A un certo punto mi convinsi che da qualche parte nelle tracce di quel disco doveva esserci un messaggio subliminale che invitava al suo acquisto e al suo ascolto costante. In tutte le case vedevo la copertina bianca e blu e chiunque, persino gli imbianchini (non sia un riferimento offensivo, Lui ci aveva già insegnato in un disco precedente che un imbianchino è meglio di Le Corbusier), persino loro cantavano «il senso del possesso che fu prealessandrino». Lo facevano catturati dal rincorrersi di esse che scivolavano via da sole in un verso che forse non voleva dire nulla, benché ancora oggi sui forum in Rete ragazzi nati anni molto dopo l’uscita nei negozi di La voce del padrone continuino a interrogarsi sul significato.
Trent’anni fa non ci si credeva tutti colti e l’elenco delle cose che potevano elevarti dalla massa era diverso da quello odierno, era composto da elementi più concreti e non dalle «vacanze, l’erba voglio, il cibo giapponese, capire Battiato» come avrebbe elencato vent’anni dopo Morgan, altro discepolo del Maestro. Allora chi non era colto se ne beava e cantava quello che voleva solo per il gusto di farlo, senza dover dichiarare al mondo di aver capito Battiato.
Io comunque provai a cercare quella frase subliminale contenuta in La voce del padrone, convinto di trovarla incisa alla rovescia. Misi un dito sull’etichetta centrale color banana appassita della Emi e girai alla rovescia l’intero vinile, su tutt’e due i lati. Provate a farlo oggi con un mp3 senza usare alcun software, solo un dito. Non trovai niente e ne fui deluso. Ancora una volta non potevo competere con i fratelli maggiori, quelli che si raccontavano leggende di frasi diaboliche inserite nei long playing dei Beatles o di altri artisti che li avevano formati.
La rivincita avvenne parecchi anni dopo, quando mi accorsi di come quel disco avesse influito sul mio modo di scrivere più di qualsiasi altro libro. La mio tendenza al citazionismo frenetico, incontrollato spesso anche inutile dal quale ancora oggi non riesco a liberarmi nasce dall’eccessivo ascolto di Battiato nel 1981. Esattamente come la mia cancellazione dei sentimenti nasce dai suoni secchi, matematici e senza echi di un altro disco coevo, Tin Drum dei Japan.
Fabio Zuffanti è una ulteriore vittima della voce del padrone, disco verso il quale ha un debito infinito e sotterraneo. Adesso però Fabio ha deciso di risparmiare soldi che altrimenti avrebbe buttato via dall’analista, dichiarando apertamente il debito verso quella strana esperienza musicale che nel 1981 spazzò via dalle nostre orecchie i cascami dei cantautori politicizzati e quelli dei complessini romantici con voci da castrato barocco. Tutte espressioni che avevano avuto anche una loro dignità, ormai sfilacciate nel più trito manierismo, ma che Battiato, già passato attraverso le canzoni d’amore e la sperimentazione politica, riprendeva e rielaborava in canzoni dalla forma normale fatte di strofe e ritornelli. Il ritorno all’ordine: non c’è scandalo più grande.
La voce del padrone fu un reset mentale e musicale per molti. Come per tanti altri cagnolini incantati davanti alla tromba del grammofono da cui usciva la voce del padrone, anche per Fabio, allora troppo giovane e con la memoria non ancora intasata di note, fu un incontro folgorante al quale ritorna con rispetto e forse anche il timore di tradire il Maestro. Il timore viene presto superato e Fabio si lancia senza paracadute, in maniera talmente sfacciata da copiare persino la copertina del lavoro originale, con lo spesso bordo blu, il frammento di mappa celeste e quei triangoli colorati senza alcun significato che i grafici degli anni Ottanta mettevano dappertutto.
Dietro la copertina c’è la musica e qui l’omaggio è più sottile. Non sono cover, non è un tributo. È un’operazione più sottile, fatta di note sparse, di suoni di tastiere elettroniche che richiamano le estati su spiagge solitarie. Solo chi ha assorbito pienamente il disco originale potrà ritrovare in queste tracce di Zuffanti il Battiato del 1981. Che, come per i vini, fu un’annata particolare e irripetibile. Prima c’erano stati la sperimentazione e l’esoterismo, il pop imperfetto del cinghiale e dei patrioti. Dopo ci saranno bagni elettronici e ancora esoterismo e poi tutta la fase filosofica. La Voce del Padrone era l’equilibrio perfetto tra pop e sostanza. Credo che lo stesso Battiato ne sia pienamente consapevole, al punto che trent’anni dopo, di passaggio a Sanremo, accompagnò Luca Madonia autocitandosi, distribuendo in quel brano minimi ricordi di una estate su una spiaggia solitaria. La stessa dalla quale Fabio Zuffanti dà il via a questo suo disco-confessione.

Tommaso LabrancaA un certo punto mi convinsi che da qualche parte nelle tracce di quel disco doveva esserci un messaggio subliminale che invitava al suo acquisto e al suo ascolto costante. In tutte le case vedevo la copertina bianca e blu e chiunque, persino gli imbianchini (non sia un riferimento offensivo, Lui ci aveva già insegnato in un disco precedente che un imbianchino è meglio di Le Corbusier), persino loro cantavano «il senso del possesso che fu prealessandrino». Lo facevano catturati dal rincorrersi di esse che scivolavano via da sole in un verso che forse non voleva dire nulla, benché ancora oggi sui forum in Rete ragazzi nati anni molto dopo l’uscita nei negozi di La voce del padrone continuino a interrogarsi sul significato.
Trent’anni fa non ci si credeva tutti colti e l’elenco delle cose che potevano elevarti dalla massa era diverso da quello odierno, era composto da elementi più concreti e non dalle «vacanze, l’erba voglio, il cibo giapponese, capire Battiato» come avrebbe elencato vent’anni dopo Morgan, altro discepolo del Maestro. Allora chi non era colto se ne beava e cantava quello che voleva solo per il gusto di farlo, senza dover dichiarare al mondo di aver capito Battiato.
Io comunque provai a cercare quella frase subliminale contenuta in La voce del padrone, convinto di trovarla incisa alla rovescia. Misi un dito sull’etichetta centrale color banana appassita della Emi e girai alla rovescia l’intero vinile, su tutt’e due i lati. Provate a farlo oggi con un mp3 senza usare alcun software, solo un dito. Non trovai niente e ne fui deluso. Ancora una volta non potevo competere con i fratelli maggiori, quelli che si raccontavano leggende di frasi diaboliche inserite nei long playing dei Beatles o di altri artisti che li avevano formati.
La rivincita avvenne parecchi anni dopo, quando mi accorsi di come quel disco avesse influito sul mio modo di scrivere più di qualsiasi altro libro. La mio tendenza al citazionismo frenetico, incontrollato spesso anche inutile dal quale ancora oggi non riesco a liberarmi nasce dall’eccessivo ascolto di Battiato nel 1981. Esattamente come la mia cancellazione dei sentimenti nasce dai suoni secchi, matematici e senza echi di un altro disco coevo, Tin Drum dei Japan.
Fabio Zuffanti è una ulteriore vittima della voce del padrone, disco verso il quale ha un debito infinito e sotterraneo. Adesso però Fabio ha deciso di risparmiare soldi che altrimenti avrebbe buttato via dall’analista, dichiarando apertamente il debito verso quella strana esperienza musicale che nel 1981 spazzò via dalle nostre orecchie i cascami dei cantautori politicizzati e quelli dei complessini romantici con voci da castrato barocco. Tutte espressioni che avevano avuto anche una loro dignità, ormai sfilacciate nel più trito manierismo, ma che Battiato, già passato attraverso le canzoni d’amore e la sperimentazione politica, riprendeva e rielaborava in canzoni dalla forma normale fatte di strofe e ritornelli. Il ritorno all’ordine: non c’è scandalo più grande.
La voce del padrone fu un reset mentale e musicale per molti. Come per tanti altri cagnolini incantati davanti alla tromba del grammofono da cui usciva la voce del padrone, anche per Fabio, allora troppo giovane e con la memoria non ancora intasata di note, fu un incontro folgorante al quale ritorna con rispetto e forse anche il timore di tradire il Maestro. Il timore viene presto superato e Fabio si lancia senza paracadute, in maniera talmente sfacciata da copiare persino la copertina del lavoro originale, con lo spesso bordo blu, il frammento di mappa celeste e quei triangoli colorati senza alcun significato che i grafici degli anni Ottanta mettevano dappertutto.
Dietro la copertina c’è la musica e qui l’omaggio è più sottile. Non sono cover, non è un tributo. È un’operazione più sottile, fatta di note sparse, di suoni di tastiere elettroniche che richiamano le estati su spiagge solitarie. Solo chi ha assorbito pienamente il disco originale potrà ritrovare in queste tracce di Zuffanti il Battiato del 1981. Che, come per i vini, fu un’annata particolare e irripetibile. Prima c’erano stati la sperimentazione e l’esoterismo, il pop imperfetto del cinghiale e dei patrioti. Dopo ci saranno bagni elettronici e ancora esoterismo e poi tutta la fase filosofica. La Voce del Padrone era l’equilibrio perfetto tra pop e sostanza. Credo che lo stesso Battiato ne sia pienamente consapevole, al punto che trent’anni dopo, di passaggio a Sanremo, accompagnò Luca Madonia autocitandosi, distribuendo in quel brano minimi ricordi di una estate su una spiaggia solitaria. La stessa dalla quale Fabio Zuffanti dà il via a questo suo disco-confessione.

Tommaso Labranca

Piero Bittolo Bon : Sassofono Contralto & Baritono
Simone Massaron : Chitarra Elettrica & Baritono, Loops
Jamaaladeen Tacuma : Basso Elettrico
Federico Scettri : Batteria
Massimiliano Sorrentini : Batteria

PIERO BITTOLO BON è uno degli astri nascenti più acclamati del jazz italiano. Musicista in gran parte autodidatta, suona principalmente il sax alto, ma è anche a suo agio su baritono e contralto, clarinetto basso e flauto. Appassionata e vibrante, la sua musica risuona di echi del migliore free jazz e della “fire music”, con improvvisazioni torride, un attacco tagliente e forte e continue invenzioni misura dopo misura.

Membro del collettivo El Gallo Rojo, ha collaborato con alcuni dei migliori e più creativi musicisti italiani (Danilo Gallo, Zeno de Rossi, Beppe Scardino, Enrico Terragnoli, Stefano Senni, Francesco Bigoni, Tiziana Ghiglioni, Tiziano Tononi, Daniele Cavallanti, Francesco Cusa, Domenico Caliri, Giovanni Maier, UT Gandhi, Simone Massaron, Silvia Bolognesi tra gli altri) e con star d’oltreoceano come Anthony Braxton, Uri Caine, John Tchicai, Jamaaladeen Tacuma, Jessica Lurie, Vincent Davis e Ernest Dawkins; ed è anche presente nella scena avant jazz berlinese, suonando spesso in città con musicisti come Gerhard Gschloessl, Christian Lillinger, Tristan Honsinger e molti altri.
Piero ha inoltre una relazione di lunga data con il basso elettrico, che ha suonato all’inizio del suo percorso musicale in band funk, reggae e rock, prima di dedicarsi completamente alla musica improvvisata.
Con queste premesse è sembrato naturale che prima o poi le sue passioni si sarebbero unite: “Mucho Acustica” è una session potente e totalmente improvvisata dalla nuova band di Piero: “The Original Pigneto Stompers”, con doppia batteria, chitarra elettrica, e speciale guest al basso elettrico Jamaaladeen Tacuma. 

Tacuma, definito dal grande Marc Ribot un “uragano funk”, ha un passato glorioso nella band di Ornette Coleman Prime Time, dove ha contribuito alla musica di album leggendari come Body Meta o Dancing in Your Head. Con la sua miscela di possente funk e jazz infusi in inventivi groove di basso, ha preso parte nel corso degli anni a molti altri progetti musicali di vari generi, non solo quelli citati.

Il resto della band è completata dal chitarrista Simone Massaron e dai batteristi Federico Scettri e Max Sorrentini, musicisti ancora giovani ma già con molta esperienza in prima linea nella migliore scena jazz ed avant italiana.

”Mucho Acustica” è sicuramente intriso di forti sapori e tendenze musicali. Il feeling tra i musicisti è stata immediato, e l’energia è stata palpabile fin dalle prime tracce che sono state registrate.

C’è un feeling dominante, risultato del mix di due fattori. Da una parte Piero col suo suono orgoglioso, fiero, scuro e tagliente, sempre al massimo delle sue possibilità espressive e in costante esplorazione di nuovi territori armonici e sonori. Poi ci sono i fragorosi groove ipnotici di Tacuma. Questi elementi gettato le basi per jam nello stile del migliore Miles Davis elettrico, ma con un abbandono più tipico del free jazz, con un interplay tra la doppia batteria e il basso e la chitarra che spesso porta ritmicamente anche in territori più tipicamente africaneggianti, un afro-beat pulsante e insistente che fa capolino continuamente.
Ciò che domina in generale è una sorta di “Black Music” totale, in alcuni dei suoi elementi più viscerale ed espressivi, in un incontro continuo tra blues e funk . Ma ci sono anche momenti più astratti, con delicati dialoghi strumentali, che poi improvvisamente si muovono verso esplorazioni ritmiche su lunghi pedali, arcigni ed insistenti.
. 
È inoltre possibile godere della finezza e bravura di Max e Federico nel mescolare tra loro le comuni radici jazz e rock, e la loro destrezza e competenza nel mantenere sempre un beat a due fisico ma ricercato, preciso, fragoroso, e la chitarra di Simone, con i suoi infiniti passaggi armonici e solisti e l’uso intelligente degli effetti,con svolte ed invenzioni che spesso riesce a imprimere alla musica del gruppo.
“La musica è un linguaggio universale”, afferma J. Tacuma soddisfatto di questa session a base di “conversazioni” con musicisti di un altro paese, come dargli torto?Piero Bittolo Bon : Alto & Baritone Saxophone
Simone Massaron : Electric & Baritone Guitars, Loops
Jamaaladeen Tacuma : Electric Bass
Federico Scettri : Drums
Massimiliano Sorrentini : Drums

Piero Bittolo Bon is one of Italian Jazz’s youngest and most acclaimed rising stars. A mostly self-taught player, he mainly plays alto but is also at ease on baritone, bass clarinet, contralto, clarinet and flute. Passionate and vibrant, his music reverberates with echoes of the best of free jazz, “fire music”, torrid improvisations, sharp attacks and continuous inventions bar after bar.
Member of El Gallo Rojo collective, he collaborated with some of the best italian creative musicians  (Danilo Gallo, Zeno de Rossi, Beppe Scardino, Enrico Terragnoli, Stefano Senni, Francesco Bigoni, Tiziana Ghiglioni, Tiziano Tononi, Daniele Cavallanti, Francesco Cusa,  Domenico Caliri,  Giovanni Maier, U.T. Gandhi, Simone Massaron, Silvia Bolognesi  among others) and with overseas stars like Anthony Braxton, Uri Caine, John Tchicai, Jamaaladeen Tacuma, Jessica Lurie, Vincent Davis and Ernest Dawkins, and he also is in the berlinese avant-garde jazz scene, often playing in the city with musicians like Gerhard Gschloessl, Christian Lillinger, Tristan Honsinger and many others.
Piero has always had a long-standing affair going on with the electric bass, which he played at the beginning of his musical journey in funk, reggae, and rock bands, before totally committing himself to improvised music.
Given these premises, it seemed natural that sooner or later he would somehow connect his various passions on his new project, “Mucho Acustica” a totally improvised and powerful session by Piero’s new band “The Original Pigneto Stompers”, with double drums, electric guitars and special guest electric bass giant Jamaaladeen Tacuma.
Tacuma, defined by guitar ace Marc Ribot as a “funk hurricane”, has a glorious past in Ornette Coleman’s Prime Time band, where he contributed to the music of legendary albums as Body Meta or Dancing in your Head. With his heavy recipe of funk and groove oriented bass lines and free music, he has taken part over the years in many other musical projects, not just jazz and funk.
The rest of the band is completed by guitar player Simone Massaron, and drummers Federico Scettri and Max Sorrentini, young but experienced musicians on the forefront of the best Italian jazz and avant-guard scenes.
“Mucho Acustica” is definitely filled with many moods and strong musical statements. The good feeling among the musicians was immediate and the energy was running from the very first takes.
There’s a dominating vibe, which is a mix two sources. First there’s Piero his sounds are proud and fierce, dark and austere, always serching even physically for his limits and the way to go beyond them. Then there are the thunderous hypnotic electric grooves of Tacuma. These sounds set the base for some layers of “Electric Miles” oriented jams, but with an overall self-abandon more typical of free jazz, with a double drum and guitar interplay that often even moves rhythmically into Afro territories, heavy and light at the same time. What dominates is “Black Music” and some of its more visceral elements and expressions, with furious electric rides and blues and funk meetings. But there are also abstract moments of delicate instrumental dialogues, that suddenly move into rhythmic explorations and long trancey pedals, dry and raucous.
You can also enjoy Max and Federico’s respective finesse in mixing their jazz and rock improvisational roots and skills, and their dexterity in avoiding clichés and keeping the beat precise and fresh, and Simone’s endless tone and harmonic ability in delivering mind blowing solos and various unexpected turning points over many tracks.
“Music is a universal language” says J.Tacuma about this pleasant session, and on his “conversations” with these players from another country he’s absolutely right!

Il pianista Nicola Cipani ha ricevuto fra le proposte Long Song un consenso particolarmente entusiastico. Il suo debutto, The Ill-tempered piano, è stato accolto come “insolito e meraviglioso” (Signal to noise), “intelligente e giocoso”, raccogliendo giudizi positivi per l’ “impressionante ventaglio di tecniche” (The Wire), le “soluzioni ritmico-melodiche prodigiose” (Musica Jazz), il “percorso sonoro estremo e coerente” (AAJ Italia), e conseguendo una menzione d’onore quale migliore novità discografica 2008 da All About Jazz New York. Nel suo secondo CD Cipani non fa più ricorso a strumenti rotti — stavolta il pianoforte è integro e accordato — ma il risultato è ancora una volta sorprendentemente atipico. Questi ‘massaggi’ sulle corde del piano rivelano strati di sonorità nuove, producendo un paesaggio teso ed emozionante di armonici, bordoni, risonanze simpatiche. Cipani riesce ad organizzare tali potenzialità magmatiche in trame coerenti e la sua musica sembra sospinta da una riflessione lucida sui suoni che via via si vanno discoprendo.Pianist Nicola Cipani is one of Long Song’s most acclaimed discoveries. His debut The ill-tempered piano was saluted as “achingly gorgeous, unusual and wonderful” (Signal to noise), “endlessly clever and playful” (DMG), earning praise for the “impressive range of techniques” (The Wire) and “unbounded imagination” (AllAboutJazz), along with an honorable mention for best release of 2008 (AllAboutJazz New York). Cipani’s second solo CD no longer resorts to broken instruments — the piano is now healthy and tuned — but the result is still surprisingly uncharacteristic. These piano-string ‘massages’ unearth layers of new sounds, producing a thrilling landscape of drones, overtones, sympathetic resonances.  Cipani manages to organize such magmatic potential into meaningful textures and music evolves as propelled by a reflection on sound itself.

Semplicemente la dichiarazione più intima e definitiva da parte di uno dei contrabbassisti basso intorno.

Giovanni Maier (contrabbasso)
Emanuele Parrini (Violino e Viola)
Luca Calabrese (Tromba & Flicorno)
Scott Amendola (Batteria)

Giovanni Maier is an architect. No, not the traditional brick and mortar sense but a true architect of sound. With his latest CD “The talking bass” he is building musical bridges all over the map. The quartet he has assembled for the recording doesn’t just glow, they shine! Crossing and blurring the boundaries of music are what these guys do best and together they seem unstoppable.

There is a deep beauty and rawness in the sound of Giovanni’s compositions.

The bass gives us the illusion of being all places at once. Giovanni designs these musical structures but also puts the hammer to the nail himself, lays it down like a Ferrari on the autobahn and always has time to take us on a road untraveled.

The quartet including Emanuele Parrini on violin and viola, Luca Calabrese on trumpet and flugelhorn and Scott Amendola on drums plays out a ghostly game of cat and mouse that Giovanni lets unfold before out very ears.

The group constructs things that are not just ahead of the times, but seem to  encompass all times. The ensemble allows us to become dreamers side by side with them. We get to wander hand and hand with these musical Griots and feel Giovanni’s bass not only talk, but sing.

-Craig Green

Simply the most personal and ultimate statement from one the best bass players around.

Giovanni Maier (Double Bass)
Emanuele Parrini (Violin & Viola)
Luca Calabrese (Trumpet & Flugelhorn)
Scott Amendola (Drums)

Giovanni Maier is an architect. No, not the traditional brick and mortar sense but a true architect of sound. With his latest CD “The talking bass” he is building musical bridges all over the map. The quartet he has assembled for the recording doesn’t just glow, they shine! Crossing and blurring the boundaries of music are what these guys do best and together they seem unstoppable.

There is a deep beauty and rawness in the sound of Giovanni’s compositions.

The bass gives us the illusion of being all places at once. Giovanni designs these musical structures but also puts the hammer to the nail himself, lays it down like a Ferrari on the autobahn and always has time to take us on a road untraveled.

The quartet including Emanuele Parrini on violin and viola, Luca Calabrese on trumpet and flugelhorn and Scott Amendola on drums plays out a ghostly game of cat and mouse that Giovanni lets unfold before out very ears.

The group constructs things that are not just ahead of the times, but seem to  encompass all times. The ensemble allows us to become dreamers side by side with them. We get to wander hand and hand with these musical Griots and feel Giovanni’s bass not only talk, but sing.

-Craig Green

E vi prego di prendere nota: tutti i brani sono “prime take”, questa musica è fresca e vitale come non mai.

A lifting wind revealing how sparkling is the relationship between two musicians that share intentions, derivations, approaches whole perspective dialogic moves.

Una brezza si leva, rivelando come è frizzante la relazione tra questi due musicisti, che condividono intenzioni, derivazioni e l’approccio all’intera prospettiva dialogica.

Entrambi vedono il suono come una materia plasmabile, con un’attitudine plastica.

L’obiettivo è (di nuovo) quello di effettuare percorsi in aree di conoscenza, una meditazione lirica e contemporanea.

La genealogia dell’albero sonoro: radici eterne, foglie cangianti.

Uno degli epiteti di Atena è “dagli occhi grigi”.

Il suo dono ai greci è stato l’olivo.

Il lato inferiore della foglia di olivo è grigio, e quando il vento solleva le foglie, mostra i tanti “occhi” di Atena.

Grandi composizioni contemporanee estemporanee da parte di un interessante duo contraddistinto dall’elegante e intenso suono di pianoforte di Gianni Lenoci e il malleabile suono di soprano del sassofonista Gianni Mimmo. Una registrazione memorabile, orgogliosamente co-prodotta insieme a Amirani Records.

Credits

• gianni lenoci _ piano
• gianni mimmo _ soprano saxophone
• music _ Gianni Lenoci & Gianni Mimmo
• recording _ May ’09, Itaca recording studios, Bari, Italy
• sound engineer _ Mirko Patella
• mixing _ Gianni Lenoci and Mirko Patella
• mastering _ Maurizio Giannotti, New mastering studio, Milano, Italy
• photos _ Elda Papa
• graphics _ Nicola Guazzaloca
• production _ Gianni Mimmo for Amirani Records & Fabrizio Perissinotto for LongSong Records and the support of John “sugar-daddy” Rottiers

A lifting wind revealing how sparkling is the relationship between two musicians that share intentions, derivations, approaches whole perspective dialogic moves.

They both look at the sound as a morphing matter, with a plastic sculpting attitude.

The goal is (again) to make distances possible knowledge areas, a contemporary, lyric meditation.

The sound tree genealogy: eternal roots, changing leaves

One of Athena’s epithets is “Grey-eyed”.

Her gift to the Greeks was the useful olive tree.

The underside of the olive tree’s leaf is grey, and when the wind lifts the leaves, it shows Athena’s many “eyes”.

Great contemporary istant compositions from a challenging duo signed by the elegant and intense touch on piano by Gianni Lenoci and the morphing sound statement of the soprano saxophone of Gianni Mimmo. A memorable recording proudly co-produced with Amirani Records.

Credits

• gianni lenoci _ piano
• gianni mimmo _ soprano saxophone
• music _ Gianni Lenoci & Gianni Mimmo
• recording _ May ’09, Itaca recording studios, Bari, Italy
• sound engineer _ Mirko Patella
• mixing _ Gianni Lenoci and Mirko Patella
• mastering _ Maurizio Giannotti, New mastering studio, Milano, Italy
• photos _ Elda Papa
• graphics _ Nicola Guazzaloca
• production _ Gianni Mimmo for Amirani Records & Fabrizio Perissinotto for LongSong Records and the support of John “sugar-daddy” Rottiers

Ad un solo anno dal precedente album la coppia di naufraghi Xabier Iriondo/Roberto Bertacchini è già in pista con una nuova collezione di brani dalla freschissima creatività. Il duo in questa terza prova discografica si allontana ulteriormente dall’ avant-rock sperimentale del miniCD d’esordio pompando la vena del blues primitivo ed impacchettandolo in undici tracce a forma di (sorpresa!) canzone.

Infatti “KC” è un album fatto di canzoni perché Iriondo svolge prima di tutto di chitarrista con tanto di riff e distorsioni, e Bertacchini raddrizza lievemente il ritmo del suo inconfondibile drumming lasciando che sia la voce ad essere l’elemento aritmico e ubriaco del loro suono. A suggellare la magnifica prova “canterina” dell’ ex-Starfuckers/Sinistri ci sono i suoi testi visionari e grotteschi.Only one year has passed since the previous album, and the two survivors Xabier Iriondo / Roberto Bertacchini are already ready with a new collection of songs, thanks to their fresh creativity. The duo in this third album moves away from the ‘avant-rock experimental miniCD debut, pumping the vein of early blues and bundle it into eleven tracks in the form of song.

“KC” is an album consisting of songs, because Iriondo first acts as a guitarist with a lot of riffs and distortion, and Bertacchini straighten a bit the rhythm of his drumming letting the voice to be the element of their a-rhythmic and drunk sound. To seal the magnificent proof there are his lyrics, visionaries and grotesque.

The subject of today’s lesson is…….. Porno Jazz!!!!!!!!!

These are the first words spoken from our esteemed professor Whiskey San Martino announcing the topic of the day’s lecture, and what a subject it it! Its roots lie in the world’s oldest profession as well as the day to day thoughts and fantasies of most of us. O.K. let’s get just say it and get it out of the way. We all know what the course work is and believe me, everyone of us all wants to pass with flying colors. SEX baby and I want a PHD!

The Foot Job Band is a tough one to pin down, hard to label, and not easily put in box. You can’t tie up with a pretty red bow to be given as a present, even though producer/director Esmerelda Ronchi would love to receive such a risque gift! The ensemble, a true sextet in all senses of the word, take the listener through 14 tracks of lusty improvisation, deep composition and sensual spoken word.

Some of the highlights: The drama kicks off on the the fiery 70’s tinged “Arpeggi” with Tigro Moro and Ruby Gramsi laying it all down like wild beasts in heat allowing Whiskey San Martino to soar over the top instantly showing the listener that these guys aren’t looking for a one night stand. They are in it for keeps and you better hold on. On the seminal spoken word piece “Mr. Foot Job- Sweet Water Part 1”, the group uses their command of the floor to confess a lifelong obsession or should we say fetish, about a very underrated or even overlooked part of the human body. The tender voice of Mr. Foot Job, who acts as a sort of telepathic interpreter for the desires of Tigro Moro, goes into great detail of their shared lifelong passion and quest for the perfect foot. With “Soft Transitions” Aramis Bitonto takes on the role of the exotic Eastern concubine, adding faraway drones and colors into a soup of sound that make the other players come to a frenzied dervish like boil at the climax. Th Ménage à Trois” of Moro, Foot Job and Turtle Milazzo on ‘Skins Touched” hits us with the force of a runaway locomotive. Milazzo digs deep, spreads his wings and soars like a banshee on fire! On the latin tinged “ La Puta Del Barrio” our guys show us that they are not all rough and tumble and are very capable of a little romance when they want to.

So, we come to our final exam question to end our course work…. What on earth could posses this cast of known musicians and composers to take on such a project of this scope, complexity and (excuse the innuendo), size? Why should they want to put so much effort into producing and releasing a record anonymously? Sure, it would be easy to pawn it off on the subject matter, and stay hidden out of the sights of the inevitable criticism. The nature of these renegades has always been to push the boundaries, break the rules, and reinvent themselves like lovers at Carnival. The face is hidden, but the voice, music and passion are instantly recognized. Now, let’s be perfectly clear here, this is a real band baby, no one night stand! So, you better hide the women and children, separate the men from the boys, and turn this puppy up to 11 because there is nothing else like it. You haven’t had it in a while and you know you want it!

Here comes Porno Jazz!!!!!!!!!The subject of today’s lesson is…….. Porno Jazz!!!!!!!!!

These are the first words spoken from our esteemed professor Whiskey San Martino announcing the topic of the day’s lecture, and what a subject it it! Its roots lie in the world’s oldest profession as well as the day to day thoughts and fantasies of most of us. O.K. let’s get just say it and get it out of the way. We all know what the course work is and believe me, everyone of us all wants to pass with flying colors. SEX baby and I want a PHD!

The Foot Job Band is a tough one to pin down, hard to label, and not easily put in box. You can’t tie up with a pretty red bow to be given as a present, even though producer/director Esmerelda Ronchi would love to receive such a risque gift! The ensemble, a true sextet in all senses of the word, take the listener through 14 tracks of lusty improvisation, deep composition and sensual spoken word.

Some of the highlights: The drama kicks off on the the fiery 70’s tinged “Arpeggi” with Tigro Moro and Ruby Gramsi laying it all down like wild beasts in heat allowing Whiskey San Martino to soar over the top instantly showing the listener that these guys aren’t looking for a one night stand. They are in it for keeps and you better hold on. On the seminal spoken word piece “Mr. Foot Job- Sweet Water Part 1”, the group uses their command of the floor to confess a lifelong obsession or should we say fetish, about a very underrated or even overlooked part of the human body. The tender voice of Mr. Foot Job, who acts as a sort of telepathic interpreter for the desires of Tigro Moro, goes into great detail of their shared lifelong passion and quest for the perfect foot. With “Soft Transitions” Aramis Bitonto takes on the role of the exotic Eastern concubine, adding faraway drones and colors into a soup of sound that make the other players come to a frenzied dervish like boil at the climax. Th Ménage à Trois” of Moro, Foot Job and Turtle Milazzo on ‘Skins Touched” hits us with the force of a runaway locomotive. Milazzo digs deep, spreads his wings and soars like a banshee on fire! On the latin tinged “ La Puta Del Barrio” our guys show us that they are not all rough and tumble and are very capable of a little romance when they want to.

So, we come to our final exam question to end our course work…. What on earth could posses this cast of known musicians and composers to take on such a project of this scope, complexity and (excuse the innuendo), size? Why should they want to put so much effort into producing and releasing a record anonymously? Sure, it would be easy to pawn it off on the subject matter, and stay hidden out of the sights of the inevitable criticism. The nature of these renegades has always been to push the boundaries, break the rules, and reinvent themselves like lovers at Carnival. The face is hidden, but the voice, music and passion are instantly recognized. Now, let’s be perfectly clear here, this is a real band baby, no one night stand! So, you better hide the women and children, separate the men from the boys, and turn this puppy up to 11 because there is nothing else like it. You haven’t had it in a while and you know you want it!

Here comes Porno Jazz!!!!!!!!!

This is a special punk avant heavy impro crazy extravaganza, mostly improvised music. Obviously Super Long Song music, to be played very loud. That’s all.This is a special punk avant heavy impro crazy extravaganza, mostly improvised music. Obviously Super Long Song music, to be played very loud. That’s all.

Un esordio fragoroso.
Un disco maturo, potente e lucidissimo nelle sue intenzioni.
Un trio di giovani e già esperti musicisti con una visione precisa e articolata di come miscelare jazz e rock con forza e carattere, in un disco puramente strumentale.
La coerenza e la profondità delle composizioni si amalgamano con sviluppi melodici ed esplorazioni dove le idee abbondano, dove le variazioni sono sempre sorprendenti, senza per questo suonare troppo ricercate o in odore di virtuosismo.
Carlo, Luca e Antonio usano tutti gli strumenti a loro disposizione (elettronica compresa) con freschezza, perizia e curiosità, giocando con le ricerche timbriche e le sperimentazioni e non perdendosi mai per strada, risultando sempre diretti, precisi e soprattutto carichi di un grande feeling.
“jazz with the megaphone?” unisce l’ebbrezza tipica del jazz trio (quello senza strumento armonico, funambolico e pulsante) al dirompente attacco delle grandi formazioni rock, sopperendo alla mancanza di una “voce” con tute le loro articolate “voci”.
A tutto questo si aggiunga una ricerca nei suoni ed un utilizzo dello studio di registrazione come “strumento aggiunto” (questo anche tipico del miglior rock), che fa sì che tutti i brani risultino singolarmente personalizzati e arricchiti, andando ben oltre la filosofia orgogliosa, ma in qualche modo limitante, del “disco jazz inciso in diretta in un giorno”.
La musica quindi si presta a molteplici ascolti, ogni volta rivelando dettagli e sfumature nuove, ogni volta esaltando.
Non vorremmo qui perderci nell’elenco solito delle influenze, che sono certo tante e di varie provenienze (free jazz? Jazzcore? Punk? Avant Rock?Etno? chi più ne ha più ne metta..).
Ci piace solo pensare che i Tongs abbiano prodotto con questo disco un lavoro bruscamente vitale, bello, emozionante, fisico e cerebrale insieme, già con un’identità assai marcata, che possa piacere ai rockettari più evoluti come ai jazzofili meno puristi.
Un disco soprattutto di livello internazionale, che non sfigura di fronte a nessuno e che pone le basi per un futuro scintillante.
“Jazz with the Megaphone” ha infatti ricevuto lodi e parole di stima da alcuni dei migliori musicisti e personalità della musica jazz e avant tra cui: John Zorn, Chris Cutler, Massimo Pupillo (ZU), Gino Robair, Xabier Iriondo, Gianni Mimmo
I Tongs inoltre privilegiano moltissimo l’aspetto dell’esecuzione live, dove la loro creatività musicale (e anche scenica) si libera  e cattura e stupisce il loro pubblico.
In definitiva un “trio d’assalto”, come amano definirsi.

Carlo Garof: drums & percussion, objects, sinori (thunder sheet),
megaphone, live electronics
Antonio Bertoni: double bass, electric bass, effects, sampler
Luca Serrapiglio: baritone sax, tenor sax, bass clarinet, lo-fi electronicsThrough an explosive debut album, a trio composed of young men, already expert musicians, set the tone for a mature record, powerful and clear in its intentions, with a precise and articulated vision of how to mix jazz and rock with strength and character in an instrumental work.

The coherence and the depth of the compositions come together with melodic developments and explorations overflowing with ideas and variations which are stunning without becoming over-thought or pretentious.

Carlo, Luca and Antonio approach all of the instruments available to them, including electronic, with a freshness, skill and curiosity. They pursue tonal developments and experimentations while never losing their way, always resulting in a direct and precise objective that is above all, full of feeling.

“Jazz with the megaphone?” brings together the exhilaration of a typical jazz trio (without harmonic, acrobatic and throbbing instruments) and a disruptive attack of tried-and-true rock formations, compensating for the lack of a “voice” with all of their articulated “voices”.

Here it must be discussed the importance of the recording studio as an “added instrument”, also found in the best rock music, which is manipulated as such that all of the songs are executed in a rich, personalized style that transcends a more limited live, one-day recording.

The music lends itself to multiple listening sessions, each time revealing more details and nuances to thrill the listener.

It would be a shame to loose ourselves here in a list of musical influences, which are numerous and varied (free jazz? Jazzcore? Punk? Avant Rock? Etno? and so forth). We like to think that the Tongs have produced an album that is brusque, vital, beautiful, emotional, appeals to mind and body, with a marked identity that both evolved lovers of rock and non-purist jazzphiles can like.

“Jazz with the Megaphone” has in fact all ready received praise from some of the best musicians and personalities in the world of jazz such as: John Zorn, Chris Cutler, Massimo Pupillo (ZU), Gino Robair, Xabier Iriondo, and Gianni Mimmo.

The Tongs much prefer playing live, where their musical and theatrical creativity is liberated, giving them a chance to astonish their audience as an “assault trio”, as they like to call themselves.

VIGNES, disco dal vivo inedito dell’Acoustic Guitar Trio, presto disponibile.
L’Acoustic Guitar Trio è stato uno splendido trio dedito all’improvvisazione tramite chitarre acustiche, come il nome facilmente suggerisce. Era formato da Nels Cline, Jim McAuley e dallo scomparso Rod Poole, tutti eccellenti musicisti.
Rod Poole, un chitarrista poco citato e purtroppo ancora sconosciuto, è morto improvvisamente l’anno scorso in circostanze tragiche.
Nels Cline ha detto di Rod: “era un artista vero, probabilmente un genio. Aveva capacità incredibili come amante della musica e come musicista autodidatta e visionario”.

Nels Cline e Jim McAuley vogliono che questo album sia un tributo a Rod e alla fantastica musica che hanno prodotto insieme.
Jim McAuley a proposito di “Vignes”: “drones, arpeggi scintillanti e chitarre preparete e rumorose. Penso sia il nostro lavoro migliore”.
L’unico lavoro finora disponibile dell’AG3 è il debutto auto intitolato, lodato dalla critica, uscito nel 2002 per l’etichetta inglese Incus.

VIGNES, unreleased live album by the Acoustic Guitar Trio.
The Acoustic Guitar Trio was a beautiful improvising trio. They were guitar masters Nels Cline, Jim McAuley and the late Rod Poole.
Rod Poole, an unsung and sadly quite unknown guitar player suddenly died last year under tragic circumstances.
Nels Cline said about Rod: “He was a true artist, probably a genius. He had an amazing capacity as both music fan and autodidact musician visionary”.

Nels and Jim Mc Auley want this live album to be a tribute to Rod and the fantastic music they played together.
Jim McAuley says of “Vignes”: “surging drones, sparkling arpeggios and noisy prepared guitars. I feel it’s our best work”.
The only recorded work by the AG3 so far is the self-titled and critically acclaimed cd released by the English label Incus in 2002.
More news and details about the artists involved coming soon.