A small package which appeared totally out of the blue in my mailbox makes it possible for me to update the story of US guitarist Jim McAuley, four years after the release of his fine “variable line-up” double CD titled The Ultimate Frog. Readers will recall that my first encounter with Jim McAuley’s music had also been born out of serendipity, also thanks to my mailbox.

In my review of said album I had half-jokingly filed the featured music under “Incus meets Takoma”, that is to say an approach to improvisation which makes ample reference to traits that are peculiar to various strains of American music and which made apparent McAuley’s “thematic” approach – a definition that can be used to indicate a “theme” as the word is nowadays commonly understood, but also a “climate” or a “mood” – while making use of many guitar techniques that are “indigenous” to those styles.

An album of duets, The Ultimate Frog closing track was a piece for solo guitar, For Rod Poole: a very fine performance that made me curious about a McAuley solo album. Such an album did, in fact, exist, having been released under the title Gongfarmer 18 in 2005 by Nine Winds. Meanwhile, it was with great surprise that I happened to learn from McAuley himself – my curiosity about his music and his life made me ask him for an interview – that with the only exception of an album on Incus titled Acoustic Guitar Trio, the music featured on Gongfarmer 18 more or less told “the whole story” when it came to adult-age McAuley.

It’s with a pinch of contrition that I have to admit that to this day I’ve never listened to Gongfarmer 18. So I can’t trace any smart comparison between tracks titled Dark Blooming, Blues For Wally Blanchette, Eyelids Of Buddha, and Nika’s Waltz (and maybe Kneebounce), and those which appear on the new album under titles such as Second Blooming, Blues For John Carter, The Eyelids Of Buddha, and nika’s Waltz (and maybe Plect’s Bounce).

But I can trace a parallel between tracks off The Ultimate Frog such as nika’s Love Ballad and Jump Start, which were featured in duo format with Nels Cline’s string instruments, and November Night, a duo with Alex Cline’s percussion, and those solo versions of nika’s Waltz, Jumpstart, and Another November Night which are featured on Gongfarmer 36.

Jim McAuley’s new album assembles tracks of various origin and vintage, with alternate takes of tracks that already appeared in a studio guise, tracks recorded live, new tracks, and even a home-made DAT recording, with fine recorded sound and a remarkable musical coherence. It’s an “accessible” album, not at all “difficult”, though it’s a bit unclear to me what its potential buying audience could be.

This could be entirely due to my deficient imagination, of course, though I can easily recall a time when “music for guitarists” – such being the name we used to indicate those mostly acoustic, mostly US-originated albums – was featured on “rock” magazines (true, those were also the times of successful acoustic tours of groups such as Hot Tuna and Grateful Dead), while today’s scenario is quite nebulous.

Let’s have a look at the tracks.

Second Blooming, for classical guitar, is a “permutation” of flamenco, with a fine lyrical quality.

Blues For John Carter, for steel string, sounds like a fusion of blues and far-east slide, with “dramatic” arpeggios, and a “suspension” of narrative. Not to be missed, a light but sad little theme which appears about halfway, and also at the close of the track.

Another November Night, with its “rainy” and “menacing” climate, and which features sounds which are almost onomatopoeic, highlights those “raindrops” from the 12-string with a tuning fork. Full chords, slidin’. A tense mood, quite dissonant, then a “pedal”.

What Part Of Maybe (Don’t You Understand?), quite brief, for dobro and slide, is an “implicit/explicit” country-blues.

Una Lunga Canzone, for classical guitar, is a long home improvisation recorded on DAT. Maybe a bit “looser” than those other tracks, it shows a spirit that’s quite “in the moment”. There’s a clear melodic mood, a slow “rumination”. Some “jazz” moments are also noteworthy, with much “swing”, at about halfway.

Joy Buzzer, quite brief, for classical guitar, and emery board.

At about 11′, The Eyelids Of Buddha, for 12-string and slide, is the longest track on the album. Harmonics galore! There’s a fine theme, meditative, and quite melancholic. This track shows a “progression”, a “direction”, though the featured material are quite diverse.

Plect’s Bounce, for prepared guitar, has some microtonal bass notes, almost like a koto. Sounds brief, but it ain’t.

Saltarello/Jumpstart is a combination of a Renaissance “dance” piece penned by Vincenzo Galilei (according to the album’s liner notes, at least) and – after a brief passage rich with harmonics – Jumpstart, whose theme is quite easy to recognize. There’s a “blues” mood for classical guitar, which goes hand-in-hand with the “dance” nature of the preceding track.

In closing, nika’s Waltz is a delicate piece for 12-string and slide sounding halfway between a harpsichord and a musical box. There’s a melodic theme played “slide”, with high notes above an arpeggiated ostinato. “Smorzando”… and a warm applause (to the track and, by inference, the whole album).

Iriondo, dopo anni passati a vestire i panni del navigatore, si siede per la prima volta al volante e, con la decisione e la naturalezza di chi sa perfettamente come si guida, dà gas; l’obiettivo è apertamente quello di intraprendere un viaggio sonoro che lo porti a visitare i luoghi della sua crescita, sia umana che musicale.

Da subito ci mostra il forte attaccamento alle origini basche, sia nelle sonorità ricche di strumenti folk e urla stridenti di “Elektraren Aurreskua” e “Il Cielo Sfondato”, sia nella testimonianza diretta, dalla viva voce del padre Kermel, sulla strage di Guernica (“Gernika eta Bermeo”), toccante capitolo storico-documentaristico del disco.

Ma non è che l’inizio; strada facendo ritroviamo quelle delizie elettriche, sperimentali, ruvide che sono state gioia per il palato dei musicisti milanesi (e non solo) ai tempi dell’ormai compianto SoundMetak, laboratorio musicale che lo stesso Iriondo aprì a metà del decennio scorso, presentate con il contributo attivo degli amici di sempre,Manuel Agnelli e parte degli Afterhours nella Lennoniana “Cold Turkey“, Paolo Saporiti a sostituire la voce del Boss in “Reason To Believe“ e Bruno Dorella in “Hammer”, reinterpretazione acida e lo-fi di un classico firmato Motorhead.

A condire il tutto, il taglio politico di “Preferirei Piuttosto Gente per Bene Gente per Male“, surreale incontro sonoro-concettuale tra la rapsodia meccanica di Francesco Currà e le celeberrime liriche del duo Mogol-Battisti, e dell’ inno antifranchista “Itziar en Semea“, scorporato e riproposto in una personalissima versione noise.

Il viaggio di Iriondo quindi non può che essere considerato perfetto, quella perfezione soggettiva, preziosa, difficilmente visibile agli occhi esterni, ma naturale, quasi prevedibile per chi riesce ad ascoltare con il cuore.

Dopo anni passati sulla strada, alla domanda “favorisca i documenti”, ora Iriondo può permettersi di esibire Irrintzi, il migliore tra i documenti identificativi.Iriondo, dopo anni passati a vestire i panni del navigatore, si siede per la prima volta al volante e, con la decisione e la naturalezza di chi sa perfettamente come si guida, dà gas; l’obiettivo è apertamente quello di intraprendere un viaggio sonoro che lo porti a visitare i luoghi della sua crescita, sia umana che musicale.

Da subito ci mostra il forte attaccamento alle origini basche, sia nelle sonorità ricche di strumenti folk e urla stridenti di “Elektraren Aurreskua” e “Il Cielo Sfondato”, sia nella testimonianza diretta, dalla viva voce del padre Kermel, sulla strage di Guernica (“Gernika eta Bermeo”), toccante capitolo storico-documentaristico del disco.

Ma non è che l’inizio; strada facendo ritroviamo quelle delizie elettriche, sperimentali, ruvide che sono state gioia per il palato dei musicisti milanesi (e non solo) ai tempi dell’ormai compianto SoundMetak, laboratorio musicale che lo stesso Iriondo aprì a metà del decennio scorso, presentate con il contributo attivo degli amici di sempre,Manuel Agnelli e parte degli Afterhours nella Lennoniana “Cold Turkey“, Paolo Saporiti a sostituire la voce del Boss in “Reason To Believe“ e Bruno Dorella in “Hammer”, reinterpretazione acida e lo-fi di un classico firmato Motorhead.

A condire il tutto, il taglio politico di “Preferirei Piuttosto Gente per Bene Gente per Male“, surreale incontro sonoro-concettuale tra la rapsodia meccanica di Francesco Currà e le celeberrime liriche del duo Mogol-Battisti, e dell’ inno antifranchista “Itziar en Semea“, scorporato e riproposto in una personalissima versione noise.

Il viaggio di Iriondo quindi non può che essere considerato perfetto, quella perfezione soggettiva, preziosa, difficilmente visibile agli occhi esterni, ma naturale, quasi prevedibile per chi riesce ad ascoltare con il cuore.

Dopo anni passati sulla strada, alla domanda “favorisca i documenti”, ora Iriondo può permettersi di esibire Irrintzi, il migliore tra i documenti identificativi.

There’s a class of guitar experimenters who could be described as employing strict precision over freeform expressiveness. The music isn’t lacking in emotive impact — in fact, the rigorous control might in some ways allow the individual to stand out more.

Some of the forebears of strict-time improvisation are no longer with us. John Fahey, Michael Hedges and Rod Poole all died before their work seemed done. But others remain, one being Jim McAuley, who recorded in a trio with Poole and Nels Cline for a fantastic record released on Incus, the label co-founded by outré guitar godfather Derek Bailey. A second Acoustic Guitar Trio record was released by Long Song Records, and that label has now released a follow-up to McAuley’s excellent Gongfarmer 18, issued in 2005 by Nine Winds Records.

Gongfarmer seems to mean a survey of technique to McAuley: shortish tracks, generally five to six minutes, each exploring a different approach or preparation. On 36 he plays nylon, steel and 12 strings, and parlor and Dobro guitar, making additional use of a few simple objects (slide, tuning fork, emory board) to create ten distinct sound-fields for exploration. There’s a bluesiness to his playing at times; the tempo isn’t always strident but the precision in his playing is staggering. He gets into some prickly abstractions on “The Eyelids of Buddha” (at 11 minutes the longest track here) and some nice noise with vibrating implements on “Another November Night,” but it’s the nylon string excursions which are the most rewarding. The classical guitar isn’t heard as often in experimental music, so McAuley has more ground to stake as his own. On those four tracks he plays with baroque and flamenco guided by his own innovative spirit. And throughout, McAuley makes a beautifully uncommon music for guitar.

 There’s a class of guitar experimenters who could be described as employing strict precision over freeform expressiveness. The music isn’t lacking in emotive impact — in fact, the rigorous control might in some ways allow the individual to stand out more.

Some of the forebears of strict-time improvisation are no longer with us. John Fahey, Michael Hedges and Rod Poole all died before their work seemed done. But others remain, one being Jim McAuley, who recorded in a trio with Poole and Nels Cline for a fantastic record released on Incus, the label co-founded by outré guitar godfather Derek Bailey. A second Acoustic Guitar Trio record was released by Long Song Records, and that label has now released a follow-up to McAuley’s excellent Gongfarmer 18, issued in 2005 by Nine Winds Records.

Gongfarmer seems to mean a survey of technique to McAuley: shortish tracks, generally five to six minutes, each exploring a different approach or preparation. On 36 he plays nylon, steel and 12 strings, and parlor and Dobro guitar, making additional use of a few simple objects (slide, tuning fork, emory board) to create ten distinct sound-fields for exploration. There’s a bluesiness to his playing at times; the tempo isn’t always strident but the precision in his playing is staggering. He gets into some prickly abstractions on “The Eyelids of Buddha” (at 11 minutes the longest track here) and some nice noise with vibrating implements on “Another November Night,” but it’s the nylon string excursions which are the most rewarding. The classical guitar isn’t heard as often in experimental music, so McAuley has more ground to stake as his own. On those four tracks he plays with baroque and flamenco guided by his own innovative spirit. And throughout, McAuley makes a beautifully uncommon music for guitar.

Abbiamo già parlato di Jim McAuley in occasione della recensione del cd “Vignes” dell’Acoustic Guitar Trio. Allora avevo scritto di McAuley: “ha un suono più folk, ma anche a lui questa categoria sta stretta”. Nulla di più vero e questo eccellente, davvero eccellente cd, non ho paura di parlarne in termini sinceramente entusiastici, conferma le sensazioni precedenti. Jim McAuley appartiene a quella curiosa categoria di musicisti a cui non basta muoversi all’interno delle coordinate note del loro strumento. No, McAuley si pone a cavallo tra altri improvvisatori radicali come Derek Bailey, Fred Frith, Joe Morris e Renè Lussier e chitarristi acustici scuola Takoma come John Fahey e Robbie Basho, le sue musiche, le sue improvvisazioni si caratterizzano per uno stile unico e estremamente personale che però non è mai didascalico: sempre intenso, sempre lirico McAuley non copia mai da nessuno, neanche da se stesso.
Questo nuovo cd, seguito ideale del suo primo album da solista (“Gongfarmer 18″) è una ricca collezione di registrazioni da solista tratta da spettacoli live, registrazioni in studio e casalinghe e ben testimonia l’ampio spettro creativo e poetico di questo chitarrista. Siamo lontani anni luce da qualunque forma di protagonismo musicale mascherato da virtuosismi esasperati, ma se cercate tecniche non ortodosse, accordature aperte, una commistione continua di elementi jazz, blues, folk, elementi classici e contemporanei, questo disco fa per voi.
Molto bella la sua versione del “Saltarello” di Vincenzo Galilei. Uno dei dischi migliori del 2012.

Description: This is the second disc by this dynamic duo featuring Craig Green on electric guitars & electronics and the great Dave King (from Bad Plus, Happy Apple & Gang Font) on drums & organ. This is a spontaneously created duo recorded live in a studio with no overdubs involved. It begins quietly with Dave on ethereal organ and Craig on soft guitar, calmly drifting together. “The Best Western” sounds like a suspense-filled spaghetti western soundtrack with a slow marching groove. The somber, eerie vibe continues on “Blackwell Star Galactica” with more hypnotic organ, laid back mallet-work and ghost-like guitar swirls. The title track is long yet it deals more with mood than with solos, building slowly throughout until the guitar finally erupts in the last section. Both Craig and Dave get a solo piece each as well. The solo piece by Mr. Green consists of layers of drifting drones with some occasional spikes, transporting us to calm yet energized environment. The last piece is titled “1980’s ECM Records” and it does have the rich reverb sound that many ECM records of that era employed. In a blindfold test, one could easily guess Bill Frisell and Jack DeJohnette perhaps and be too far off. This piece works well and feels like a strong conclusion to a fine offering by these two gifted musicians. – Bruce Lee Gallanter, Downtown Music GalleryDescription: This is the second disc by this dynamic duo featuring Craig Green on electric guitars & electronics and the great Dave King (from Bad Plus, Happy Apple & Gang Font) on drums & organ. This is a spontaneously created duo recorded live in a studio with no overdubs involved. It begins quietly with Dave on ethereal organ and Craig on soft guitar, calmly drifting together. “The Best Western” sounds like a suspense-filled spaghetti western soundtrack with a slow marching groove. The somber, eerie vibe continues on “Blackwell Star Galactica” with more hypnotic organ, laid back mallet-work and ghost-like guitar swirls. The title track is long yet it deals more with mood than with solos, building slowly throughout until the guitar finally erupts in the last section. Both Craig and Dave get a solo piece each as well. The solo piece by Mr. Green consists of layers of drifting drones with some occasional spikes, transporting us to calm yet energized environment. The last piece is titled “1980’s ECM Records” and it does have the rich reverb sound that many ECM records of that era employed. In a blindfold test, one could easily guess Bill Frisell and Jack DeJohnette perhaps and be too far off. This piece works well and feels like a strong conclusion to a fine offering by these two gifted musicians. – Bruce Lee Gallanter, Downtown Music Gallery

Description: Featuring Jim McAuley on classical, steel-string, 12-string & slide acoustic guitars and dobro. LA-based guitarist Jim McAuley is a rare musician who bridges the gap between the extreme improvisations of Derek Bailey & Fred Frith and the more roots-oriented work of John Fahey & Leo Kottke. Considering Mr. McAuley has been playing for several decades, he has less than a half dozen discs out. He is member of the Acoustic Guitar Trio with Rod Poole & Nels Cline and has a superb duos 2 CD set (on Drip Audio) with Nels & Alex Cline, Leroy Jenkins and Ken Filiano. As far as I can tell this is McAuley’s second solo offering, his first being Gongfarmer 18 on Nine Winds.
‘Gongfarmer 36’ is a collection of solo pieces for a half dozen different acoustic guitars, some with preparations and a dobro. Some live, some studio, some select out-takes from previous sessions, all improvised. Each piece involves a different approach or strategy. This music is unique and sounds in-between categories. “Second Blooming” is blends intense free, near-flamenco flourishes with furiously paced waves of lines. “Blues for John Carter” (the late legendary clarinet giant) is an intense, harrowing dervish with a number of naked blues licks that evoke the slow dance of ghosts in a lonely graveyard. “Another November Night” is a stark, dark, hypnotic piece for fragile, bent strings altered with a tuning fork. Beyond haunting, scary actually. After listening closely to this disc a few times, I realize that the way one touches or caresses the strings makes the sound different, from ultra subtle to explosive and everything in between. Fragments of certain phrases have different effects on the listener and change depending on our mood or closeness of concentration. “Una Lunga Canzone” involves a series of related melodies or short scenes which are connected subliminally. “Joy Buzzer” features buzzing strings played or muted percussively. It is more about the texture of the sound that effects us. “The Eyes of Buddha” is for 12-string with a slide and it is an extraordinary work. McAuley gets the 12-string to sound like a harpsichord adding an elegant quality to an already mesmerizing epic. There have been dozens of solo acoustic discs released over the past decade (Jack Rose, James Blackshaw & Peter Walker). This disc should be placed near the top of that list! – Bruce Lee Gallanter, Downtown Music GalleryDescription: Featuring Jim McAuley on classical, steel-string, 12-string & slide acoustic guitars and dobro. LA-based guitarist Jim McAuley is a rare musician who bridges the gap between the extreme improvisations of Derek Bailey & Fred Frith and the more roots-oriented work of John Fahey & Leo Kottke. Considering Mr. McAuley has been playing for several decades, he has less than a half dozen discs out. He is member of the Acoustic Guitar Trio with Rod Poole & Nels Cline and has a superb duos 2 CD set (on Drip Audio) with Nels & Alex Cline, Leroy Jenkins and Ken Filiano. As far as I can tell this is McAuley’s second solo offering, his first being Gongfarmer 18 on Nine Winds.
‘Gongfarmer 36’ is a collection of solo pieces for a half dozen different acoustic guitars, some with preparations and a dobro. Some live, some studio, some select out-takes from previous sessions, all improvised. Each piece involves a different approach or strategy. This music is unique and sounds in-between categories. “Second Blooming” is blends intense free, near-flamenco flourishes with furiously paced waves of lines. “Blues for John Carter” (the late legendary clarinet giant) is an intense, harrowing dervish with a number of naked blues licks that evoke the slow dance of ghosts in a lonely graveyard. “Another November Night” is a stark, dark, hypnotic piece for fragile, bent strings altered with a tuning fork. Beyond haunting, scary actually. After listening closely to this disc a few times, I realize that the way one touches or caresses the strings makes the sound different, from ultra subtle to explosive and everything in between. Fragments of certain phrases have different effects on the listener and change depending on our mood or closeness of concentration. “Una Lunga Canzone” involves a series of related melodies or short scenes which are connected subliminally. “Joy Buzzer” features buzzing strings played or muted percussively. It is more about the texture of the sound that effects us. “The Eyes of Buddha” is for 12-string with a slide and it is an extraordinary work. McAuley gets the 12-string to sound like a harpsichord adding an elegant quality to an already mesmerizing epic. There have been dozens of solo acoustic discs released over the past decade (Jack Rose, James Blackshaw & Peter Walker). This disc should be placed near the top of that list! – Bruce Lee Gallanter, Downtown Music Gallery

E’ da diverso tempo che sto notando un curioso e singolare avvicinamento tra due mondi tra loro all’apparenza inconciliabili: la musica “colta” di chiara estrazione accademica e contemporanea e la musica d’avanguardia che proviene dai circuiti free jazz, hardcore e dalla downtown newyorkese.
Non so bene come, se per una forma di comune reazione a quelli che sono gli stimoli che impone una società globalizzata e massificata, o perché diversi musicisti si trovano per necessità o per impulso creativo a svolgere sia un ruolo di interpreti che di compositori, o perché quell’impulso all’improvvisazione, quella cosa che Boulez ha chiamato Alea con la “A” maiuscola in un comico tentativo di distinguerla e “nobilitarla” rispetto all’improvvisazione con “i” minuscola che sempre vive e si rinnova nell’ambito della più plebea musica popolare, sta sempre conquistando più consensi nella musica contemporanea, ma di fatto ascolto sempre più cose che potrebbero essere facilmente attribuite contemporaneamente a entrambi i due versanti della musica d’avanguardia.
Questo disco realizzato nel 2008 per la italianissima Long Song Records dal chitarrista Craig Green e dal batterista/pianista David King sembra inserirsi perfettamente in quanto scritto poco fa: il loro ottimo disco è un viaggio nella musica sperimentale che sta a cavallo tra i generi, un interessante crossover dove la chitarra aggressiva di Green fronteggia la potente e poliritmica batteria di King in un dialogo serrato che viene integrato dalle massicce dosi di elettronica gestite da Green e dal piano suonato da King.
In questa arena c’è spazio per tutto, i brani riflettono una inquieta tensione improvvisatoria ma si sente chiaramente che sono sorretti da impalcature strutturali ben definite e rigorose nei quali i musicisti si muovono a loro agio con rapidi ed efficaci cambiamenti di umore e di clima.
Davvero un bel lavoro, onore alla Long Song Records che sta costruendosi un catalogo di tutto rispetto!E’ da diverso tempo che sto notando un curioso e singolare avvicinamento tra due mondi tra loro all’apparenza inconciliabili: la musica “colta” di chiara estrazione accademica e contemporanea e la musica d’avanguardia che proviene dai circuiti free jazz, hardcore e dalla downtown newyorkese.
Non so bene come, se per una forma di comune reazione a quelli che sono gli stimoli che impone una società globalizzata e massificata, o perché diversi musicisti si trovano per necessità o per impulso creativo a svolgere sia un ruolo di interpreti che di compositori, o perché quell’impulso all’improvvisazione, quella cosa che Boulez ha chiamato Alea con la “A” maiuscola in un comico tentativo di distinguerla e “nobilitarla” rispetto all’improvvisazione con “i” minuscola che sempre vive e si rinnova nell’ambito della più plebea musica popolare, sta sempre conquistando più consensi nella musica contemporanea, ma di fatto ascolto sempre più cose che potrebbero essere facilmente attribuite contemporaneamente a entrambi i due versanti della musica d’avanguardia.
Questo disco realizzato nel 2008 per la italianissima Long Song Records dal chitarrista Craig Green e dal batterista/pianista David King sembra inserirsi perfettamente in quanto scritto poco fa: il loro ottimo disco è un viaggio nella musica sperimentale che sta a cavallo tra i generi, un interessante crossover dove la chitarra aggressiva di Green fronteggia la potente e poliritmica batteria di King in un dialogo serrato che viene integrato dalle massicce dosi di elettronica gestite da Green e dal piano suonato da King.
In questa arena c’è spazio per tutto, i brani riflettono una inquieta tensione improvvisatoria ma si sente chiaramente che sono sorretti da impalcature strutturali ben definite e rigorose nei quali i musicisti si muovono a loro agio con rapidi ed efficaci cambiamenti di umore e di clima.
Davvero un bel lavoro, onore alla Long Song Records che sta costruendosi un catalogo di tutto rispetto!

Una bella sorpresa questo Breaking News del chitarrista milanese Simone Massaron. Uno si affanna, cerca sempre qualcosa di nuovo, tiene sotto controllo per mesi e anni le vari avanguardie mondiali per poi scoprire che nella sonnacchiosa pianura padana si possono scoprire queste gemme musicali sorprendenti! E’ un disco curioso, dal suono abrasivo e a volte contorto, originalmente e intelligentemente “dazed and confused” che ti avvince fin dal primo ascolto e che si stratifica in nuove impressioni nei successivi passaggi sul piatto del lettore cd.
I nomi coinvolti sono tutti di assoluto prestigio e fanno in fretta a confermarsi con tranquilla sicurezza degli impareggiabili compagni di gioco e di viaggio: al sax tenore l’ispirato e energico Daniele Cavallanti, alla batteria i poliritmi del versatile Tiziano Tononi, al basso Steve Piccolo, già membro dei Lounge Lizards e cantante dalla voce scura e torbida che mi ricorda il migliore Tom Waits e alle chitarre, oltre al leader Massaron, che firma tutte le composizioni con l’eccezione della fogertyiana “Run Through the Jungle”, un nome di spicco direttamente dalla migliore scena downtown newyorchese: il camaleontico Elliott Sharp.
Un disco che odora di blues, di marching band alla New Orleans, di avanguardia sorniona e ispirata, di free rovente e catartico con le sei corde e il sax a duellare tra loro in intrecci vorticosi dove il suono viene sottoposto a spinte centrifughe passando con disinvoltura tra momenti di pura astrazione, passaggi dal sapore desertico, suggestivi richiami al Delta e furiose impennate di rock senza compromessi.
Ecco, un disco davvero senza compromessi ma senza le pesantezze di una certa avanguardia troppo spesso autoreferenziale e mai slegato dal piacere di un ascolto che si trasforma spesso in un gioco alla scoperta di quel passaggio, di quella frase, di quel “link” sonoro che ti porta a sorridere, a battere il piede ma anche a riflettere, a gustare, ad assaporare lentamente.
Un disco insolito … mi far venir voglia di ascoltarne di più.

Un punto in più per la qualità dir registrazione e per la scelta di aver messo le chitarre di Massaron sul canale sinistro e quella di Sharp sul destro: sentirli fare il call and response così in cuffia è vera goduria.Una bella sorpresa questo Breaking News del chitarrista milanese Simone Massaron. Uno si affanna, cerca sempre qualcosa di nuovo, tiene sotto controllo per mesi e anni le vari avanguardie mondiali per poi scoprire che nella sonnacchiosa pianura padana si possono scoprire queste gemme musicali sorprendenti! E’ un disco curioso, dal suono abrasivo e a volte contorto, originalmente e intelligentemente “dazed and confused” che ti avvince fin dal primo ascolto e che si stratifica in nuove impressioni nei successivi passaggi sul piatto del lettore cd.
I nomi coinvolti sono tutti di assoluto prestigio e fanno in fretta a confermarsi con tranquilla sicurezza degli impareggiabili compagni di gioco e di viaggio: al sax tenore l’ispirato e energico Daniele Cavallanti, alla batteria i poliritmi del versatile Tiziano Tononi, al basso Steve Piccolo, già membro dei Lounge Lizards e cantante dalla voce scura e torbida che mi ricorda il migliore Tom Waits e alle chitarre, oltre al leader Massaron, che firma tutte le composizioni con l’eccezione della fogertyiana “Run Through the Jungle”, un nome di spicco direttamente dalla migliore scena downtown newyorchese: il camaleontico Elliott Sharp.
Un disco che odora di blues, di marching band alla New Orleans, di avanguardia sorniona e ispirata, di free rovente e catartico con le sei corde e il sax a duellare tra loro in intrecci vorticosi dove il suono viene sottoposto a spinte centrifughe passando con disinvoltura tra momenti di pura astrazione, passaggi dal sapore desertico, suggestivi richiami al Delta e furiose impennate di rock senza compromessi.
Ecco, un disco davvero senza compromessi ma senza le pesantezze di una certa avanguardia troppo spesso autoreferenziale e mai slegato dal piacere di un ascolto che si trasforma spesso in un gioco alla scoperta di quel passaggio, di quella frase, di quel “link” sonoro che ti porta a sorridere, a battere il piede ma anche a riflettere, a gustare, ad assaporare lentamente.
Un disco insolito … mi far venir voglia di ascoltarne di più.

Un punto in più per la qualità dir registrazione e per la scelta di aver messo le chitarre di Massaron sul canale sinistro e quella di Sharp sul destro: sentirli fare il call and response così in cuffia è vera goduria.

Purtroppo questa registrazione resta l’ultima possibilità per ascoltare questi tre musicisti suonare / creare / giocare assieme: Rod Poole è stato assassinato nel 2007. Questo Vignes è la registrazione del concerto tenutosi a Los Angeles presso la Downtown Playhouse il 26 luglio del 2003 e il retro del cd cita orgogliosamente “This Music Is Improvised”. Tutti e tre i musicisti arrischiano avventurandosi in quel universo microtonale che il chitarrista britannico Rod Poole aveva esplorato ossessivamente, suonando su un strumento accordato in open tune e suonato con l’archetto di violino. Tutti e tre i musicisti non fanno parte di una tradizione musicale, avendo da tempo accantonato concetti come “genere musicale”. Beh sì, Cline è noto per la sua appartenenza ai Wilco, ma parlare di musica rock sarebbe un modo molto limitativo per descrivere il suo lavoro. McAuley ha un suono più folk, ma anche a lui questa categoria sta stretta. E Poole apparentemente viveva in un mondo tutto suo. “Vignes 1”, la prima lunga improvvisazione, comincia in modo calmo, in un modo piuttosto convenzionale, ma poi si trasforma in un pezzo ipnotico e strano, oscuro e luminoso dove struttura e ritmo vengono progressivamente abbandonate a favore dell’esplorazione nel suono puro, anche se non sempre riconoscibile, della chitarra. “Vignes 2” ritorna a una improvvisazione atonale, ma allo stesso tempo ritmica con sequenze incalzanti e ondivaghe. “Vignes 3” riporta l’Acustig Guitar trio su sentiri avventurosi, con Poole che suona l’arco sulle sue corde. Non suona come Jimmy Page, o Raoul Björkenheim, ma ha una qualità di suono stridente a volte quasi dolorosa, a volte bella che non lascia certamente indifferente.
Anche se questa musica non è certamente per tutti i gusti, le esplorazioni musicali del trio e le nuove prospettive offerte dalle loro chitarre acustiche meritano un ascolto circostanziato. Da italiano sono orgoglioso che sia stato inciso dall’etichetta Long Song Record.Unfortunately this recording is the last possibility to listen to these three musicians playing together: Rod Poole has been murdered in the 2007. This Vignes is the recording of the concert in Los Angeles to the Downtown Playhouse the 26th of July 2003 and in the back of the cd it’s proudly written “This Music Is Improvised.” All three musicians risk venturing themselves in the microtonal universe that the British guitarist Rod Poole had obsessively explored, playing on an open tuned instrument played with a violin’s bow. All three the musicians don’t belong to a musical tradition, having set aside from a long time concepts as “musical genre.” Well yes, Cline is known for being the guitarist of the Wilco, but saying he plays rock music would be a very limitative way to describe his job. McAuley has a more folk sound, but also this category doesn’t belong to him. And Poole apparently lived in a world of his own. “Vignes 1”, the first long improvisation, starts in calm way, in a rather conventional way, but then it changes into a hypnotic and strange, dark and bright piece where structure and rhythm are progressively remised for the exploration in pure sound, even if not always recognizable, of the guitar. “Vignes 2” returns to an atonal, but at the same time rhythmic improvisation with waving and dense sequences. “Vignes 3” brings the Acustic Guitar trio on adventurous paths, with Poole playing the bow on his strings. He doesn’t play as Jimmy Page or Raoul Björkenheim, but his sound has at times a sharp quality, almost painful, at times beautiful that doesn’t certainly leave indifferent.
Even if this music certainly is not for all the tastes, the musical explorations of the trio and the new perspectives offered by their acoustic guitars deserve a circumstantial listening and I am proud that has been produced by the Italian label Long Song Record