“…naufraghi nell’oceano del pop, rifugiati su di un’isola fuori dal tempo, il nostro bagaglio è una semplice borsa, colma di legno, metallo e circuiti stampati.”

Xabier Iriondo e Roberto Bertacchini di nuovo insieme per dare seguito all’omonimo miniCD che chiudeva la wallaceMailSeries. Due anni passati a forgiare un suono che è diventato molto più della somma di due stili la cui personalità è ormai diventata marchio di fabbrica, The Shipwreck Bag Show è un gruppo, una band che suona dal vivo e con questo album propone dodici brani che non è azzardato definire canzoni. Senza dimenticarsi della ricerca sonora portata avanti negli anni, il duo si dedica a cantare e suonare blues: ovviamente canzoni ubriache e sbilenche , ovviamente blues zoppo, zozzo, evocativo e
primitivo. Dio (o chi per lui) li fa…..“… we are shipwrecked in the ocean of pop, refugees on an island out of time, our luggage is just a bag full of wood, metal and printed circuit boards.”

Xabier Iriondo and Roberto Bertacchini are together again to continue the work started with the mini-cd of the same name which closed the wallaceMailSeries. Two years to forge a sound that has become much more than the sum of two styles, whose personality has become trademark. Shipwreck The Bag Show is a group, a band playing live and this album offers twelve tracks that are real songs. Without forgetting the sound research carried out over the years, the duo is dedicated to singing and playing blues songs obviously drunk and crooked, obviously cripple blues, dirty, primitive and evocative. God (or who for him) makes them …

Scrive Fabrizio Perissinotto:

Ho sempre apprezzato in passato i lavori di Daniele e Tiziano con ampi collettivi di musicisti, ma allo stesso tempo ho sempre avuto le mie precise idee su come avrei eventualmente organizzato e prodotto un loro progetto del genere. Così un giorno mi è venuta in mente per loro un tipo di formazione a ottetto con due fiati, due violini (ho sempre voluto lavorare con la favolosa Jenny Scheinman, e questa sarebbe stata l’occasione perfetta), due chitarre e basso e batteria. Una delle due chitarre è stata poi sostituita da delle percussioni e il tutto si è focalizzato maggiormente sulle possibilità di interplay tra fiati e archi, che sono sicuramente infinite. Il punto di partenza quindi scelto doveva essere per me un mix molto d’impatto di parti scritte e arrangiate, con parecchie armonizzazioni ed elementi “sinfonici”, dove tutti gli assoli e le improvvisazioni si sarebbero ancorate a questa base, come una parte dell’intero corpo musicale, piuttosto che dominarlo dal di sopra.
Tiziano e Daniele sono stati quindi “sfidati” dai miei precisi suggerimenti su come creare qualcosa che fosse caratterizzato da tensione lirica, dramma e grande forza esecutiva, ma che allo stesso tempo rimanesse sempre ben controllato e ricco di energia spesa con lucidità. Se possiamo usare un metafora efficace e suggestiva: come un gigantesco, affascinante al punto di incutere quasi timore, treno a vapore, che corre possente e fumante ma sempre ben saldo sui suoi binari.
Alla fine abbiamo ottenuto due lunghe, complesse e avventurose suite, che meritano molti ascolti per essere apprezzate a fondo, e che mettono in mostra le sempre numerose influenze musicali di Tononi e Cavallanti (a Voi il piacere di scoprirle o riscoprirle), e danno prova ancora una volta della loro capacità di scrivere bellissima musica e di ottenere il meglio dai musicisti con cui lavorano, che sono stati tutti favolosi durante le session di registrazione.

Quasto lavoro è andato ben oltre le mie migliori aspettative, e sono estremamente fiero di averlo pensato, prodotto e reso disponibile: rappresenta alla perfezione molte delle visioni musicali della Long Song Records.Tenor/baritone/composer Daniele Cavallanti and drummer/percussionist/composer Tiziano Tononi, from Milano, Italy, have been playing together for the last thirty years. Since 1980 have been co-leading the band Nexus. Considered an historical avant garde Italian band, Nexus has been voted a number of times best band by critics in the annual jazz magazine Musica Jazz “Top Jazz Referendum”. They are also founding members of the celebrated Italian Instabile Orchestra. Both with Nexus and the Italian Instabile Orchestra, Cavallanti and Tononi performed all over Europe, United States, Canada and Japan and during their career they have been playing and recording with some of the most representative Italian jazz musicians such as: Enrico Rava, Gianluigi Trovesi, Giancarlo Schiaffini, Giorgio Gaslini and with a number of international jazz masters such as: Raphael Garrett, Radu Malfatti, Barre Phillips, Oliver Lake, Leroy Jenkins, Glenn Ferris, Mark Dresser, Herb Robertson, Steve Lacy,  Dave Liebman, Stuart Copeland, Andrew Cyrille, Maggie Nicols, Dewey Redman, Muhal Richard Abrahms, Cecil Taylor, Anthony Braxton, Roswell Rudd, Nels Cline, Elliot Sharp, William Parker, Hamid Drake, Willem Breuker, Wolter Wierbos, Jerry Granelli, Evan Parker, Paul Lytton, Jean-Jacques Avenel, Oliver Johnson, Michel Godard.

On this brand new CD, produced by Fabrizio Perissinotto, who originally conceived and commissioned the project to the two musicians, Cavallanti and Tononi present two long and ambitious suites (“Faces” by Daniele Cavallanti and “Phases” by Tiziano Tononi) for an extraordinary high level octet that features American violin rising star Jenny Scheinman, Emanuele Parrini on viola, Achille Succi on alto saxophone and bass clarinet, Massimo Mariani on guitar, Giovanni Maier on double and electric bass and Pacho on percussion.

“The Illl-Tempered Piano” è il primo album del pianista Nicola Cipani, che esegue improvvisazioni su pianoforti rotti e scordati – un debutto sorprendente per la varietà delle soluzioni ritmico-melodiche e per la
reattività dell’esecutore alle insolite caratteristiche di ogni singolo strumento. Le registrazioni sono state realizzate nell’arco di due anni in vecchie fabbriche e magazzini di New York, su pianoforti(la collezione include però anche un clavicordo) in alcuni casi tanto danneggiati da potersi riconoscere a stento; ma l’idiosincrasia di ogni strumento, più che come limite, è affrontata come nuovo punto di partenza. Dagli strani paesaggi acustici di questi pianoforti esce una raccolta di esperimenti sonori sorprendentemente freschi, intensi e compiuti. Una musica imprevedibile ma evocativa – da ascoltare e riascoltare
Nicola Cipani’s “Ill-Tempered Piano” is a suprising and playful album of solo improvisations played on broken and untuned pianos. Cipani’s accomplished melodic and rhythmic approach and his responsiveness to each instrument’s raw potential set this project apart. The recordings were made over the span of two years in different New York City warehouses, on several keyboard instruments (among the pianos you hear also a clavichord), some of which are so damaged as to be hardly recognizable — but each piece takes the peculiarities of its instrument as a starting point, not as a limitation. What results is a collection of fresh, clever and fully-realized sound experiments performed on the strange landscape of each piano. The album is unpredictable and captivating — one to be heard and re-heard.

Here’s an elegant idea brilliantly realized. Nicola Cipani is a pianist who scouted the New York City area for broken or untuned pianos to improvise on. The variety and intrigue of timbres he found at his fingertips is as exciting as you might hope for. Clusters splatter; melodies buzz and sputter; notes grunt instead of singing. Nicola strikes a great balance between the viscerality of timbral jump-cut action (think Kagel) and the milder thrills of elliptical phrases changing slope. Because it’s the keyboard being played, not the strings themselves, the music is much closer to the perverse percussive perambulations of prepared pianos in the Cowell, Cage, et al tradition, than the similarly popular tradition of piano-guts playing in the vein of Maroney, Neumann, et al. Having settled in Brooklyn and taken on an academic career after spending most of his life in his native Italy, where his early adult years were spent playing avant-leaning jazz, this disc is an overdue resumption of musical pursuits for a savvy and talented musician with no desire to be a redundant ivory tickler. Like horn players who develop idiosyncratic timbral vocabularies without abandoning the conventional physicality of their instrument and its attendant resources of ingrained melodic and rhythmic intuition, Nicola avoids both extremes in the continuum from banality to abstraction. The secret of improvisation is avoiding cliches; the unique states of disrepair of these pianos virtually guarantee success, but Nicola’s phrasing is so precise and nuanced that the music goes a lot deeper than timbral novelty. Just like the man who made it, the music is endlessly clever, astute, and playful. Sometimes I get burned out on piano music, but this disc proves how incredible the instrument can be when it’s not limited to the same 12 notes and the same clean attacks and decays. Bravo to the new and promising Italian label Long Song Records for sharing a distinctive gem deserving to be heard.
Micheal Anton Parker – Downtown Music Gallery

Craig Green, chitarrista estremamente eclettico e creativo dell’Idaho, dotato di uno stile diretto, pungente e vitale, si è unito al batterista David King (uno degli strumentisti più lodati e particolari dell’ultima generazione) del famoso e acclamato piano trio Bad Plus (nonché dell’altrettanto noto trio Happy Apple) per dare vita ad una serie di duetti improvvisati, sia elettrici che acustici. Musica fresca, inventiva, sempre comunque con un nucleo melodico che rimanda a temi con echi “roots”, profondi e di ampio respiro. Musica dotata di groove, fisica o eterea, aggressiva o ipnotica, rarefatta o urticante a seconda dei momenti, con qualche schizzo di follia e ironia a condire il tutto. C’è un empatia quasi telepatica tra i due, e le improvvisazioni mutano (come spesso succede con i musicisti di valore) in piccole composizioni fatte e finite, che crescono e si stampano nella memoria con il passare degli ascolti.
David King inoltre suona il piano in alcuni pezzi, e questo è il suo esordio su disco in questo ruolo, mostrando la sua bravura anche con questo strumento.
Un disco fiero e positivamente energico.Eclectic, experienced and creative guitar player Craig Green plus celebrated and critically acclaimed drummer David King (from the Bad Plus and Happy Apple) will release in some months an excting and vibrant duo collaboration on Long Song Records. Totally improvised music in an odd setting (with piano from time to time, played by D.King), electric and also acoustic, working in many moods ranges. sketches of inventiveness and freshness all over. groovey and spacey, physical and ethereal, gentle and stinging. Music coming out of their hands and mind with an almost telepathic empathy, that gives life to true little “compositions”, as if written in advance.

“Dandelions On Fire”, an unexpected and surprising collaboration born from the remarkable talents of the awesome guitar player Simone Massaron (a great musician at ease with different genres), who wrote the music to the songs and arranged almost everything, and Carla Bozulich, renowned cult artist , who is an amazing lyricist and singer.
Blues, ballads, folk music, improvised moments…all to create a compelling collection of songs and haunting melodies.
The band supporting Simone and Carla is a special one too: Zeno De Rossi on drums is one of the most gifted players emerging out of the new jazz and improvised music scene in Italy. Andrea Viti and Xabier Iriondo have a glorious past as their background with the famous and acclaimed band Afterhours and now move between classic rock and experimental music independently.
Other great musicians also took part to the recording session.“Dandelions On Fire”: una collaborazione inattesa, uno splendido lavoro di stampo cantautorale.
Questo disco nasce dalla musica e dagli arrangiamenti di Simone Massaron (già con noi per il suo cd “Breaking News” e come session man), talento chitarristico versatile e di incisiva personalità a livello compositivo ed esecutivo, ancora poco noto ai più ma già con una grande esperienza (Marc Ribot, non uno qualunque, lo ha coperto di complimenti alla fine delle session del disco “Technicolor” di Giovanni Maier in cui hanno suonato insieme per la prima volta). Carla Bozulich, oltre ad essere una cantante formidabile e una performer imprevedibile e unica, è anche un’autrice di testi eccezionale.
Ospite assolutamente speciale, ha contribuito con le sue parole e il fascino magnetico della sua voce profonda ed espressiva alla riuscita di “Dandelions on Fire”.
Un disco di canzoni quindi, un disco “classico” che vive soprattutto del valore delle sue composizioni, delle sue avvolgenti melodie, e conquista lentamente. Blues viscerali, ballate, e folk prevalgono, ma ci sono anche un paio di ruvide improvvisazioni collettive, che non deluderanno chi è già abituato ai dischi di Carla e alle sue sperimentazioni
La band di supporto a Simone e Carla è davvero speciale: Zeno De Rossi alla batteria, stabile da alcuni anni nella band di Vinicio Capossela, è uno dei più bravi musicisti della nuova scena jazz e non solo in Italia. Andrea Viti e Xabier Iriondo, rispettivamente al basso e ai “rumori e colori”, hanno un glorioso passato negli Afterhours, e ora si muovono individualmente nei territori del rock e della musica sperimentale. Altri grandi musicisti ancora hanno preso parte alla registrazione.

Performance recorded early on a sunny dawn, June the the 24th, 2007, in an ancient 10th century cave-church, in a magical stone town named Matera, South of Italy.
The church is named Santa Lucia alle Malve.
Summer solstice is a holy moment in so many and various traditions.
We chose there because of the sound of these alveolar stones.
Not only had we beautiful reverbes and resonant echoes but the sound seemed to go into the stones themselves.
It’s naked music, as we had to solve our golems there.
We like to think about it as a laical psalmody.
Our equipment was light:
a soprano saxophone, a couple of table strings (taisho koto and mahai metak) and a very discreet low-fi device to get some frequencies.
The output has been a great sharing and a pure communication.
Holy, sometimes.
“Your very eyes” is mainly a proof of belonging.
A safe and uncertain place to train shifts.
Displacements.
Belonging to a way.
Better, to a move.
Sources are so different.
Distant starts, too.
Although, there are places where it is possibile to unveal us.
Here: no matter what styles or auto-referring expressive attempts.
Here: changes.
Actually changes.
And we discover ourselves moved, changed, unchained.
One from each other.

Your very eyes è prima di tutto la prova di un’appartenenza. Un luogo sicuro ed incerto nel quale esercitare spostamenti. L’appartenenza ad una via. Meglio, ad un muoversi. Le provenienze e le derivazioni sono così varie e diverse.. Ma appunto ci sono luoghi, nei quali ci si svela. Qui non si tratta di stili o di auto-referenti tentativi di espressione. Qui si attuano mutamenti. E ci si scopre smossi, cambiati, giocati l’un l’altro. Dopo qualche anno di intensa collaborazione intorno a progetti complessi e multi prospettici ( il recentissimo dvd “Kursk_truth in the end” appena edito da Amirani records, il cd “On War” prossimamente in uscita) e a live performances, Gianni Mimmo e Xabier Iriondo operano qui una sana mutazione reciproca. Decidono di intraprendere un viaggio verso una chiesa rupestre del X sec. (S. Lucia alle Malve a Matera) per due ragioni: – la prima è di ordine acustico. La pietra di quei luoghi è sonora e reagisce in modo molto interessante alle sollecitazioni timbriche. -la seconda è quella vera. Sanno che c’è necessità di una sorta di celebrazione di questo tentativo di creazione di un meta-linguaggio fra le loro storie. Le loro provenienze sono diverse, le loro anagrafi distanti, le loro attenzioni molto simili, con declinazioni differenti ed egualmente intense. È un confronto nudo, ma qui trovano modo di scogliere i loro golem. Your very eyes è una specie di laica salmodia fatta di struggenze ed asprezze. Il loro dire è fatto di crinali percorsi per cadere e per cedere. Per far questo si servono di mezzi leggeri e semplicemente complessi: un sax soprano, un paio di cordofoni (un mahai metak e un taisho koto) e di alcuni discreti lo-fi devices. Ne esce una condivisione e una comunicazione pura. A volte sacra.

“Featuring Marc Ribot + A Turtle Soup” è un ambizioso doppio cd contenente due sessions da parte del nuovo quartetto guidato da Giovanni Maier, “Technicolor”. Giovanni Maier è un talentuoso ed acclamato bassista e contrabbassista. Su “A Turtle Soup” le sonorità sono intriganti, intenzionalmente vintage e moderne nel contempo. Textures eteree e affascinanti alternate ad una ipnotica sezione ritmica si rincorrono nelle aggressive e oblique improvvisazioni. “Featuring Marc Ribot” aggiunge alla “Soup” le chitarre del grande Marc Ribot e Simone Massaron, musicsta eclettico a suo agio con differenti generi. Le tastiere si muovono sullo sfondo, rendendo il sound ideale per le due chitarre, acide e distorte. un nuovo rock psichedelico, lirico e angolare, ironico e radicale, emerge nelle composizioni di Maier e sui brani totalmente improvvisati.

“Featuring Marc Ribot + A Turtle Soup” is an ambitious double cd containing two sessions by the new quartet led by Giovanni Maier, “Technicolor”. Giovanni Maier is a skilled and critically acclaimed double bass player. His style is strong and intense, his attack on strings thunderous and precise. Among his many prestigious collaborations over the years: the famous “Italian Instabile Orchestra” and Enrico Rava (most famous Italian jazzman) Electric Quintet. Giovanni has just been voted “best Italian bass player” in the prestigious “Musica Jazz” magazine 2007 year’s end poll. With Technicolor Maier switches to electric bass, with a particular line-up with two electric keyboards (keyboards wizards Alfonso Santimone and Giorgio Pacorig) plus rhythm section (Maier plus drums rising star Zeno De Rossi).

Plays Monk è un creativo e inusuale progetto che rivisita brani del grande Thelonious Monk, a cura di tre acclamati e brillanti musicisti: Scott Amendola, Ben Goldberg e Devin Hoff. Questo trio si fa sentire: la sezione ritmica di Devin Hoff e Scott Amendola swinga e colpisce per potenza, precisione ed inventiva. Ben Goldberg è un solista eccezionale. Le sue linee melodiche sono gioia pura per le orecchie. Il suo controllo, la sua tecnica e la sua creatività sono quelle dei più grandi. — ..quello che rende questo disco così elegante è il modo in cui il trio suona questi brani, i quali sono stati tutti composti con il ruolo del pianoforte al centro. Con vivacissime versioni di “Little Rootie Tootie”, “Four in One” e “Teo”, come potrebbero sbagliare? Una proposta davvero eccellente.Featuring Ben Goldberg on clarinet, Devin Hoff on bass and Scott Amendola on drums & production. Devin Hoff and Scott Amendola are the great rhythm team for the Nels Cline Singers. Devin, Scott & clarinet wiz, Ben Goldberg, are also members of Nels Cline’s New Monastery / Andrew Hill project. On this rich offering, the trio plays ten Thelonius Monk compositions in their own quirky way. “Skippy” is taken at a brisk tempo and has an infectious, happy vibe. Very nice to hear this trio playing a few of the rarer Monk tunes like “Shuffle Boil” and “Boo Boo’s Birthday”. What makes this disc so fine is the way the trio plays these tunes, all of which were written at and often feature a piano at the center. With spirited versions of “Little Rootie Tootie”, “Four in One” and “Teo”, how can they go wrong? An excellent offering.

Duo Milano è una creazione sonora senza compromessi, radicalmente improvvisata da due maestri della chitarra come Nels Cline ed Elliott Sharp. …Questo disco favoloso consiste di dieci duetti incredibili, cinque acustici e cinque elettrici. Registrato magnificamente è soddisfacente in qualsiasi dettaglio audio. La parte acustica equilibra linee velocissime e quasi arpistiche con la nuda purezza di ampi e blueseggianti bordoni di e-bow. La parte elettrica è cupa e sognante con strani interventi melodici. Dalla calma cosmica all’estremamente intenso.. – B.L.Gallanter, Downtown Music Gallery, NYC.Duo Milano is a no compromise, totally improvised sonic landscape by two guitar masters as Elliott Sharp and Nels Cline. This is what Nels and Elliott say about their work together. Elliott: “Nels is one of my favourite people and favourite guitarists – our playing together resonates in such a way as to create the sound of one seething bubbling bristling glowing instrument. Every gig and recording we’ve done has been different. “Duo Milano” captures some sonic moments in Italy in a fine studio in hyper real detail.” Nels: “Elliott and I have been investigating an improvised duet language/interaction in both acoustic and electric settings for several years now. It is always a pleasure and an honor, and this disc is the first document to represent our ongoing dialogue in sound and feeling. We seem to function as one empathetic, huge guitar. The result is, to my mind, a splendid example of our sometimes fragile and intimate and other times monolithic and tripped-out sensibilities.”

This record celebrates the meeting of the best pre-fusion electric jazz with the vibe of the best instrumental rock. Daniel Cavallanti, a veteran sax player from the critically acclaimed groups Nexus and Italian Instabile Orchestra,” joins forces with his old friend Nels Cline and some great Italian jazzmen to crate daring music, classical and modern and fresh at the same time. You get long original compositions dominated by a strong and pulsating rhythmic feel, no-nonsense melodies and extended, soaring solos. “A large group of Italians and I recorded this, a set of “electric jazz”, in Milan for Long Song Records. It’s very early 70s style, and almost everyone involved with this fun record are old enough to really know how to play this stuff in the pre-FUSION way, which is to say, pre-“popping”, pre-“symphonic”, pre-CRAPPY… Daniele, who I met and played with about 13 years ago, has a sound that reminds me of the great (and, sadly, recently departed) Dewey Redman.” -Nels ClineQuesto lavoro celebra l’incontro tra il migliore jazz elettrico con radici nei primi anni ’70 e un rock strumentale intenso e diretto. Daniele Cavallanti, sassofonista veterano della scena jazz italiana e internazionale con i gruppi “Nexus” e “Italian Instabile Orchestra” si unisce al suo amico di vecchia data Nels Cline (talento indiscusso e acclamato della chitarra elettrica moderna, sia nel jazz che nel rock più sperimentale e indipendente, come chitarrista dei celebri Wilco) e ad altri grandi musicisti della scena nostrana (tra cui il bassista Giovanni Maier e l’eterno compagno di avventure Tiziano Tononi). Dall’incontro ne esce una musica che attualizza sonorità del passato e le rende ancora fresche, potenti e coinvolgenti.