È animato da un continuo gioco a due questo incontro milanese tra Nels Cline (Wilco) e Elliott Sharp, chitarristi per i quali il rigore e la fantasia si sfidano in un nodo continuo. Due musicisti, due individualità, due aspetti, quello acustico e quello elettrico, salomonicamente suddivisi tra le due “facciate” ideali del disco, che si specchiano in un inseguirsi di sfumature. La parte acustica è accesa di blues, di arpeggi, di dna avant-folk, mentre quella elettrica immerge in una sorta di magma scuro, facendo perdere punti di riferimento a favore di una forza melodica visionaria e a tratti struggente.È animato da un continuo gioco a due questo incontro milanese tra Nels Cline (Wilco) e Elliott Sharp, chitarristi per i quali il rigore e la fantasia si sfidano in un nodo continuo. Due musicisti, due individualità, due aspetti, quello acustico e quello elettrico, salomonicamente suddivisi tra le due “facciate” ideali del disco, che si specchiano in un inseguirsi di sfumature. La parte acustica è accesa di blues, di arpeggi, di dna avant-folk, mentre quella elettrica immerge in una sorta di magma scuro, facendo perdere punti di riferimento a favore di una forza melodica visionaria e a tratti struggente.

Nel marzo 2006 i chitarristi Nels Cline ed Elliott Sharp si incontrano in studio e cominciano a registrare delle improvvisazioni acustiche ed elettriche. Dei due quello che conosco meglio, come credo molti di voi, è Nels Cline, chitarrista attuale dei Wilco di JeffTweedy e soggetto attivo nel suono della band. Di entrambi conosco la passione per il jazz e per l’improvvisazione pura, Cline ha una formazione più rock-blues (Duane Allmann è uno dei suoi favoriti), Sharp è più uno sperimentatore, uno che cerca soluzioni estreme e fuori dagli schemi. “Duo Milano” è il risultato di questo incontro (speriamo non sia unico), cinque brani acustici e altrettanti elettrici, un viaggio avventuroso e senza limiti tra i meandri della sei corde, un percorso che presuppone un’ottima tecnica sullo strumento e una buona intesa tra le due anime che si  trovano, una di fronte all’altra, in uno spazio ristretto e  intimo come quello dello studio. E le corde delle chitarre     non vengono solo fatte suonare, ma anche percosse, pizzicate, tirate, stimolate e chissa quanto altro non riusciamo a percepire. Non nascondiamoci che “Duo Milano” è un disco impervio e non addomesticato, invenzione sonora che si dispiega alle nostre orecchie dopo svariati e attenti ascolti, un peregrinare coraggioso oltre il comune sentire musicale che può rappresentare una breccia di evasione e un diversivo da quello che siamo abituati e che ci piace ascoltare normalmente. Atipico e stimolante.Nel marzo 2006 i chitarristi Nels Cline ed Elliott Sharp si incontrano in studio e cominciano a registrare delle improvvisazioni acustiche ed elettriche. Dei due quello che conosco meglio, come credo molti di voi, è Nels Cline, chitarrista attuale dei Wilco di JeffTweedy e soggetto attivo nel suono della band. Di entrambi conosco la passione per il jazz e per l’improvvisazione pura, Cline ha una formazione più rock-blues (Duane Allmann è uno dei suoi favoriti), Sharp è più uno sperimentatore, uno che cerca soluzioni estreme e fuori dagli schemi. “Duo Milano” è il risultato di questo incontro (speriamo non sia unico), cinque brani acustici e altrettanti elettrici, un viaggio avventuroso e senza limiti tra i meandri della sei corde, un percorso che presuppone un’ottima tecnica sullo strumento e una buona intesa tra le due anime che si  trovano, una di fronte all’altra, in uno spazio ristretto e  intimo come quello dello studio. E le corde delle chitarre     non vengono solo fatte suonare, ma anche percosse, pizzicate, tirate, stimolate e chissa quanto altro non riusciamo a percepire. Non nascondiamoci che “Duo Milano” è un disco impervio e non addomesticato, invenzione sonora che si dispiega alle nostre orecchie dopo svariati e attenti ascolti, un peregrinare coraggioso oltre il comune sentire musicale che può rappresentare una breccia di evasione e un diversivo da quello che siamo abituati e che ci piace ascoltare normalmente. Atipico e stimolante.

Does the world really another trio interpretation of Thelonious Monk’s music? Well, take one look at the personnel involved here, and you’ll Know this isn’t simply another stab at revivalist orthodoxy. Bassist Devin Hoff, drummer Scott Amendola, and clarinetist Ben Goldberg have worked together and separately in many of the Bay Area’s most interesting groups (Hoff and Amendola are two thirds of the Nels Cline Singers; Goldberg is the newest member in the Tin Hat ensemble) and each is a strong band leader in his own right. They’ve also participated in two of
the more intriguing recent homages to jazz masters. All three were members of New Monastery, Nels Cline’s recent homage to Andrew Hill; and Hoff was the bassist on The Door, the Hat, the Chair, the Fact, Goldberg’s tribute to Steve Lacy. Goldberg’s musings on Monk’s music published on the band’s Web site sums up the trio’s approach nicely. “Each song is a unique parable of form, timing, concision, and motion. The musician who investigates this material finds, additionally, a series of interlocking meditations on the fundamentals of melody, harmony, rhythm, and form.” They zero in on Monk’s propulsive motion, angular melodic contours, and skewed sense of time. Rather than attack the heads and then string out a series of solos, they use the melodies as structures for weaving collective improvisation. At any point, any of the members may take the lead. Goldberg’s snaking clarinet may voice the theme which gets shadowed by Hoff’s driving bass. But then Amendola’s tuned drums can step forth to shift focus to the tumbling rhythms as bass and clarinet bubble underneath. Navigating their way through a tunes like “Work,” “Green Chimneys,” or “Four in One,” the improvisations use the forms as a framework for explorations that edge toward freedom without loosing the thread of the melody. Other pieces like “Reflections” or “Skippy” are based on melodic extrapolation. With all pieces in the two to five minute range, the interactions are stripped of excess, while still displaying a relaxed spontaneity. Amendola, Goldberg, and Hoff make the most of Monks book, distilling the essence of the music while making it uniquely their own.Does the world really another trio interpretation of Thelonious Monk’s music? Well, take one look at the personnel involved here, and you’ll Know this isn’t simply another stab at revivalist orthodoxy. Bassist Devin Hoff, drummer Scott Amendola, and clarinetist Ben Goldberg have worked together and separately in many of the Bay Area’s most interesting groups (Hoff and Amendola are two thirds of the Nels Cline Singers; Goldberg is the newest member in the Tin Hat ensemble) and each is a strong band leader in his own right. They’ve also participated in two of
the more intriguing recent homages to jazz masters. All three were members of New Monastery, Nels Cline’s recent homage to Andrew Hill; and Hoff was the bassist on The Door, the Hat, the Chair, the Fact, Goldberg’s tribute to Steve Lacy. Goldberg’s musings on Monk’s music published on the band’s Web site sums up the trio’s approach nicely. “Each song is a unique parable of form, timing, concision, and motion. The musician who investigates this material finds, additionally, a series of interlocking meditations on the fundamentals of melody, harmony, rhythm, and form.” They zero in on Monk’s propulsive motion, angular melodic contours, and skewed sense of time. Rather than attack the heads and then string out a series of solos, they use the melodies as structures for weaving collective improvisation. At any point, any of the members may take the lead. Goldberg’s snaking clarinet may voice the theme which gets shadowed by Hoff’s driving bass. But then Amendola’s tuned drums can step forth to shift focus to the tumbling rhythms as bass and clarinet bubble underneath. Navigating their way through a tunes like “Work,” “Green Chimneys,” or “Four in One,” the improvisations use the forms as a framework for explorations that edge toward freedom without loosing the thread of the melody. Other pieces like “Reflections” or “Skippy” are based on melodic extrapolation. With all pieces in the two to five minute range, the interactions are stripped of excess, while still displaying a relaxed spontaneity. Amendola, Goldberg, and Hoff make the most of Monks book, distilling the essence of the music while making it uniquely their own.

Accomunati da un’attività ultratrentennale nel segno di una ‘ricerca’ che li ha portati ad operare nei territori di quell’avanaguardia che fin troppo spesso viene ignorata dall’informazione musicale ‘tradizionale’, Elliott Sharp e Nels Cline uniscono le loro forze – e le loro chitarre – in questo progetto, nato sotto l’egida della milanese Long Song Records, che grazie al recente accorto con Audioglobe sta cercando di dare maggiore visibilità alla propria azione nel campo della ‘musica di frontiera’. Due’ lati’ , uno acustico e l’altro elettrico, due diverse dimensioni di suoni e umori, accomunate dal filo conduttore di una obliquità tutto sommato prevedibile per un disco di avanguardia che si va però a sommare con l’affascinante imprevedibilità del loro svolgimento. Nei primi cinque pezzi, dunque spazio a sonorità nude, strutture ridotte all’osso, arpeggi appena accennati, nel segno di un andamento ipersincopato prodotto dalla continua alternanza tra suoni e silenzi. Improvvisi scatti frenetici, o rallentamenti enigmatici, sprazzi dal sapore ispanico o repentini decadimenti, nel segno del crepitare delle corde roventi. Un crepitio che nella seconda parte del disco si fa elettrico, coi suoni che si dilatano e l’atmosfera che, seppur ugualmente rarefatta si riempie di rumori di fondo, di scariche elettriche, e acuti lancinanti. Se nel primo tempo il fondale silenzioso forniva in un certo senso un ‘appoggio rassicurante’ all’ascolto, in questa seconda parte un susseguirsi di boati, di scricchiolii da ingranaggio anchilosato, di echi riverberati cosparge i brani di una crescente inquietudine, togliendo punti di riferimento e gettando l’ascoltatore in una nebbia sonora nella qualche si muovono figure indistinte, ma poco rassicuranti, fino a immergerlo in un liquido dalla vischiosità magmatica. Alla fine della sua corsa, “Duo Milano” avrà probabilmente già assistito alla fuga degli ascoltatori meno avvezzi a tali ambienti e con meno voglia di ‘osare’, mentre gli altri si saranno volentieri lasciati immergere in questa colata lavica, fino al suo raffreddarsi.Accomunati da un’attività ultratrentennale nel segno di una ‘ricerca’ che li ha portati ad operare nei territori di quell’avanaguardia che fin troppo spesso viene ignorata dall’informazione musicale ‘tradizionale’, Elliott Sharp e Nels Cline uniscono le loro forze – e le loro chitarre – in questo progetto, nato sotto l’egida della milanese Long Song Records, che grazie al recente accorto con Audioglobe sta cercando di dare maggiore visibilità alla propria azione nel campo della ‘musica di frontiera’. Due’ lati’ , uno acustico e l’altro elettrico, due diverse dimensioni di suoni e umori, accomunate dal filo conduttore di una obliquità tutto sommato prevedibile per un disco di avanguardia che si va però a sommare con l’affascinante imprevedibilità del loro svolgimento. Nei primi cinque pezzi, dunque spazio a sonorità nude, strutture ridotte all’osso, arpeggi appena accennati, nel segno di un andamento ipersincopato prodotto dalla continua alternanza tra suoni e silenzi. Improvvisi scatti frenetici, o rallentamenti enigmatici, sprazzi dal sapore ispanico o repentini decadimenti, nel segno del crepitare delle corde roventi. Un crepitio che nella seconda parte del disco si fa elettrico, coi suoni che si dilatano e l’atmosfera che, seppur ugualmente rarefatta si riempie di rumori di fondo, di scariche elettriche, e acuti lancinanti. Se nel primo tempo il fondale silenzioso forniva in un certo senso un ‘appoggio rassicurante’ all’ascolto, in questa seconda parte un susseguirsi di boati, di scricchiolii da ingranaggio anchilosato, di echi riverberati cosparge i brani di una crescente inquietudine, togliendo punti di riferimento e gettando l’ascoltatore in una nebbia sonora nella qualche si muovono figure indistinte, ma poco rassicuranti, fino a immergerlo in un liquido dalla vischiosità magmatica. Alla fine della sua corsa, “Duo Milano” avrà probabilmente già assistito alla fuga degli ascoltatori meno avvezzi a tali ambienti e con meno voglia di ‘osare’, mentre gli altri si saranno volentieri lasciati immergere in questa colata lavica, fino al suo raffreddarsi.

Plays Monk – freejazz-stef.blogspot.comOne of the essential elements in great music is the enthusiasm of the musicians. If they’re not 100% behind what they’re playing, then why would you care as a listener? There are moments when musicians excell at bringing this enthusiasm with the material across very well, and this CD is an example in case. "Plays Monk" consists of Scott Amendola on drums, Ben Goldberg on clarinet and Devin Hoff on bass, and they bring ten pieces by Monk. And what these guys do, is absolutely fabulous : the rhythm section is re-creating the tunes all by themselves, hard-hitting and very creative and modern with Monk’s material, while Goldberg is trying to keep the original melodies intact, and lifting them even to unknown territory, his clarinet as fast as the right hand of the absent piano-player. Especially Amendola is fierce at times and Hoff’s bass is more often "running" rather than "walking ", because they turn the tempo a notch higher than on the originals. The band’s objective is to find the depth and breadth of Monk’s music and they do it well, "… always aiming for the distilled truth of the music”, as they say themselves. This is indeed music stripped to its barest essence : melody, harmony, rhythm and interplay. And the material is great, and the musicians are great. Pure joy, pure fun! What more do you want?

Plays Monk – freejazz-stef.blogspot.comOne of the essential elements in great music is the enthusiasm of the musicians. If they’re not 100% behind what they’re playing, then why would you care as a listener? There are moments when musicians excell at bringing this enthusiasm with the material across very well, and this CD is an example in case. "Plays Monk" consists of Scott Amendola on drums, Ben Goldberg on clarinet and Devin Hoff on bass, and they bring ten pieces by Monk. And what these guys do, is absolutely fabulous : the rhythm section is re-creating the tunes all by themselves, hard-hitting and very creative and modern with Monk’s material, while Goldberg is trying to keep the original melodies intact, and lifting them even to unknown territory, his clarinet as fast as the right hand of the absent piano-player. Especially Amendola is fierce at times and Hoff’s bass is more often "running" rather than "walking ", because they turn the tempo a notch higher than on the originals. The band’s objective is to find the depth and breadth of Monk’s music and they do it well, "… always aiming for the distilled truth of the music”, as they say themselves. This is indeed music stripped to its barest essence : melody, harmony, rhythm and interplay. And the material is great, and the musicians are great. Pure joy, pure fun! What more do you want?

Plays Monk – freejazz-stef.blogspot.comOne of the essential elements in great music is the enthusiasm of the musicians. If they’re not 100% behind what they’re playing, then why would you care as a listener? There are moments when musicians excell at bringing this enthusiasm with the material across very well, and this CD is an example in case. "Plays Monk" consists of Scott Amendola on drums, Ben Goldberg on clarinet and Devin Hoff on bass, and they bring ten pieces by Monk. And what these guys do, is absolutely fabulous : the rhythm section is re-creating the tunes all by themselves, hard-hitting and very creative and modern with Monk’s material, while Goldberg is trying to keep the original melodies intact, and lifting them even to unknown territory, his clarinet as fast as the right hand of the absent piano-player. Especially Amendola is fierce at times and Hoff’s bass is more often "running" rather than "walking ", because they turn the tempo a notch higher than on the originals. The band’s objective is to find the depth and breadth of Monk’s music and they do it well, "… always aiming for the distilled truth of the music”, as they say themselves. This is indeed music stripped to its barest essence : melody, harmony, rhythm and interplay. And the material is great, and the musicians are great. Pure joy, pure fun! What more do you want?Why does it seem that the bands without pianists seem to be producing the best current interpretations of Monk material?

Last year we had Ben Riley’s gem, and now, (Plays Monk) – this thought provoking beauty – features the unlikely amalgamation of drummer Scott Amendola mixing it up with clarinetist Ben Goldberg and bassist Devin Hoff.

Wisely, this trio doesn’t try to “recreate” the sound of Monk’s music; more often they take the melodies of these lesser known songs from the Monk canon and take them to the next idiosyncratic step. For instance, Goldberg’s mid and lower ranged foray on “Reflections” perfectly captures the ponderously pensive mood. Amendola and Hoff furtively create a bustled rhythm on “Little Rootie Tootie,” while Goldberg restrains the melody by playing restrained and held back loopy notes.

The tension between these two forces is joyfully palpable. The band is also able to reach the out layers of Monk’s cerebellum, as on the wild and wooly “Teo” and “Four In One.”Hoff’s bass work on the latter is a roller coaster ride in itself. The idea of taking off road excursions with Monk’s vehicle was a smart concept, and these guys do some remarkable ATVing with it.Plays Monk – freejazz-stef.blogspot.comOne of the essential elements in great music is the enthusiasm of the musicians. If they’re not 100% behind what they’re playing, then why would you care as a listener? There are moments when musicians excell at bringing this enthusiasm with the material across very well, and this CD is an example in case. "Plays Monk" consists of Scott Amendola on drums, Ben Goldberg on clarinet and Devin Hoff on bass, and they bring ten pieces by Monk. And what these guys do, is absolutely fabulous : the rhythm section is re-creating the tunes all by themselves, hard-hitting and very creative and modern with Monk’s material, while Goldberg is trying to keep the original melodies intact, and lifting them even to unknown territory, his clarinet as fast as the right hand of the absent piano-player. Especially Amendola is fierce at times and Hoff’s bass is more often "running" rather than "walking ", because they turn the tempo a notch higher than on the originals. The band’s objective is to find the depth and breadth of Monk’s music and they do it well, "… always aiming for the distilled truth of the music”, as they say themselves. This is indeed music stripped to its barest essence : melody, harmony, rhythm and interplay. And the material is great, and the musicians are great. Pure joy, pure fun! What more do you want?Why does it seem that the bands without pianists seem to be producing the best current interpretations of Monk material?

Last year we had Ben Riley’s gem, and now, (Plays Monk) – this thought provoking beauty – features the unlikely amalgamation of drummer Scott Amendola mixing it up with clarinetist Ben Goldberg and bassist Devin Hoff.

Wisely, this trio doesn’t try to “recreate” the sound of Monk’s music; more often they take the melodies of these lesser known songs from the Monk canon and take them to the next idiosyncratic step. For instance, Goldberg’s mid and lower ranged foray on “Reflections” perfectly captures the ponderously pensive mood. Amendola and Hoff furtively create a bustled rhythm on “Little Rootie Tootie,” while Goldberg restrains the melody by playing restrained and held back loopy notes.

The tension between these two forces is joyfully palpable. The band is also able to reach the out layers of Monk’s cerebellum, as on the wild and wooly “Teo” and “Four In One.”Hoff’s bass work on the latter is a roller coaster ride in itself. The idea of taking off road excursions with Monk’s vehicle was a smart concept, and these guys do some remarkable ATVing with it.

Featuring Ben Goldberg on clarinet, Devin Hoff on bass and Scott Amendola on drums & production. Devin Hoff and Scott Amendola are the great rhythm team for the Nels Cline Singers. Devin, Scott & clarinet wiz, Ben Goldberg, are also members of Nels Cline’s New Monastery / Andrew Hill project. On this rich offering, the trio plays ten Thelonius Monk compositions in their own quirky way. “Skippy” is taken at a brisk tempo and has an infectious, happy vibe. Very nice to hear this trio playing a few of the rarer Monk tunes like “Shuffle Boil” and “Boo Boo’s Birthday”. What makes this disc so fine is the way the trio plays these tunes, all of which were written at and often feature a piano at the center. With spirited versions of “Little Rootie Tootie”, “Four in One” and “Teo”, how can they go wrong? An excellent offering. – BLGFeaturing Ben Goldberg on clarinet, Devin Hoff on bass and Scott Amendola on drums & production. Devin Hoff and Scott Amendola are the great rhythm team for the Nels Cline Singers. Devin, Scott & clarinet wiz, Ben Goldberg, are also members of Nels Cline’s New Monastery / Andrew Hill project. On this rich offering, the trio plays ten Thelonius Monk compositions in their own quirky way. “Skippy” is taken at a brisk tempo and has an infectious, happy vibe. Very nice to hear this trio playing a few of the rarer Monk tunes like “Shuffle Boil” and “Boo Boo’s Birthday”. What makes this disc so fine is the way the trio plays these tunes, all of which were written at and often feature a piano at the center. With spirited versions of “Little Rootie Tootie”, “Four in One” and “Teo”, how can they go wrong? An excellent offering. – BLG

Duo Milano is a wonderfully relaxed and companionable encounter between Nels Cline and Elliott Sharp, with five short acoustic guitar duets and five longer tracks featuring electric guitar. Listening to it is like eavesdropping on a conversation which flows easily from one favorite touchstone to another, from Derek Bailey to bottleneck blues, from melting rock balladry to aching Middle Eastern melismas. Though it’s freely improvised, the music always feels strongly grounded – often through persistent drones or the long, throbbing sustains created by Sharp’s eBow. On the acoustic tracks, phrases slide back and forth easily between the guitarists without a break – there’s a welcome absence of the jumpy musical ping-pong that ruins a lot of free improv. Snapping string-percussion gives the improvisations a lively, irregular rhythm, though the guitarists at times dally to search out entire worlds of expression in the small bends and twists of a single note. The electric tracks are less intimate in feeling, more mediated and soundscaped: “Bludget”, for instance, is a grainy, distortion-drenched vista where slow melodies stick out like Olympian peaks; on “Acetylene Panorama”, by contrast, even melody gets sucked into a black hole. The best tracks, though, are the avant-blues epic “Mutha Blooter”, and “Fingernests”, where Sharp’s trademark fret-tapping at verges on mutant bluegrass.Duo Milano is a wonderfully relaxed and companionable encounter between Nels Cline and Elliott Sharp, with five short acoustic guitar duets and five longer tracks featuring electric guitar. Listening to it is like eavesdropping on a conversation which flows easily from one favorite touchstone to another, from Derek Bailey to bottleneck blues, from melting rock balladry to aching Middle Eastern melismas. Though it’s freely improvised, the music always feels strongly grounded – often through persistent drones or the long, throbbing sustains created by Sharp’s eBow. On the acoustic tracks, phrases slide back and forth easily between the guitarists without a break – there’s a welcome absence of the jumpy musical ping-pong that ruins a lot of free improv. Snapping string-percussion gives the improvisations a lively, irregular rhythm, though the guitarists at times dally to search out entire worlds of expression in the small bends and twists of a single note. The electric tracks are less intimate in feeling, more mediated and soundscaped: “Bludget”, for instance, is a grainy, distortion-drenched vista where slow melodies stick out like Olympian peaks; on “Acetylene Panorama”, by contrast, even melody gets sucked into a black hole. The best tracks, though, are the avant-blues epic “Mutha Blooter”, and “Fingernests”, where Sharp’s trademark fret-tapping at verges on mutant bluegrass.

Chi ricorda la stagione lisergica di fine anni ’60 e la tossicità delle produzioni dell’epoca non avrà difficoltà nel ritrovare le stesse atmosfere narcotiche anche in questo ‘Dandelions On Fire’.
Il magnetismo della Bozulich era indicativamente già noto ai più ma la stoffa chitarristica di Massaron pur non essendo altrettanto diffusa, conferma, oltre ad un’indiscussa perizia, una gradita inclinazione verso quel blues intenso ed ansiogeno che sempre abilmente si lascia contaminare dalle improvvisazioni rumoristiche dell’ormai onnipresente Xabier Iriondo. L’intero disco corre su due binari distinti. Cinque brani , inclusa la title track, dagli accordi malinconici e avvolgenti, che spesso rievocano la classicità blues dei canti di lavoro e un’anima intimamente jazz. I restanti quattro brani, i più lunghi, al contrario recidono totalmente l’assetto melodico, esplodendo in composizioni noise che sanno di inferno, pulsione erotica e LSD.
Dunque l’aspetto del blues più immorale, più alcolico e disonesto che si contrappone a ballate folk gentili e delicate animate dalla penna della Bozulich, per ritrovarsi di fronte la nobiltà di un disco di una bellezza disarmante.Chi ricorda la stagione lisergica di fine anni ’60 e la tossicità delle produzioni dell’epoca non avrà difficoltà nel ritrovare le stesse atmosfere narcotiche anche in questo ‘Dandelions On Fire’.
Il magnetismo della Bozulich era indicativamente già noto ai più ma la stoffa chitarristica di Massaron pur non essendo altrettanto diffusa, conferma, oltre ad un’indiscussa perizia, una gradita inclinazione verso quel blues intenso ed ansiogeno che sempre abilmente si lascia contaminare dalle improvvisazioni rumoristiche dell’ormai onnipresente Xabier Iriondo. L’intero disco corre su due binari distinti. Cinque brani , inclusa la title track, dagli accordi malinconici e avvolgenti, che spesso rievocano la classicità blues dei canti di lavoro e un’anima intimamente jazz. I restanti quattro brani, i più lunghi, al contrario recidono totalmente l’assetto melodico, esplodendo in composizioni noise che sanno di inferno, pulsione erotica e LSD.
Dunque l’aspetto del blues più immorale, più alcolico e disonesto che si contrappone a ballate folk gentili e delicate animate dalla penna della Bozulich, per ritrovarsi di fronte la nobiltà di un disco di una bellezza disarmante.

Technicolor è l’ultimo progetto di Giovanni Mayer, apprezzato contrabbassista noto per aver a lungo militato nel quintetto elettrico di Enrico Rava e per aver partecipato, tra gli altri progetti, alla Italian Instable Orchestra. In questa occasione torna a imbracciare il basso elettrico, suo ‘amore di gioventù’, in un quartetto nel quale alla sezione ritmica completata dalla consueta batteria (dietro alla quale siede Zeno De Rossi) si affiancano due tastiere, con Giorgio Pacoring a occuparsi di Rhodes, farfisa e piano elettrico e Alfonso Santimone che, oltre che degli strumenti pi’tradizionali’, gestisce anche laptop e samples.
Quasi due progetti separati: il primo per ordine di importanza (ma la cui registrazione è più recente) reca già nel titolo il motivo del ‘diritto di precedenza’: “Featuring Marc Ribot” vede infatti il quartetto accogliere nelle sue fila uno dei maggiori esponenti della chitarra rock d’avanguardia, e insieme a lui Simone Massaron, altro sperimentatore che ha già avuto modo di farsi conoscere, anche attraverso i progetti curati dalla stessa Longsong.
Le dieci composizioni di “Featuring…” danno vita a un disco che, nelle sue sperimentazioni, conserva immediatezza di impatto e comunicazione con l’ascoltatore fin dall’incipit, uno smodato jazz-rock dal finale quasi ludico, per poi proseguire attraverso rarefazioni, esplosioni acide, parentesi prog e tratti impervi, resi accidentati dalle sincopi chitarristiche di Ribot e Massaron, cui il resto dell’ensemble cede volentieri il proscenio, riservandosi il ruolo, meno appariscente, di fornire una direzione al proseguimento del tragitto. Su scenari più congeniali anche ai meno avvezzi alla sperimentazione, si aprono improvvisamente finestre su panorami di avanguardia, in modo (e questo è il maggiore pregio del disco) assolutamente non traumatico e indolore, tanto da far ritrovare l’ascoltatore in territori più impervi quasi senza che esso se ne accorga.
Con il secondo cd, “Turtle Soup”, si risale invece al nucleo originario del progetto Technicolor: ecco allora che, nelle sei tracce presenti, i componenti del quartetto, non più legati dagli ‘obblighi dell’ospitalità’ hanno maggiormente modo di far sentire la propria voce. Rispetto al suo successore,
“Turtle Soup” è un disco più riflessivo, più spesso giocato sull’atmosfera e il rallentamento, spesso sfiorando i confini dell’ambient, talvolta valicandoli (ricordando magari il Robert Fripp più
‘liquido’) Tuttavia il gruppo si dà anche l’occasione di dimostrare di sapersi esprimere su registri più vivaci, dando sfogo ai propri ardori sopiti, ancora una volta con uno spirito molto ‘seventies’.
Nel corso delle oltre due ore di suoni c’è dunque motivo per divertirsi, scuotersi, concentrarsi o rilassarsi, nel segno di un progetto che non smette di tenere viva la curiosità di chi ascolta.Technicolor è l’ultimo progetto di Giovanni Mayer, apprezzato contrabbassista noto per aver a lungo militato nel quintetto elettrico di Enrico Rava e per aver partecipato, tra gli altri progetti, alla Italian Instable Orchestra. In questa occasione torna a imbracciare il basso elettrico, suo ‘amore di gioventù’, in un quartetto nel quale alla sezione ritmica completata dalla consueta batteria (dietro alla quale siede Zeno De Rossi) si affiancano due tastiere, con Giorgio Pacoring a occuparsi di Rhodes, farfisa e piano elettrico e Alfonso Santimone che, oltre che degli strumenti pi’tradizionali’, gestisce anche laptop e samples.
Quasi due progetti separati: il primo per ordine di importanza (ma la cui registrazione è più recente) reca già nel titolo il motivo del ‘diritto di precedenza’: “Featuring Marc Ribot” vede infatti il quartetto accogliere nelle sue fila uno dei maggiori esponenti della chitarra rock d’avanguardia, e insieme a lui Simone Massaron, altro sperimentatore che ha già avuto modo di farsi conoscere, anche attraverso i progetti curati dalla stessa Longsong.
Le dieci composizioni di “Featuring…” danno vita a un disco che, nelle sue sperimentazioni, conserva immediatezza di impatto e comunicazione con l’ascoltatore fin dall’incipit, uno smodato jazz-rock dal finale quasi ludico, per poi proseguire attraverso rarefazioni, esplosioni acide, parentesi prog e tratti impervi, resi accidentati dalle sincopi chitarristiche di Ribot e Massaron, cui il resto dell’ensemble cede volentieri il proscenio, riservandosi il ruolo, meno appariscente, di fornire una direzione al proseguimento del tragitto. Su scenari più congeniali anche ai meno avvezzi alla sperimentazione, si aprono improvvisamente finestre su panorami di avanguardia, in modo (e questo è il maggiore pregio del disco) assolutamente non traumatico e indolore, tanto da far ritrovare l’ascoltatore in territori più impervi quasi senza che esso se ne accorga.
Con il secondo cd, “Turtle Soup”, si risale invece al nucleo originario del progetto Technicolor: ecco allora che, nelle sei tracce presenti, i componenti del quartetto, non più legati dagli ‘obblighi dell’ospitalità’ hanno maggiormente modo di far sentire la propria voce. Rispetto al suo successore,
“Turtle Soup” è un disco più riflessivo, più spesso giocato sull’atmosfera e il rallentamento, spesso sfiorando i confini dell’ambient, talvolta valicandoli (ricordando magari il Robert Fripp più
‘liquido’) Tuttavia il gruppo si dà anche l’occasione di dimostrare di sapersi esprimere su registri più vivaci, dando sfogo ai propri ardori sopiti, ancora una volta con uno spirito molto ‘seventies’.
Nel corso delle oltre due ore di suoni c’è dunque motivo per divertirsi, scuotersi, concentrarsi o rilassarsi, nel segno di un progetto che non smette di tenere viva la curiosità di chi ascolta.