Daniele Cavallanti e Tiziano Tononi sono fedeli ad un’idea di musica che prende le mosse dai protagonisti della rivoluzione del free jazz, procedendo in avanti con i movimenti e i personaggi che hanno operato in continuità con quello stile, in particolare i rappresentanti della scuola di Chicago, senza dimenticare di stabilire un allacciamento consistente con il suono primitivo della madre Africa, lato sud in specie.
No time left è un disco inciso a Brooklyn nel 2015 e i due Nexus hanno fatto le cose davvero in grande, arruolando tre formidabili strumentisti, perfetti per condividere e arricchire questo tipo di progetto.
Joe Fonda, già membro di orchestre di Anthony Braxton, oltre che contitolare di una formazione con Michael Jefry Stevens, è al contrabbasso.
Steve Swell, al trombone, è uno degli specialisti più richiesti sul suo strumento e vanta collaborazioni prestigiose con tanti nomi che contano, da William Parker a Ken Vandermark.
Herb Robertson ha già registrato altri album dei due italiani ed è noto, principalmente, per aver fatto parte di uno dei primi gruppi di Tim Berne.
Insomma, il forte quintetto messo in piedi in America ha tutte le carte in regola ed è orientato nella direzione indicata, quella di un jazz selvatico, ruvido e cartavetrato. La nota “bella”, pulita, il passaggio liscio, levigato sono, infatti, banditi dall’idioma dei cinque “Brooklyn Express”. La front line, così, dialoga e si contrasta all’interno di un discorso polifonico, dove gli ottoni sputano fuoco e barriscono, coadiuvati dalle sordine. Il sassofono di Cavallanti, invece, parte seguendo il percorso dei binari, per deragliare, secondo necessità, articolando un fraseggio sporco ed eterodosso.
Il contrabbasso di Joe Fonda, poi, accompagna la band fornendo impulso e vigore. La batteria di Tononi riempie tutti gli spazi disponibili con un drummin’ poderoso e invadente, funzionale, però, al sound complessivo del quintetto.
Diversi pezzi sono omaggi ai santoni dell’avanguardia degli anni sessanta, settanta e oltre, da Bill Dixon a Ornette Coleman, dal sudafricano Harry Miller al pellerossa Jim Pepper, da Andrew Cyrille all’intruso, in tanto consesso “di colore”, Gil Evans (di pelle bianca). Si ha la sensazione, però, che le dediche siano servite semplicemente come spunto, come richiamo da seguire, accanto ad accordi minimi ed essenziali per far nascere e progredire lunghe improvvisazioni colettive. Di preordinato, di programmato in anticipo c’è veramente poco. Quasi tutto è frutto della capacità di composizione istantanea da parte dei cinque musicisti coinvolti nell’incisione.
Con questo disco Tononi e Cavallanti compiono un altro passo in avanti nella proposta di un jazz arcigno, a suo modo rigoroso, che non cerca il facile consenso, ma sa parlare ad un pubblico disponibile a lasciarsi trasportare da un flusso sonoro inarrestabile, con la sorgente nel passato, più o meno recente e lo sbocco nell’attualità o nel futuro.Daniele Cavallanti e Tiziano Tononi sono fedeli ad un’idea di musica che prende le mosse dai protagonisti della rivoluzione del free jazz, procedendo in avanti con i movimenti e i personaggi che hanno operato in continuità con quello stile, in particolare i rappresentanti della scuola di Chicago, senza dimenticare di stabilire un allacciamento consistente con il suono primitivo della madre Africa, lato sud in specie.
No time left è un disco inciso a Brooklyn nel 2015 e i due Nexus hanno fatto le cose davvero in grande, arruolando tre formidabili strumentisti, perfetti per condividere e arricchire questo tipo di progetto.
Joe Fonda, già membro di orchestre di Anthony Braxton, oltre che contitolare di una formazione con Michael Jefry Stevens, è al contrabbasso.
Steve Swell, al trombone, è uno degli specialisti più richiesti sul suo strumento e vanta collaborazioni prestigiose con tanti nomi che contano, da William Parker a Ken Vandermark.
Herb Robertson ha già registrato altri album dei due italiani ed è noto, principalmente, per aver fatto parte di uno dei primi gruppi di Tim Berne.
Insomma, il forte quintetto messo in piedi in America ha tutte le carte in regola ed è orientato nella direzione indicata, quella di un jazz selvatico, ruvido e cartavetrato. La nota “bella”, pulita, il passaggio liscio, levigato sono, infatti, banditi dall’idioma dei cinque “Brooklyn Express”. La front line, così, dialoga e si contrasta all’interno di un discorso polifonico, dove gli ottoni sputano fuoco e barriscono, coadiuvati dalle sordine. Il sassofono di Cavallanti, invece, parte seguendo il percorso dei binari, per deragliare, secondo necessità, articolando un fraseggio sporco ed eterodosso.
Il contrabbasso di Joe Fonda, poi, accompagna la band fornendo impulso e vigore. La batteria di Tononi riempie tutti gli spazi disponibili con un drummin’ poderoso e invadente, funzionale, però, al sound complessivo del quintetto.
Diversi pezzi sono omaggi ai santoni dell’avanguardia degli anni sessanta, settanta e oltre, da Bill Dixon a Ornette Coleman, dal sudafricano Harry Miller al pellerossa Jim Pepper, da Andrew Cyrille all’intruso, in tanto consesso “di colore”, Gil Evans (di pelle bianca). Si ha la sensazione, però, che le dediche siano servite semplicemente come spunto, come richiamo da seguire, accanto ad accordi minimi ed essenziali per far nascere e progredire lunghe improvvisazioni colettive. Di preordinato, di programmato in anticipo c’è veramente poco. Quasi tutto è frutto della capacità di composizione istantanea da parte dei cinque musicisti coinvolti nell’incisione.
Con questo disco Tononi e Cavallanti compiono un altro passo in avanti nella proposta di un jazz arcigno, a suo modo rigoroso, che non cerca il facile consenso, ma sa parlare ad un pubblico disponibile a lasciarsi trasportare da un flusso sonoro inarrestabile, con la sorgente nel passato, più o meno recente e lo sbocco nell’attualità o nel futuro.

A proposito di Paul Bley (che con la sua scomparsa ai primi di gennaio ha aperto l’anno horribilis delle morti di musicisti celebri), è dedicata a lui anche la lunga suite che costituisce l’asse portante del disco “Duet” (Long Song Records) della pianista giapponese Satoko Fujii insieme al contrabbassista americano Joe Fonda (al flauto in un bel frangente del pezzo).
Siamo qui nell’ambito dell’improvvisazione più avventurosa, ambito nel quale entrambi i musicisti – cui si aggiunge nel secondo, più breve, pezzo, la tromba di Natsuki Tamura – eccellono, creando in tempo reale una narrazione di rara evocatività, cui abbandonarsi completamente. Splendido disco.

https://youtu.be/AXpA4K5Hf8EA proposito di Paul Bley (che con la sua scomparsa ai primi di gennaio ha aperto l’anno horribilis delle morti di musicisti celebri), è dedicata a lui anche la lunga suite che costituisce l’asse portante del disco “Duet” (Long Song Records) della pianista giapponese Satoko Fujii insieme al contrabbassista americano Joe Fonda (al flauto in un bel frangente del pezzo).
Siamo qui nell’ambito dell’improvvisazione più avventurosa, ambito nel quale entrambi i musicisti – cui si aggiunge nel secondo, più breve, pezzo, la tromba di Natsuki Tamura – eccellono, creando in tempo reale una narrazione di rara evocatività, cui abbandonarsi completamente. Splendido disco.

https://youtu.be/AXpA4K5Hf8E

Musicians are a diverse, changing and unstable community. Take for example this record that sees the duo composed by late lamented guitarrist Garrison Fewell and Italian saxophonist Gianni Mimmo playing togheter. Garrison Fewell was gone July 5, 2015, exactly one summer ago. Fewell was an expert guide, an outstanding soloist, a teacher, an author and an extraordinary talent. And, of course, the best way to know him is through his music. This meeting with Gianni Mimmo comes from an email exchange between the two artists, an Italian meeting that the Italian indipendent label Long Song Records documented with this nine titles’ cd, with the addition of a ghost track.
There are some musicians who like to fight with their instrument: for them instrument is a limit, a boundary beyond which it’s right and necessary to go beyond the usual concepts related to it. One way can be to playing their instrument in a completely different way, by playing it as a “no instrument”, using it like a sound generator, often with noise as a limit. Another way, more complex is to play it, adopting an unconventional technique but remaining within some already defined musical genres, the third, much more complex, in my personal opinion, is to adopt a traditional technique but inventing phrases completely different. Playing it in a not ideomatic way.
The result is an iconic record, where the two musicians abundantly exceed their limits, sometimes becomes difficult to distinguish Mimmo’s sax from Fewell’s guitar, their interplay is complex, articulated and innovative, definitely not idiomatic, definitely not trivial.
A heartfelt salute to Garrison Fewell, we miss a great guitar player.Musicians are a diverse, changing and unstable community. Take for example this record that sees the duo composed by late lamented guitarrist Garrison Fewell and Italian saxophonist Gianni Mimmo playing togheter. Garrison Fewell was gone July 5, 2015, exactly one summer ago. Fewell was an expert guide, an outstanding soloist, a teacher, an author and an extraordinary talent. And, of course, the best way to know him is through his music. This meeting with Gianni Mimmo comes from an email exchange between the two artists, an Italian meeting that the Italian indipendent label Long Song Records documented with this nine titles’ cd, with the addition of a ghost track.
There are some musicians who like to fight with their instrument: for them instrument is a limit, a boundary beyond which it’s right and necessary to go beyond the usual concepts related to it. One way can be to playing their instrument in a completely different way, by playing it as a “no instrument”, using it like a sound generator, often with noise as a limit. Another way, more complex is to play it, adopting an unconventional technique but remaining within some already defined musical genres, the third, much more complex, in my personal opinion, is to adopt a traditional technique but inventing phrases completely different. Playing it in a not ideomatic way.
The result is an iconic record, where the two musicians abundantly exceed their limits, sometimes becomes difficult to distinguish Mimmo’s sax from Fewell’s guitar, their interplay is complex, articulated and innovative, definitely not idiomatic, definitely not trivial.
A heartfelt salute to Garrison Fewell, we miss a great guitar player.

4 stars 1/2.
Two of creative music’s most inventive forces come together on Duet. Musical restiveness is at the core of pianist/accordionist and composer Satoko Fujii. With a catalogue three-score deep, she has covered formations from large orchestra to solo where the common denominator is her wide and daring exploration of improvisational spaces. Her adroit aptitude for moving through—and sometimes combining—elements of her native Japanese folk music, classical and discordant free improvisation, have made her one of the more consistently interesting artists in music. When not leading her own groups (or partnering with her husband, trumpeter Natsuki Tamura) Fujii has recorded with pianist Myra Melford, Tin Hat’s violinist Carla Kihlstedt, and fronted a trio with bassist Mark Dresser and drummer Jim Black.

The renowned bassist Joe Fonda has a dream resume including a long musical relationship with Anthony Braxton, and diverse associations with Wadada Leo Smith, Archie Shepp and a duo with Xu Fengxia who plays the Chinese guzheng -a sixteen-string zither. Fonda has shared the billing with pianist Michael Jefry Stevens for the past fifteen years of the globally focused Fonda-Stevens Group. More recently, Fonda recorded—and continues to perform with—Barry Altschul’s 3dom Factor on Tales of the Unforeseen (TUM Records, 2015), a trio that includes Mostly Other People Do the Killing saxophonist Jon Irabagon. Dating back to the mid-70s, the prolific Fonda has released a dozen recordings as a leader.

Neither Fujii nor Fonda had been familiar with the other’s music at the time that the bassist reached out to Fujii for some New York shows, a collaboration that immediately clicked and led to Duet. The album consists of two extended tracks, recorded live in Portland, Maine in 2015 as part of the Portland Conservatory of Music’s Dimensions in Jazz series. Occupying three-quarters of the album, at more than thirty-seven minutes, is the improvised tribute, “Paul Bley.” Opening with Fonda’s deep, resonant plucking, Fujii lyrically joins in but quickly moves to a more angular approach. As their techniques broaden, the pianist works the inside of the instrument as Fonda plums the depths of the bass, scratching surfaces and ingraining sharp edges. Midway through the piece, the duo has morphed into an avant-garde classicalism, Fujii slowing to longer melodic lines, Fonda, briefly switching to flute. The pair slowly, tentatively rebuild the intensity before closing on a serene note.

Tamura joins the duo for part of “JSN,” the acronym for each player’s given name. The trumpeter’s idiosyncratic fluctuations blending with, then giving way to, Fujii’s searching passage where fragments of melody share space with technical flourishes. As the piece progresses, Fonda’s bass—even at its sharpest—retains a full, round sound. He later returns to the flute as he and Tamura join in some high-pitched dissonance, Fujii adding the percussive effects.

As occasionally happens in live recordings of extended works, “JSN” fades out shortly past the eleven-minute mark. Duet, especially where “Paul Bley” is concerned, is a masterful outing where Fujii and Fonda work with empathy and inspiration. The music is by turns reflective and intense, always focused and often striking in its complex beauty.4 stars 1/2.
Two of creative music’s most inventive forces come together on Duet. Musical restiveness is at the core of pianist/accordionist and composer Satoko Fujii. With a catalogue three-score deep, she has covered formations from large orchestra to solo where the common denominator is her wide and daring exploration of improvisational spaces. Her adroit aptitude for moving through—and sometimes combining—elements of her native Japanese folk music, classical and discordant free improvisation, have made her one of the more consistently interesting artists in music. When not leading her own groups (or partnering with her husband, trumpeter Natsuki Tamura) Fujii has recorded with pianist Myra Melford, Tin Hat’s violinist Carla Kihlstedt, and fronted a trio with bassist Mark Dresser and drummer Jim Black.

The renowned bassist Joe Fonda has a dream resume including a long musical relationship with Anthony Braxton, and diverse associations with Wadada Leo Smith, Archie Shepp and a duo with Xu Fengxia who plays the Chinese guzheng -a sixteen-string zither. Fonda has shared the billing with pianist Michael Jefry Stevens for the past fifteen years of the globally focused Fonda-Stevens Group. More recently, Fonda recorded—and continues to perform with—Barry Altschul’s 3dom Factor on Tales of the Unforeseen (TUM Records, 2015), a trio that includes Mostly Other People Do the Killing saxophonist Jon Irabagon. Dating back to the mid-70s, the prolific Fonda has released a dozen recordings as a leader.

Neither Fujii nor Fonda had been familiar with the other’s music at the time that the bassist reached out to Fujii for some New York shows, a collaboration that immediately clicked and led to Duet. The album consists of two extended tracks, recorded live in Portland, Maine in 2015 as part of the Portland Conservatory of Music’s Dimensions in Jazz series. Occupying three-quarters of the album, at more than thirty-seven minutes, is the improvised tribute, “Paul Bley.” Opening with Fonda’s deep, resonant plucking, Fujii lyrically joins in but quickly moves to a more angular approach. As their techniques broaden, the pianist works the inside of the instrument as Fonda plums the depths of the bass, scratching surfaces and ingraining sharp edges. Midway through the piece, the duo has morphed into an avant-garde classicalism, Fujii slowing to longer melodic lines, Fonda, briefly switching to flute. The pair slowly, tentatively rebuild the intensity before closing on a serene note.

Tamura joins the duo for part of “JSN,” the acronym for each player’s given name. The trumpeter’s idiosyncratic fluctuations blending with, then giving way to, Fujii’s searching passage where fragments of melody share space with technical flourishes. As the piece progresses, Fonda’s bass—even at its sharpest—retains a full, round sound. He later returns to the flute as he and Tamura join in some high-pitched dissonance, Fujii adding the percussive effects.

As occasionally happens in live recordings of extended works, “JSN” fades out shortly past the eleven-minute mark. Duet, especially where “Paul Bley” is concerned, is a masterful outing where Fujii and Fonda work with empathy and inspiration. The music is by turns reflective and intense, always focused and often striking in its complex beauty.

5 STARS!
The story behind the creation of the miraculous album, Duet by pianist Satoko Fujii and bassist Joe Fonda is one of those things that makes one a believer in karma.

Although both have played with reed man Gebhard Ullmann in various configurations, Fujii and Fonda had never met, and had not heard much, if any, of each other’s music. Now, this might seem strange since both are acknowledged leaders of free/avant-garde jazz, and both have powerful musical personalities and immediately recognizable sounds. However, that such highly creative and directed musicians, closely focused on their own playing, composing and touring, had never met is almost natural, despite knowing each other by reputation.

The meeting ended up happening because of a suggestion made to Fonda that he should listen to Fujii’s music and would then want to play with her. Fujii’s music made a deep impression on Fonda, and he contacted her. For her part, Fujii was surprised to hear from Fonda and they managed to get together on November 14, 2015 at the Buttonwood Tree Performing Arts & Cultural Center, in Middletown, Connecticut for the 10th Annual Jazz CT Composers and Improvisers Festival.

This recording was made the next night in Portland, Maine at the Woodfords Congregational Chapel for the Dimensions in Jazz Series run by Paul Lichter. The superb quality of the sound is immediately evident—the piano sings and the bass is woody and fully focused; you are there.

The music created de novo is reminiscent of an earlier Fujii encounter with Carla Kihlstedt, recorded as Minamo. It is just as intense and just as amazingly organic in its development. Fujii spoke of how she and Kihlstedt connected, and in that mysterious manner of supreme improvisors, create coherent music with no preparation; the same happens here with Fonda. In the former, Kihlstedt floats above Fujii, while here Fonda bubbles below her.

Fonda is an extremely powerful player, and from a good playback system, will almost knock you over. He is quite used to playing in loose co-operative groups, but, in recordings at least, not so much in such a completely free and exposed venue, which could be said to be Fujii’s forte. In any case, Fonda matches Fujii as far as being a “force of nature” and pushes as much as he is pulled. The energy flowing between them is palpable, exciting and occasionally almost unbearable.

The only quibble is that there is “only” just under forty-nine minutes of music presented in two tracks, the first over three times as long as the second. Perhaps the rest of the music will appear someday.

The first track is a bravura performance that features many of the musical mannerisms that will be familiar to those who follow Fujii and Fonda. The duo produces astonishing musical textures that arise out of the mists. They engage in what sounds like joyous battle at times, only to swerve in a flash to produce ethereal sounds that float in mid-air.

The audience is silent, and must have been holding its collective breath. At the end of thirty-seven continuous minutes of intense concentration, the condensed atmosphere virtually melts as everyone murmurs in amazement at what had just taken place.

The second track, taken from the second set, includes Fujii’s husband and musical partner, trumpeter/sound-maker Natsuki Tamura, and so naturally the textures produced are different. As might be expected, Fujii and Tamura know each other extremely well, but Fonda is definitely not a third wheel, and indeed, matches Tamura’s virtuosic sound production when playing the flute in the last third of the track.

Duet is a perfect example of the paradox that is Creative Improvised Music in that the recording captures and seals in amber a spontaneous musical happening which can never, ever occur again. Those familiar with this genre will revel in its easy virtuosity and deep musical spirituality; for those unfamiliar, both Duet and Minamo are phenomenal performances.5 STARS!
The story behind the creation of the miraculous album, Duet by pianist Satoko Fujii and bassist Joe Fonda is one of those things that makes one a believer in karma.

Although both have played with reed man Gebhard Ullmann in various configurations, Fujii and Fonda had never met, and had not heard much, if any, of each other’s music. Now, this might seem strange since both are acknowledged leaders of free/avant-garde jazz, and both have powerful musical personalities and immediately recognizable sounds. However, that such highly creative and directed musicians, closely focused on their own playing, composing and touring, had never met is almost natural, despite knowing each other by reputation.

The meeting ended up happening because of a suggestion made to Fonda that he should listen to Fujii’s music and would then want to play with her. Fujii’s music made a deep impression on Fonda, and he contacted her. For her part, Fujii was surprised to hear from Fonda and they managed to get together on November 14, 2015 at the Buttonwood Tree Performing Arts & Cultural Center, in Middletown, Connecticut for the 10th Annual Jazz CT Composers and Improvisers Festival.

This recording was made the next night in Portland, Maine at the Woodfords Congregational Chapel for the Dimensions in Jazz Series run by Paul Lichter. The superb quality of the sound is immediately evident—the piano sings and the bass is woody and fully focused; you are there.

The music created de novo is reminiscent of an earlier Fujii encounter with Carla Kihlstedt, recorded as Minamo. It is just as intense and just as amazingly organic in its development. Fujii spoke of how she and Kihlstedt connected, and in that mysterious manner of supreme improvisors, create coherent music with no preparation; the same happens here with Fonda. In the former, Kihlstedt floats above Fujii, while here Fonda bubbles below her.

Fonda is an extremely powerful player, and from a good playback system, will almost knock you over. He is quite used to playing in loose co-operative groups, but, in recordings at least, not so much in such a completely free and exposed venue, which could be said to be Fujii’s forte. In any case, Fonda matches Fujii as far as being a “force of nature” and pushes as much as he is pulled. The energy flowing between them is palpable, exciting and occasionally almost unbearable.

The only quibble is that there is “only” just under forty-nine minutes of music presented in two tracks, the first over three times as long as the second. Perhaps the rest of the music will appear someday.

The first track is a bravura performance that features many of the musical mannerisms that will be familiar to those who follow Fujii and Fonda. The duo produces astonishing musical textures that arise out of the mists. They engage in what sounds like joyous battle at times, only to swerve in a flash to produce ethereal sounds that float in mid-air.

The audience is silent, and must have been holding its collective breath. At the end of thirty-seven continuous minutes of intense concentration, the condensed atmosphere virtually melts as everyone murmurs in amazement at what had just taken place.

The second track, taken from the second set, includes Fujii’s husband and musical partner, trumpeter/sound-maker Natsuki Tamura, and so naturally the textures produced are different. As might be expected, Fujii and Tamura know each other extremely well, but Fonda is definitely not a third wheel, and indeed, matches Tamura’s virtuosic sound production when playing the flute in the last third of the track.

Duet is a perfect example of the paradox that is Creative Improvised Music in that the recording captures and seals in amber a spontaneous musical happening which can never, ever occur again. Those familiar with this genre will revel in its easy virtuosity and deep musical spirituality; for those unfamiliar, both Duet and Minamo are phenomenal performances.

5 STELLE!
Abbiamo già parlato due volte di questo strepitoso quartetto di Emanuele Parrini e di questo disco, preparato due anni orsono con un concerto che ne precedette la registrazione e presentato quest’inverno con un altro live. E ne avevamo parlato bene. Adesso, dopo l’attento ascolto del CD, non possiamo che ripeterci.

L’album ripresenta infatti fedelmente quel che si era potuto ascoltare dal vivo, senza perdere né forza, né comunicativa, grazie alla ricchezza delle composizioni -quattro del leader, tre del contrabbassista Giovanni Maier -e della straordinaria vena dei quattro interpreti, perfettamente affiatati nel produrre una musica complessa ma godibile, libera ma drammaturgicamente lucida e coerente, incentrata su un suono che da individuale si fa collettivo.

Il disco è intitolato e dedicato ad Amiri Baraka, che aveva suonato con Parrini nel Dinamitri Jazz Folklore (ed è uscito un CD che lo documenta), essendo il suo cuore la suite eponima, in tre parti (anche se, curiosamente, la terza è staccata dalle altre due), che ha anche un’unità tematica che la differenzia dal resto del disco -peraltro stilisticamente assai coerente.

Infatti, fin dal primo brano -“Disk Dosk,” di Maier -il lavoro si sviluppa lungo una molteplicità di linee che si incrociano: quelle “portanti” del contrabbasso, che resterà protagonista per tutto il lavoro con Maier che vi offre una prestazione davvero spettacolare; quelle del violino del leader, libere e drammaticamente espressive; quelle del sax contralto di Dimitri Grechi Espinoza, ora altrettanto libere, ora invece liriche, ma sempre comunicativamente molto efficaci. Il brano, molto bello, alterna intensità dinamica collettiva a momenti più riflessivi -splendido il solo del contrabbasso -e ha una mirabile compiutezza. Dopo un brano più sospeso, sempre di Maier, inizia la suite “The Blessed Prince,” a firma di Parrini, la prima parte della quale si avvia sommessamente in modo corale per poi impennarsi con un tema teso che dà il via a improvvisazioni molto coinvolgenti. Un lungo solo di contrabbasso segna l’inizio della seconda parte, invece tutta su dinamiche moderate e condotta dal gruppo quasi sempre frammentato. La terza parte -che arriva dopo “San Frediano,” brano di Maier—riprende inizialmente la frammentarietà con un duetto tra Parrini ed Espinoza, poi si riapre su scenari collettivi più veloci e dinamicamente intensi, dalla forte libertà espressiva che richiama il clima anni Settanta caro a Parrini, dove eccelle la batteria di Andrea Melani, autore anche di un pregevole assolo. Il disco si chiude con un blues di Parrini, che unisce complessità e lirismo, scandito di nuovo da un magistrale Maier al contrabbasso e reso imprevedibile dalle corde del violino di Parrini.

Un disco davvero notevole, complesso e coinvolgente, a suo modo classico ma freschissimo, suonato in modo splendido. Da mettere senz’altro nella rosa delle cose migliori del 2016, non solo italiane.5 STELLE!
Abbiamo già parlato due volte di questo strepitoso quartetto di Emanuele Parrini e di questo disco, preparato due anni orsono con un concerto che ne precedette la registrazione e presentato quest’inverno con un altro live. E ne avevamo parlato bene. Adesso, dopo l’attento ascolto del CD, non possiamo che ripeterci.

L’album ripresenta infatti fedelmente quel che si era potuto ascoltare dal vivo, senza perdere né forza, né comunicativa, grazie alla ricchezza delle composizioni -quattro del leader, tre del contrabbassista Giovanni Maier -e della straordinaria vena dei quattro interpreti, perfettamente affiatati nel produrre una musica complessa ma godibile, libera ma drammaturgicamente lucida e coerente, incentrata su un suono che da individuale si fa collettivo.

Il disco è intitolato e dedicato ad Amiri Baraka, che aveva suonato con Parrini nel Dinamitri Jazz Folklore (ed è uscito un CD che lo documenta), essendo il suo cuore la suite eponima, in tre parti (anche se, curiosamente, la terza è staccata dalle altre due), che ha anche un’unità tematica che la differenzia dal resto del disco -peraltro stilisticamente assai coerente.

Infatti, fin dal primo brano -“Disk Dosk,” di Maier -il lavoro si sviluppa lungo una molteplicità di linee che si incrociano: quelle “portanti” del contrabbasso, che resterà protagonista per tutto il lavoro con Maier che vi offre una prestazione davvero spettacolare; quelle del violino del leader, libere e drammaticamente espressive; quelle del sax contralto di Dimitri Grechi Espinoza, ora altrettanto libere, ora invece liriche, ma sempre comunicativamente molto efficaci. Il brano, molto bello, alterna intensità dinamica collettiva a momenti più riflessivi -splendido il solo del contrabbasso -e ha una mirabile compiutezza. Dopo un brano più sospeso, sempre di Maier, inizia la suite “The Blessed Prince,” a firma di Parrini, la prima parte della quale si avvia sommessamente in modo corale per poi impennarsi con un tema teso che dà il via a improvvisazioni molto coinvolgenti. Un lungo solo di contrabbasso segna l’inizio della seconda parte, invece tutta su dinamiche moderate e condotta dal gruppo quasi sempre frammentato. La terza parte -che arriva dopo “San Frediano,” brano di Maier—riprende inizialmente la frammentarietà con un duetto tra Parrini ed Espinoza, poi si riapre su scenari collettivi più veloci e dinamicamente intensi, dalla forte libertà espressiva che richiama il clima anni Settanta caro a Parrini, dove eccelle la batteria di Andrea Melani, autore anche di un pregevole assolo. Il disco si chiude con un blues di Parrini, che unisce complessità e lirismo, scandito di nuovo da un magistrale Maier al contrabbasso e reso imprevedibile dalle corde del violino di Parrini.

Un disco davvero notevole, complesso e coinvolgente, a suo modo classico ma freschissimo, suonato in modo splendido. Da mettere senz’altro nella rosa delle cose migliori del 2016, non solo italiane.

3 stelle e mezzo ***1/2

Che Emanuele Parrini sia diventato un punto fermo nella rete del new-jazz nostrano e non, ce lo dimostra il suo curriculum, già piuttosto voluminoso in fatto di incontri ‘piccanti’: spuntano collaborazioni col Dinamitri Jazz Folklore, l’Italian Instabile Orchestra , e il Rene Cene Resnik Quartet (da cui nacque l’irruento “From the Sky”), il sodalizio con Tiziano Tononi e William Parker in “Vertical Invaders”, e ancora Anthony Braxton, Ernico Rava, …
Potremmo continuare annoverando altre stelle con cui il violinista ha stretto contatti di stampo creativo per convalidare l’alta caratura di brillante e arguto conoscitore del violino qual’è, ma ci è bastato risentire il recente “Viaggio al Centro del Violino”, seguito da questo “The Blessed Prince”, che si è materializzata la conferma di avere di fronte un compositore il cui pregio è miscelare i dogmi dell’improvvisazione jazzistica con un taglio tonale creativo, peculiare, in cui la scrittura è continuamente seghettata da attimi di caotica esuberanza collettiva dove idealmente Ornette Coleman, Tim Berne, l’estetica melting-pot di John Zorn, e per certi versi anche l’anarchia di Albert Ayler, sembrano andare per un attimo a braccetto, facendosi poi coprire da inattese immersioni in ambienti più accorti, inquieti, tinti di jazz caliginoso e notturno, di pura ispirazione downtown. Alla bisogna Parrini è alle prese con la forma-quartetto, accompagnano da Dimitri G. Espinoza al sax alto, da un veterano come Giovanni Maier al contrabbasso e Andrea Melani alla batteria, dividendosi il compito di scrivere le sette tracce del lavoro con Maier, il quale ne firma tre: la doppia anima di Disk Dosk, concitata, sguinzagliante e allo stesso tempo placida, i sottili micro-scambi improv di Transizioni Morbide e San Frediano. La title track, segmentata in tre movimenti, è un gioco beffardo dove gli strumenti s’inseguono l’uno con l’altro, e su cui spicca spesso incontrastato il tocco arcigno e funambolico del nostro al violino, intento a far scorazzare note in massima libertà, metalliche come ferro arrugginito, strozzate, che vanno a cozzare sui giochi d’archetto del basso, densi di una impalpabile oscurità. E’ un crogiolo di agitazione programmata e improvvisa stasi meditativa, solitaria, che dopo poco si (ri)assesta su strade che odorano d’inappuntabile jazz.
Consiglio vivamente l’ascolto di “The Blessed Prince” in coppia con l’ultima fatica di Sarah Bernstein per Leo Records, “Still/Free”, anche lei violinista come Parrini, e anche lei alle prese con un quartetto nell’alchimizzare una personale visione dell’avant-jazz contemporaneo.3 stelle e mezzo ***1/2

Che Emanuele Parrini sia diventato un punto fermo nella rete del new-jazz nostrano e non, ce lo dimostra il suo curriculum, già piuttosto voluminoso in fatto di incontri ‘piccanti’: spuntano collaborazioni col Dinamitri Jazz Folklore, l’Italian Instabile Orchestra , e il Rene Cene Resnik Quartet (da cui nacque l’irruento “From the Sky”), il sodalizio con Tiziano Tononi e William Parker in “Vertical Invaders”, e ancora Anthony Braxton, Ernico Rava, …
Potremmo continuare annoverando altre stelle con cui il violinista ha stretto contatti di stampo creativo per convalidare l’alta caratura di brillante e arguto conoscitore del violino qual’è, ma ci è bastato risentire il recente “Viaggio al Centro del Violino”, seguito da questo “The Blessed Prince”, che si è materializzata la conferma di avere di fronte un compositore il cui pregio è miscelare i dogmi dell’improvvisazione jazzistica con un taglio tonale creativo, peculiare, in cui la scrittura è continuamente seghettata da attimi di caotica esuberanza collettiva dove idealmente Ornette Coleman, Tim Berne, l’estetica melting-pot di John Zorn, e per certi versi anche l’anarchia di Albert Ayler, sembrano andare per un attimo a braccetto, facendosi poi coprire da inattese immersioni in ambienti più accorti, inquieti, tinti di jazz caliginoso e notturno, di pura ispirazione downtown. Alla bisogna Parrini è alle prese con la forma-quartetto, accompagnano da Dimitri G. Espinoza al sax alto, da un veterano come Giovanni Maier al contrabbasso e Andrea Melani alla batteria, dividendosi il compito di scrivere le sette tracce del lavoro con Maier, il quale ne firma tre: la doppia anima di Disk Dosk, concitata, sguinzagliante e allo stesso tempo placida, i sottili micro-scambi improv di Transizioni Morbide e San Frediano. La title track, segmentata in tre movimenti, è un gioco beffardo dove gli strumenti s’inseguono l’uno con l’altro, e su cui spicca spesso incontrastato il tocco arcigno e funambolico del nostro al violino, intento a far scorazzare note in massima libertà, metalliche come ferro arrugginito, strozzate, che vanno a cozzare sui giochi d’archetto del basso, densi di una impalpabile oscurità. E’ un crogiolo di agitazione programmata e improvvisa stasi meditativa, solitaria, che dopo poco si (ri)assesta su strade che odorano d’inappuntabile jazz.
Consiglio vivamente l’ascolto di “The Blessed Prince” in coppia con l’ultima fatica di Sarah Bernstein per Leo Records, “Still/Free”, anche lei violinista come Parrini, e anche lei alle prese con un quartetto nell’alchimizzare una personale visione dell’avant-jazz contemporaneo.

4 stelle ****

Registrato a Brooklyn nel giugno 2015, questo nuovo lavoro della Premiata Ditta Cavallanti/Tononi non tradisce neanche stavolta le attese, anzi rinverdisce atmosfere e -diciamolo pure -opulenze che la crisi globale in cui ci stiamo dibattendo ha finito spesso per mettere in un angolo (proprio per un fatto di dispiegamento di mezzi e forze).

Qui c’è tutto il vigore, atmosferico e soprattutto creativo, inventivo, dei lavori migliori legati -semplificando, ma non concettualmente -al marchio-Nexus, le opere dedicate ad Ayler, Kirk, Cherry, Rudd e chi più ne ha più ne metta. Qui i dedicatari, del resto, sono molteplici, da Ornette Coleman (specificatamente il secondo brano, ma poi tutto il disco) a Gil Evans, Harry Miller e Bill Dixon, Jim Pepper e Andrew Cyrille, l’unico ancora in vita.

Le temperature sono come accennato vitali, corporee, a tratti quasi orgiastiche, nella migliore tradizione che va da Ascension ad Ayler, Mingus e Sun Ra, diaspora sudafricana e Art Ensemble Of Chicago (tanto per arrestarsi a qualche nume tutelare fra i tanti possibili). Ne fa fede tutta la prima metà del disco, fin quando, nel corso del quinto brano, fa capolino -e poi decisamente si afferma -una souplesse magica e quasi favolistica, ludica, a tratti, ancestrale e pre-jazzistica, che, in particolare attraverso un inconfondibile uso dei flauti, rimanda all’altrettanto amato Don Cherry e al suo pan-culturalismo espressivo.

Tale orientamento più introspettivo si allarga al successivo “Slaps, tones & drones,” il brano più ampio del lavoro (oltre venti minuti), non a caso dedicato a Bill Dixon, che peraltro cresce poi via via fino a un vociferante collettivo finale, la cui indole abbraccia pure il conclusivo (e ben più breve) “I See You Now, Jim!,” incalzante, vagamente funkeggiante, massicciamente corale, a conti fatti l’episodio in cui maggiormente si salda il debito con l’estetica-AEOC.

Disco ricco, pieno (di idee, anche), rigoglioso, in cui intelligenza e capacità di presa (quindi di impatto anche squisitamente “di pelle”) si fondono mirabilmente, con pochissime pause. Ognuno fa per intero il suo dovere (almeno Robertson, del resto, ha con Cavallanti e Tononi ampia e antica frequentazione), perfettamente funzionale al risultato globale.4 stelle ****

Registrato a Brooklyn nel giugno 2015, questo nuovo lavoro della Premiata Ditta Cavallanti/Tononi non tradisce neanche stavolta le attese, anzi rinverdisce atmosfere e -diciamolo pure -opulenze che la crisi globale in cui ci stiamo dibattendo ha finito spesso per mettere in un angolo (proprio per un fatto di dispiegamento di mezzi e forze).

Qui c’è tutto il vigore, atmosferico e soprattutto creativo, inventivo, dei lavori migliori legati -semplificando, ma non concettualmente -al marchio-Nexus, le opere dedicate ad Ayler, Kirk, Cherry, Rudd e chi più ne ha più ne metta. Qui i dedicatari, del resto, sono molteplici, da Ornette Coleman (specificatamente il secondo brano, ma poi tutto il disco) a Gil Evans, Harry Miller e Bill Dixon, Jim Pepper e Andrew Cyrille, l’unico ancora in vita.

Le temperature sono come accennato vitali, corporee, a tratti quasi orgiastiche, nella migliore tradizione che va da Ascension ad Ayler, Mingus e Sun Ra, diaspora sudafricana e Art Ensemble Of Chicago (tanto per arrestarsi a qualche nume tutelare fra i tanti possibili). Ne fa fede tutta la prima metà del disco, fin quando, nel corso del quinto brano, fa capolino -e poi decisamente si afferma -una souplesse magica e quasi favolistica, ludica, a tratti, ancestrale e pre-jazzistica, che, in particolare attraverso un inconfondibile uso dei flauti, rimanda all’altrettanto amato Don Cherry e al suo pan-culturalismo espressivo.

Tale orientamento più introspettivo si allarga al successivo “Slaps, tones & drones,” il brano più ampio del lavoro (oltre venti minuti), non a caso dedicato a Bill Dixon, che peraltro cresce poi via via fino a un vociferante collettivo finale, la cui indole abbraccia pure il conclusivo (e ben più breve) “I See You Now, Jim!,” incalzante, vagamente funkeggiante, massicciamente corale, a conti fatti l’episodio in cui maggiormente si salda il debito con l’estetica-AEOC.

Disco ricco, pieno (di idee, anche), rigoglioso, in cui intelligenza e capacità di presa (quindi di impatto anche squisitamente “di pelle”) si fondono mirabilmente, con pochissime pause. Ognuno fa per intero il suo dovere (almeno Robertson, del resto, ha con Cavallanti e Tononi ampia e antica frequentazione), perfettamente funzionale al risultato globale.

4 stelle ****

La collaborazione artistica tra il percussionista Tiziano Tononi e il sassofonista Daniele Cavallanti dovrebbe essere ben nota ad ogni aficionado del l’improvvisata. Più di 30 anni di flirt creativo non sono pochi e ”No Time Left” consolida questo rapporto proponendo un nuovo scoppiettante progetto della coppia, coniato ai piedi della grande mela sotto la sigla “The Brooklyn Express”, in compagnia di vecchie conoscenze della Downtown quali il superbo Herb Robertson (tromba), Steve Swell (Trombone, flauto), e Joe Fonda (contrabbasso, flauto). Concept intriso di rimandi al jazz libero che il destino ha voluto che venisse registrato pochissimi giorni dopo la dipartita dal mondo terreno del grande Ornette Coleman (Giugno ’15) a cui è stato giustamente dedicato l’intero lavoro, nonché i tratteggianti passi swing e bluesy di New York Funeral Blues…, firmata dal solo Tononi. L’interplay tra i musicisti è notevole: laconici, vigorosi e roboanti in Brooklyn: Monday Soundcheck, sciolti se messi a rapporto con texture ricche di piacevoli scontri sonori (il drumming di Tiziano e la tromba di Robertson che accendono gli animi in Untitled # 1 [for Gil Evans]), infuocati dallo spettro dello swing (il dna centrale di Song for Harry Miller) e fantasticamente informali con colpi, soffi e sbuffi dei fiati, rintocchi percussivi radenti e silenziosi, flauti in sordina (Cyrille, the Inspirer, i 20 minuti circa di emozionanti sali-e-scendi tonali di Slaps, Tones, & Drones, dedicata a Bill Dixon). In definitiva, dopo le mirabolanti acrobazie al violino di Parrini ascoltate in “The Blessed Prince”, la Long Song Records colleziona un altro colpo gobbo all’interno del proprio catalogo, un autentico toccasana per gli amanti dell’avant-jazz.4 stelle ****

La collaborazione artistica tra il percussionista Tiziano Tononi e il sassofonista Daniele Cavallanti dovrebbe essere ben nota ad ogni aficionado del l’improvvisata. Più di 30 anni di flirt creativo non sono pochi e ”No Time Left” consolida questo rapporto proponendo un nuovo scoppiettante progetto della coppia, coniato ai piedi della grande mela sotto la sigla “The Brooklyn Express”, in compagnia di vecchie conoscenze della Downtown quali il superbo Herb Robertson (tromba), Steve Swell (Trombone, flauto), e Joe Fonda (contrabbasso, flauto). Concept intriso di rimandi al jazz libero che il destino ha voluto che venisse registrato pochissimi giorni dopo la dipartita dal mondo terreno del grande Ornette Coleman (Giugno ’15) a cui è stato giustamente dedicato l’intero lavoro, nonché i tratteggianti passi swing e bluesy di New York Funeral Blues…, firmata dal solo Tononi. L’interplay tra i musicisti è notevole: laconici, vigorosi e roboanti in Brooklyn: Monday Soundcheck, sciolti se messi a rapporto con texture ricche di piacevoli scontri sonori (il drumming di Tiziano e la tromba di Robertson che accendono gli animi in Untitled # 1 [for Gil Evans]), infuocati dallo spettro dello swing (il dna centrale di Song for Harry Miller) e fantasticamente informali con colpi, soffi e sbuffi dei fiati, rintocchi percussivi radenti e silenziosi, flauti in sordina (Cyrille, the Inspirer, i 20 minuti circa di emozionanti sali-e-scendi tonali di Slaps, Tones, & Drones, dedicata a Bill Dixon). In definitiva, dopo le mirabolanti acrobazie al violino di Parrini ascoltate in “The Blessed Prince”, la Long Song Records colleziona un altro colpo gobbo all’interno del proprio catalogo, un autentico toccasana per gli amanti dell’avant-jazz.

Daniele Cavallanti (tenor saxophone, ney flute) and Tiziano Tononi (drums) have been a musical couple for nearly four decades, an integral of the Italian creative music scene. Besides their own projects (especially their group Nexus), both are founding members of the Italian Instabile Orchestra. They have recorded projects dedicated to Don Cherry, Rahsaan Roland Kirk, Ornette Coleman, and John Coltrane. They have collaborated with a slew of internationally known musicians including trumpeter Enrico Rava, bassist Mark Dresser, saxophonist Dewey Redman, drummer Andrew Cyrille, and many others. Yet, with all these great recordings, the duo has never recorded in the United States.

Until now, that is. On June 15 and 16, just a few days after Ornette Coleman passed, Cavallanti and Tononi entered Douglass St. Studios in Brooklyn, NY, with Herb Robertson (cornet), Steve Swell (trombone, flute), and Joe Fonda (bass) – a quintet dubbed The Brooklyn Express – to record the seven tracks that make up “No Time Left!” (Long Song Records). With the exception of the opening cut “Brooklyn: Monday Soundcheck”, the songs are dedicated to musicians that the leaders have to looked to for inspiration. Tononi’s “New York Funeral Blues…(for Ornette C.)” is self-explanatory, the music a slow dirge/drag with moaning cornet, wailing saxophone and keening trombone, closing with Cavallanti’s powerful solo coda. Other musicians celebrated are Gil Evans (“Untitled # 1”), a pace that changes tempos and intensity several times, and South African ex-patriate bassist/composer Harry Miller. Cavallanti’s “Song For Harry Miller” builds up from the powerful interactions of the drummer and Fonda into a fiery piece with solos from the bassist, composer (on tenor), trombonist and, finally, Tononi. The longest piece (20:29) is “Slap, Tones & Drones (for Bill Dixon)” certainly lives up to its name with a noisy, rubato, opening, that lasts nearly half the piece before giving way to a short tenor/drums interchange and then a powerful drum solo. The bass and drums slide into a rambunctious beat that fires up the saxophonist one more time. The final track dedicated to a musician who has passed is the funky “I See You Now, Jim! (for Jim Pepper)”. – listen to the grooves Fonda lays down and that Tononi picks up on and accentuates, I doubt you’ll be able to sit still.

There is 1 track, “Cyrille, The Inspirer”, that is dedicated to a living master (and one of Tononi’s teachers). Credited to the quintet and producer Fabrizio Perissinotto, the music goes in several directions in its 12:14 After a noisy beginning, the music take a number of surprising turns including a section where Cavallanti, Swell, and Fonda have a conversation on flutes. Also surprising is the fact that though the piece is dedicated to a drummer, there is not a drum solo.

“No Time Left” has many moments that lift the listener off his chair, with powerful solos and exciting interactions created by five people who embody the meaning of creative musicians. Take The Brooklyn Express to the end of the line and get back aboard – this is quite the ride.Daniele Cavallanti (tenor saxophone, ney flute) and Tiziano Tononi (drums) have been a musical couple for nearly four decades, an integral of the Italian creative music scene. Besides their own projects (especially their group Nexus), both are founding members of the Italian Instabile Orchestra. They have recorded projects dedicated to Don Cherry, Rahsaan Roland Kirk, Ornette Coleman, and John Coltrane. They have collaborated with a slew of internationally known musicians including trumpeter Enrico Rava, bassist Mark Dresser, saxophonist Dewey Redman, drummer Andrew Cyrille, and many others. Yet, with all these great recordings, the duo has never recorded in the United States.

Until now, that is. On June 15 and 16, just a few days after Ornette Coleman passed, Cavallanti and Tononi entered Douglass St. Studios in Brooklyn, NY, with Herb Robertson (cornet), Steve Swell (trombone, flute), and Joe Fonda (bass) – a quintet dubbed The Brooklyn Express – to record the seven tracks that make up “No Time Left!” (Long Song Records). With the exception of the opening cut “Brooklyn: Monday Soundcheck”, the songs are dedicated to musicians that the leaders have to looked to for inspiration. Tononi’s “New York Funeral Blues…(for Ornette C.)” is self-explanatory, the music a slow dirge/drag with moaning cornet, wailing saxophone and keening trombone, closing with Cavallanti’s powerful solo coda. Other musicians celebrated are Gil Evans (“Untitled # 1”), a pace that changes tempos and intensity several times, and South African ex-patriate bassist/composer Harry Miller. Cavallanti’s “Song For Harry Miller” builds up from the powerful interactions of the drummer and Fonda into a fiery piece with solos from the bassist, composer (on tenor), trombonist and, finally, Tononi. The longest piece (20:29) is “Slap, Tones & Drones (for Bill Dixon)” certainly lives up to its name with a noisy, rubato, opening, that lasts nearly half the piece before giving way to a short tenor/drums interchange and then a powerful drum solo. The bass and drums slide into a rambunctious beat that fires up the saxophonist one more time. The final track dedicated to a musician who has passed is the funky “I See You Now, Jim! (for Jim Pepper)”. – listen to the grooves Fonda lays down and that Tononi picks up on and accentuates, I doubt you’ll be able to sit still.

There is 1 track, “Cyrille, The Inspirer”, that is dedicated to a living master (and one of Tononi’s teachers). Credited to the quintet and producer Fabrizio Perissinotto, the music goes in several directions in its 12:14 After a noisy beginning, the music take a number of surprising turns including a section where Cavallanti, Swell, and Fonda have a conversation on flutes. Also surprising is the fact that though the piece is dedicated to a drummer, there is not a drum solo.

“No Time Left” has many moments that lift the listener off his chair, with powerful solos and exciting interactions created by five people who embody the meaning of creative musicians. Take The Brooklyn Express to the end of the line and get back aboard – this is quite the ride.