Gli amanti del blues più viscerale, fumoso e storto dedichino qualche minuto alle righe che seguono. Carla Bozulich non è italiana (città di nascita New York, Stati Uniti) ma italiani lo sono tutti gli altri nomi che partecipano a questo progetto. In primis il chitarrista Simone Massaron, qui alla sua seconda prova dopo l’esordio con “Breaking News” di tre anni fa, e con lui uno stuolo di validi musicisti circuitanti nella scena indie, avant e jazz del nostro Paese: da Zeno De Rossi (batteria, Vinicio Capossela), agli ex Afterhours Xabier Iriondo (chitarre e tahai metak, da alcuni anni alle prese con diversi progetti sperimentali come Uncode Duello, Polvere) e Andrea Viti (basso) – più organo, piano e cello che appaiono qua e là. La Bozulich dal canto suo è una delle regine della scena blues-sperimentale d’oltreoceano – gli amanti di sopra non si lascino scappare i suoi lavori più recenti: “Evangelista” e “Hello, Voyager”, quest’ultimo uscito a nome Evangelista – e la partecipazione a questo disco non può che essere per Massaron un vanto, soprattutto perché Dandelions on fire è un signor lavoro.

Rispetto alle uscite in proprio o a nome Evangelista, qui la Bozulich tiene quasi sempre a freno la sua vena più sperimentale a favore di un pugno di ballate piuttosto “rotonde” e tradizionali, sempre in bilico tra blues e folk, in cui però non mancano mai particolari raffinatezze o stravaganze che connotano i singoli brani. E d’altra parte tradizionale ma al contempo raffinato e personale è il chitarrismo di Massaron, che mette al servizio dei brani le sue corde una volta sferraglianti un’altra malinconicamente acustiche dando ad ogni traccia, grazie anche al contributo degli altri partecipanti, un profilo netto. Marziale e palpitante Never say your face, tenue e dal retrogusto mariachi (ma senza alcuna “messicaneria” di sorta) la title-track, odorante di praterie e crepuscoli Love me mine, languida ma via via sempre più nervosa The getaway man, dolceamara Here in the blue, fumosa e a suo modo circense My hometown.

Discorso a parte invece per Five dollar lottery, Baby, you so creepy e I saw him, che lungi dal voler apparire come canzoni fatte e finite sono in realtà vere e proprie improvvisazioni in cui vengono mischiati scampoli psichedelici, bassi geometrici, rumoristi di varia natura strumentale, vocalizzi e sospiri tra il mistico e il disperato, umori elettrici e ritmiche stentoree. Il risultato? Mai sopra le righe e anzi spesso di grande intensità. Stupefacente se non sapessimo chi è Carla Bozulich e se non cominciassimo ad intuire quanto di buono potrà venire ancora dalla chitarra di Simone Massaron.Gli amanti del blues più viscerale, fumoso e storto dedichino qualche minuto alle righe che seguono. Carla Bozulich non è italiana (città di nascita New York, Stati Uniti) ma italiani lo sono tutti gli altri nomi che partecipano a questo progetto. In primis il chitarrista Simone Massaron, qui alla sua seconda prova dopo l’esordio con “Breaking News” di tre anni fa, e con lui uno stuolo di validi musicisti circuitanti nella scena indie, avant e jazz del nostro Paese: da Zeno De Rossi (batteria, Vinicio Capossela), agli ex Afterhours Xabier Iriondo (chitarre e tahai metak, da alcuni anni alle prese con diversi progetti sperimentali come Uncode Duello, Polvere) e Andrea Viti (basso) – più organo, piano e cello che appaiono qua e là. La Bozulich dal canto suo è una delle regine della scena blues-sperimentale d’oltreoceano – gli amanti di sopra non si lascino scappare i suoi lavori più recenti: “Evangelista” e “Hello, Voyager”, quest’ultimo uscito a nome Evangelista – e la partecipazione a questo disco non può che essere per Massaron un vanto, soprattutto perché Dandelions on fire è un signor lavoro.

Rispetto alle uscite in proprio o a nome Evangelista, qui la Bozulich tiene quasi sempre a freno la sua vena più sperimentale a favore di un pugno di ballate piuttosto “rotonde” e tradizionali, sempre in bilico tra blues e folk, in cui però non mancano mai particolari raffinatezze o stravaganze che connotano i singoli brani. E d’altra parte tradizionale ma al contempo raffinato e personale è il chitarrismo di Massaron, che mette al servizio dei brani le sue corde una volta sferraglianti un’altra malinconicamente acustiche dando ad ogni traccia, grazie anche al contributo degli altri partecipanti, un profilo netto. Marziale e palpitante Never say your face, tenue e dal retrogusto mariachi (ma senza alcuna “messicaneria” di sorta) la title-track, odorante di praterie e crepuscoli Love me mine, languida ma via via sempre più nervosa The getaway man, dolceamara Here in the blue, fumosa e a suo modo circense My hometown.

Discorso a parte invece per Five dollar lottery, Baby, you so creepy e I saw him, che lungi dal voler apparire come canzoni fatte e finite sono in realtà vere e proprie improvvisazioni in cui vengono mischiati scampoli psichedelici, bassi geometrici, rumoristi di varia natura strumentale, vocalizzi e sospiri tra il mistico e il disperato, umori elettrici e ritmiche stentoree. Il risultato? Mai sopra le righe e anzi spesso di grande intensità. Stupefacente se non sapessimo chi è Carla Bozulich e se non cominciassimo ad intuire quanto di buono potrà venire ancora dalla chitarra di Simone Massaron.

Here’s an elegant idea brilliantly realized. Nicola Cipani is a pianist who scouted the New York City area for broken or untuned pianos to improvise on. The variety and intrigue of timbres he found at his fingertips is as exciting as you might hope for. Clusters splatter; melodies buzz and sputter; notes grunt instead of singing. Nicola strikes a great balance between the viscerality of timbral jump-cut action (think Kagel) and the milder thrills of elliptical phrases changing slope. Because it’s the keyboard being played, not the strings themselves, the music is much closer to the perverse percussive perambulations of prepared pianos in the Cowell, Cage, et al tradition, than the similarly popular tradition of piano-guts playing in the vein of Maroney, Neumann, et al. Having settled in Brooklyn and taken on an academic career after spending most of his life in his native Italy, where his early adult years were spent playing avant-leaning jazz, this disc is an overdue resumption of musical pursuits for a savvy and talented musician with no desire to be a redundant ivory tickler. Like horn players who develop idiosyncratic timbral vocabularies without abandoning the conventional physicality of their instrument and its attendant resources of ingrained melodic and rhythmic intuition, Nicola avoids both extremes in the continuum from banality to abstraction. The secret of improvisation is avoiding cliches; the unique states of disrepair of these pianos virtually guarantee success, but Nicola’s phrasing is so precise and nuanced that the music goes a lot deeper than timbral novelty. Just like the man who made it, the music is endlessly clever, astute, and playful. Sometimes I get burned out on piano music, but this disc proves how incredible the instrument can be when it’s not limited to the same 12 notes and the same clean attacks and decays. Bravo to the new and promising Italian label Long Song Records for sharing a distinctive gem deserving to be heard.Here’s an elegant idea brilliantly realized. Nicola Cipani is a pianist who scouted the New York City area for broken or untuned pianos to improvise on. The variety and intrigue of timbres he found at his fingertips is as exciting as you might hope for. Clusters splatter; melodies buzz and sputter; notes grunt instead of singing. Nicola strikes a great balance between the viscerality of timbral jump-cut action (think Kagel) and the milder thrills of elliptical phrases changing slope. Because it’s the keyboard being played, not the strings themselves, the music is much closer to the perverse percussive perambulations of prepared pianos in the Cowell, Cage, et al tradition, than the similarly popular tradition of piano-guts playing in the vein of Maroney, Neumann, et al. Having settled in Brooklyn and taken on an academic career after spending most of his life in his native Italy, where his early adult years were spent playing avant-leaning jazz, this disc is an overdue resumption of musical pursuits for a savvy and talented musician with no desire to be a redundant ivory tickler. Like horn players who develop idiosyncratic timbral vocabularies without abandoning the conventional physicality of their instrument and its attendant resources of ingrained melodic and rhythmic intuition, Nicola avoids both extremes in the continuum from banality to abstraction. The secret of improvisation is avoiding cliches; the unique states of disrepair of these pianos virtually guarantee success, but Nicola’s phrasing is so precise and nuanced that the music goes a lot deeper than timbral novelty. Just like the man who made it, the music is endlessly clever, astute, and playful. Sometimes I get burned out on piano music, but this disc proves how incredible the instrument can be when it’s not limited to the same 12 notes and the same clean attacks and decays. Bravo to the new and promising Italian label Long Song Records for sharing a distinctive gem deserving to be heard.

Une fois n’est pas coutume, notre coup de coeur prend la direction d’un double disque qui n’est pas exempt de défauts – mais y a-t-il des disques “parfaits” ? La faute à un groupe qui tente, qui essaie, qui tâtonne et qui le plus souvent touche au but. Après l’Indigo 4 de Gianluca Petrella, voici venu le quartette Technicolor de Giovanni Maier. Contrebassiste italien qui a escorté Enrico Rava et Cecil Taylor, son projet tout de scaphandriers vêtu se fragmente en deux disques aux tenants et aboutissants bien distincts. Le premier, “A Turtle Soup”, s’aventure dans le psychédélisme, marqué au fer noir par un groove sombre et hivernal ponctué de montagnes russo-transalpines. Il voit s’affronter les deux excellents claviers du quartette dans un remake nourri aux amphétamines du duel John Medeski/Matthew Shipp (un Prometus martial ou un redoutable San Giovanni). Le second, “Featuring Marc Ribot” se présente sous les atours d’une confrontation entre deux invités : à ma gauche Marc Ribot, à ma droite Simone Massaron. Effet décoiffant garanti. Rock, expérimental, bruitiste, cha-cha-cha (Old File), Giovanni Maier n’a aucun tabou et s’y autorise des breaks tout droit sortis d’une kermesse spatiale (Segovia). Les guitares de ses invités ne se gênent pas pour accentuer ce versant futuriste : sur El Matador, elles crient comme des saxophones. Tout l’intérêt de ce double disque réside dans cette addition magnanime de débats dichotomiques, d’équations à deux inconnus ponctués de bruits nomades, de rythmes binaires triturés jusqu’à perdre de leur systématicité. Certes on y trouve à boire (des riffs aux hormones), à manger (un génial Ribot sur This Is My Voice) pour des semaines et des semaines, mais l’occasion est trop belle de faire des provisions en pouvoir d’élasticité des écoutilles avec ce double album jouissif et transgressif.Une fois n’est pas coutume, notre coup de coeur prend la direction d’un double disque qui n’est pas exempt de défauts – mais y a-t-il des disques “parfaits” ? La faute à un groupe qui tente, qui essaie, qui tâtonne et qui le plus souvent touche au but. Après l’Indigo 4 de Gianluca Petrella, voici venu le quartette Technicolor de Giovanni Maier. Contrebassiste italien qui a escorté Enrico Rava et Cecil Taylor, son projet tout de scaphandriers vêtu se fragmente en deux disques aux tenants et aboutissants bien distincts. Le premier, “A Turtle Soup”, s’aventure dans le psychédélisme, marqué au fer noir par un groove sombre et hivernal ponctué de montagnes russo-transalpines. Il voit s’affronter les deux excellents claviers du quartette dans un remake nourri aux amphétamines du duel John Medeski/Matthew Shipp (un Prometus martial ou un redoutable San Giovanni). Le second, “Featuring Marc Ribot” se présente sous les atours d’une confrontation entre deux invités : à ma gauche Marc Ribot, à ma droite Simone Massaron. Effet décoiffant garanti. Rock, expérimental, bruitiste, cha-cha-cha (Old File), Giovanni Maier n’a aucun tabou et s’y autorise des breaks tout droit sortis d’une kermesse spatiale (Segovia). Les guitares de ses invités ne se gênent pas pour accentuer ce versant futuriste : sur El Matador, elles crient comme des saxophones. Tout l’intérêt de ce double disque réside dans cette addition magnanime de débats dichotomiques, d’équations à deux inconnus ponctués de bruits nomades, de rythmes binaires triturés jusqu’à perdre de leur systématicité. Certes on y trouve à boire (des riffs aux hormones), à manger (un génial Ribot sur This Is My Voice) pour des semaines et des semaines, mais l’occasion est trop belle de faire des provisions en pouvoir d’élasticité des écoutilles avec ce double album jouissif et transgressif.