica. Un album, in conclusione, che comunica, non in modo diretto, con input quasi scheletrici, ma secondo direttrici che è prezioso scoprire. Non abbiate paura a conoscere The Shipwreck Bag Show.Quella di Xabier Iriondo e Roberto Bertacchini è un’accoppiata vincente nella ricerca di sonorità originali in grado di caratterizzare il loro progetto. Questa nuova uscita è la diretta continuazione del mini cd che chiudeva la WallaceMailSeries ed è un album che spiazza al primo ascolto, incuriosisce nel pro- seguo e affascina quando lo si ha introiettato. Un album strano, fatto di canzoni bizzarre, blues notturni, disturbati e intrisi di alcol e incubi. Strumenti a corda e percussioni si rincorrono o seguono strade proprie, assaporano. il frutto maturo dell’avvicinamento per poi scappare dietro ritmi sincopati e stranianti. Non è facile definire questo tipo di musica, sia chiaro. La ricerca sonora la potremmo avvicinare, per facilitarci la comprensione, a certe intuizioni di Tom Waits, le canzoni predono un po’ dal folk, anche se primitivizzato in chiave moderna (“Two Castaway Tramps”), dal blues chiaramente, reso minimale nella sua espressività popolare (“Scoppia”), e del jazz d’avanguardia nella ritmica e nel non dare mai niente per scontato. Non c’è auto-compiacimento in questo lavoro, non c’è l’alternativo a tutti i costi, parlerei piuttosto di un processo di stile che si concretizza in una forma personale e fuori dagli schemi della forma canzone più classica. Un album, in conclusione, che comunica, non in modo diretto, con input quasi scheletrici, ma secondo direttrici che è prezioso scoprire. Non abbiate paura a conoscere The Shipwreck Bag Show.

Sorprende e affascina il debutto pianistico di Nicola Cipani, insegnante alla New York University e artista eclettico, che ha trascorso due anni a scovare pianoforti rotti e scordati per realizzare un percorso sonoro tanto estremo quanto coerente nelle sue linee generali.

L’aspetto singolare del disco non sta ovviamente nel porsi agli antipodi dal “Clavicembalo ben temperato” di Bach ma nel reinventare visionarie identità musicali sulla base di rottami giudicati inservibili: nascono così 24 bozzetti (mediamente di 2 minuti l’uno) dove Cipani trae dai pianoforti (o ciò che resta di loro) effetti timbrici e soluzioni ritmiche sorprendentemente logiche, all’interno di invenzioni improvvisate solo apparentemente rumoristiche. Non c’è volontà di destrutturare la forma ma, al contrario, di trovare nuovi equilibri espressivi sulla base del singolare materiale trovato.

Dagli strumenti che ha sottomano Cipani trae soluzioni nuove e creative, usando tastiera, corde e legno fino a trovare sorprendenti vicinanze espressive sia con l’universo delle musiche etniche che coi percorsi delle avanguardie storiche (da John Cage a Derek Bailey).
Una musica a tratti ritualistica e iterativa ma più spesso disposta a rischiare soluzioni imprevedibili allo stesso autore, in un itinerario suggestivo che si alimenta della propria anomalia. Può apparire azzardato ma al termine del percorso l’estetica di riferimento appare molto più tradizionale (addirittura cameristica) di quanto l’ascoltatore può supporre nei primi minuti d’ascolto.Sorprende e affascina il debutto pianistico di Nicola Cipani, insegnante alla New York University e artista eclettico, che ha trascorso due anni a scovare pianoforti rotti e scordati per realizzare un percorso sonoro tanto estremo quanto coerente nelle sue linee generali.

L’aspetto singolare del disco non sta ovviamente nel porsi agli antipodi dal “Clavicembalo ben temperato” di Bach ma nel reinventare visionarie identità musicali sulla base di rottami giudicati inservibili: nascono così 24 bozzetti (mediamente di 2 minuti l’uno) dove Cipani trae dai pianoforti (o ciò che resta di loro) effetti timbrici e soluzioni ritmiche sorprendentemente logiche, all’interno di invenzioni improvvisate solo apparentemente rumoristiche. Non c’è volontà di destrutturare la forma ma, al contrario, di trovare nuovi equilibri espressivi sulla base del singolare materiale trovato.

Dagli strumenti che ha sottomano Cipani trae soluzioni nuove e creative, usando tastiera, corde e legno fino a trovare sorprendenti vicinanze espressive sia con l’universo delle musiche etniche che coi percorsi delle avanguardie storiche (da John Cage a Derek Bailey).
Una musica a tratti ritualistica e iterativa ma più spesso disposta a rischiare soluzioni imprevedibili allo stesso autore, in un itinerario suggestivo che si alimenta della propria anomalia. Può apparire azzardato ma al termine del percorso l’estetica di riferimento appare molto più tradizionale (addirittura cameristica) di quanto l’ascoltatore può supporre nei primi minuti d’ascolto.

Il sodalizio tra Cavallanti e Tononi (con o senza l’etichetta nexus) ? uno dei più durevoli del jazz italiano, dato che dura ormai da una trentina d’anni. Quest’ultimo lavoro conferma ancora una volta le linee essenziiali della loro poetica: il riferimento all’avanguardia storica degli anni ’70, la forte enfasi sulla dimensione collettiva e sull’elemento ritmico, i progetti a largo respiro.

In questo caso si tratta di due suite: “faces”, composta da Daniele Cavallanti e dedicata a diversi registi , e ”Phases – 3 2 3″ , a firma di Tiziano Tononi. La formazione ? un ottetto a parti raddoppiate: due sassofoni (Cavallanti e Succi), due percussionisti (Tononi e Pacho), due strumenti ad arco (il violino di Scheinman e la viota di Parrini), due a Corde pizzicate (il basso e contrabbasso di Maier e la Chitarra di Mariani).

Insolita lineup, Suggerita dal produttore della Long Song Fabrizio Perissinotto, consente di ottenere da una parte uno spessore sonoro quasi orchestrale, dall’altra impasti timbrici inediti, soprattutto nelle molteplici Combinazioni di ance e corde.Il sodalizio tra Cavallanti e Tononi (con o senza l’etichetta nexus) ? uno dei più durevoli del jazz italiano, dato che dura ormai da una trentina d’anni. Quest’ultimo lavoro conferma ancora una volta le linee essenziiali della loro poetica: il riferimento all’avanguardia storica degli anni ’70, la forte enfasi sulla dimensione collettiva e sull’elemento ritmico, i progetti a largo respiro.

In questo caso si tratta di due suite: “faces”, composta da Daniele Cavallanti e dedicata a diversi registi , e ”Phases – 3 2 3″ , a firma di Tiziano Tononi. La formazione ? un ottetto a parti raddoppiate: due sassofoni (Cavallanti e Succi), due percussionisti (Tononi e Pacho), due strumenti ad arco (il violino di Scheinman e la viota di Parrini), due a Corde pizzicate (il basso e contrabbasso di Maier e la Chitarra di Mariani).

Insolita lineup, Suggerita dal produttore della Long Song Fabrizio Perissinotto, consente di ottenere da una parte uno spessore sonoro quasi orchestrale, dall’altra impasti timbrici inediti, soprattutto nelle molteplici Combinazioni di ance e corde.

Ventiquattro improvvisazioni per pianoforti rotti o scordati trovati a New York, precisa il sottotitolo di questa che si potrebbe quasi definire musica immaginaria, ideale per mondi borgesiani come Tlon (dove alla base dell’aritmetica c’è la nozione di numero indefinito) o per qualche città invisibile calviniana (forse Zemrude, dove l’umore di chi la guarda ne cambia la forma) Musica di altri mondi, dove il pianoforte suona come uno xilofono, un cymbalom, un sitar, una chitarra a sua volta scordata à la Derek Bailey, o un qualche marchingegno elettronico analogico: sembra tanti altri strumenti tranne che un pianoforte, anche se a tratti si potrebbe pensare a uno strumento preparato alla Cage, così come a Fluxus sembra ispirarsi nello spirito questa registrazione. I suoni sprofondano dentro se stessi, oppure trovano equilibri armonici istantanei, spericolati; emanano insoliti riverberi e insomma fanno quel che pos- sono, essendo rottami o quasi. Molto riesce invece a fare Cipani, in questa sua prima uscita, inventando una serie di soluzioni ritmico-melodiche prodigiose, considerati gli strumenti scalcagnati che adopera. Strano e affascinante.Ventiquattro improvvisazioni per pianoforti rotti o scordati trovati a New York, precisa il sottotitolo di questa che si potrebbe quasi definire musica immaginaria, ideale per mondi borgesiani come Tlon (dove alla base dell’aritmetica c’è la nozione di numero indefinito) o per qualche città invisibile calviniana (forse Zemrude, dove l’umore di chi la guarda ne cambia la forma) Musica di altri mondi, dove il pianoforte suona come uno xilofono, un cymbalom, un sitar, una chitarra a sua volta scordata à la Derek Bailey, o un qualche marchingegno elettronico analogico: sembra tanti altri strumenti tranne che un pianoforte, anche se a tratti si potrebbe pensare a uno strumento preparato alla Cage, così come a Fluxus sembra ispirarsi nello spirito questa registrazione. I suoni sprofondano dentro se stessi, oppure trovano equilibri armonici istantanei, spericolati; emanano insoliti riverberi e insomma fanno quel che pos- sono, essendo rottami o quasi. Molto riesce invece a fare Cipani, in questa sua prima uscita, inventando una serie di soluzioni ritmico-melodiche prodigiose, considerati gli strumenti scalcagnati che adopera. Strano e affascinante.